18 melhores filmes existenciais de todos os tempos

“Existencialismo” é um termo cunhado por filósofos europeus do final do século 19 e 20 que acreditavam que o pensamento filosófico começa com o sujeito humano - não apenas o sujeito pensante, mas o indivíduo humano que age, sente e vive. De acordo com eles, as pessoas estão procurando descobrir quem e o que são ao longo da vida, à medida que fazem escolhas com base em suas experiências, crenças e perspectivas. Sim, eu sei que é complicado. Mas, para simplificar, “existencialismo” é uma filosofia preocupada em encontrar o eu e o significado da vida por meio do livre arbítrio, da escolha e da responsabilidade pessoal.

A seguir está a lista dos principais filmes existenciais de todos os tempos, por meio dos quais seus realizadores tentaram entender o que significa existir neste mundo. Até que ponto nossas experiências moldam nossas crenças? E a vida é realmente sem sentido? Essas são algumas das muitas perguntas que esses filmes fazem. Qual destes melhores filmes iluministas é o seu favorito. A propósito, você pode transmitir alguns desses melhores filmes existenciais no Netflix, Hulu ou Amazon Prime.

18. Birdman (2014)



Repleto de energia bruta, ‘Birdman’ brinca com a arte de fazer filmes como você a conhece e dá uma nova dimensão a ela. Surpreende, desafia e deslumbra; às vezes, tudo de uma vez. É doido, emocionante e uma experiência que você, com toda a probabilidade, nunca teria tido nos cinemas. Um olhar cáustico e sombriamente engraçado sobre a cultura da fama instantânea e a celebridade nos dias de hoje do Facebook e do Twitter, ele zomba daqueles que são prisioneiros de sua própria imagem. Em última análise, é um filme sobre um ator que atravessa uma crise existencial.

17. Synecdoche, Nova York (2007)

‘Synecdoche, New York’ é um filme difícil de assistir, e até de estômago. Não é algo que precisa ser compreendido; filmes como esse precisam ser observados, sentidos e refletidos. Intensamente cerebral, muitas vezes chocante, ‘Synecdoche, New York’ não agradaria a todos; é uma celebração de tudo o que um artista aspira ser e, no entanto, é em última análise uma tragédia, mostrando o outro lado da ambição artística, onde o real encontra o irreal, mergulhando a mente artística nas profundezas escuras da incerteza e da depressão.

16. Pessoa (1966)

É difícil adicionar um filme como ‘Persona’ em qualquer lista baseada em gênero por causa da profundidade e ambigüidades dos temas tratados no filme. ‘Persona’ é um filme que está aberto a inúmeras interpretações e ainda é amplamente discutido, debatido e analisado por críticos, estudiosos e cinéfilos de todo o mundo. O filme conta a história de duas mulheres, uma enfermeira e seu paciente mudo e a ligação misteriosa de suas estranhas personas. O filme explora a identidade humana, confunde e abala nossas percepções de sonhos e realidade e mergulha nos aspectos mais profundos e obscuros da complexa psique humana e as fantasias bizarras que a envolvem. ‘Persona’ é uma experiência profundamente íntima e pessoal e é uma obra pura de poesia cinematográfica.

15. Taxista (1976)

‘Taxi Driver’ conta a história de um veterano do Vietnã emocionalmente destruído por sua vida nublada pela solidão e pela miséria. Um filme fortemente orientado para os personagens, ‘Taxi Driver’ apresenta uma atuação surpreendente de Robert De Niro, que retrata a queda de um homem na loucura quando o vemos sendo puxado pelas extremidades da escuridão humana. Talvez Travis Bickle já tenha sido um cara adorável e charmoso e foi a guerra que o fez se sentir estranho a um mundo que já foi seu lar. Sua incapacidade e desespero para entrar em contato com as pessoas e a luta perpétua para se encaixar em um mundo bizarro e bizarro dominado por assassinatos e contravenções é um retrato profundo e perturbador de uma alma humana.

14. Primavera, verão, outono, inverno ... e primavera (2003)

Tida como a melhor obra dos estábulos do autor sul-coreano Kim Ki-duk, 'Primavera, Verão, Outono, Inverno ... e Primavera' é uma história que narra a vida de um monge budista à medida que ele passa pelos diferentes estágios de vida. O filme pode ser considerado uma metáfora para a continuidade perpétua e a natureza cíclica da vida humana. Ao longo do caminho, também explora os temas de amor, sacrifício, devoção, reclusão e fidelidade. Conhecido por apresentar poucos diálogos, o filme é profundamente contemplativo por natureza e leva o público em uma viagem serena.

13. O Sétimo Continente (1989)

Chamar de 'O Sétimo Continente' de Michael Haneke um filme de terror parece muito errado para mim, mas é assim que a maioria das pessoas que o viram o chamam. É difícil discutir com eles, porque assistir a este filme deixa a pessoa sem esperança, deprimida e assustada. Tratando-se de uma família que odeia o mundo e a vida em geral, este clássico de 1989 assume uma postura fria e distante para isolar ainda mais os três jogadores do resto da sociedade, o que lenta mas seguramente faz com que o público sinta profundamente por eles como seus a existência dá uma guinada sombria. Sendo um dos filmes mais perturbadores a enfeitar a tela de prata, a obra de estreia de Haneke provoca o espectador e nunca desiste. Se o público o chama de filme de terror, eles o fazem referindo-se a um filme de terror diferente de qualquer outro. Coberto de ambigüidade e realismo,O Sétimo Continenteé uma releitura pessoal, íntima e aterrorizante de uma história verdadeira que o deixa em silêncio, porque por pelo menos alguns minutos após o término, você se torna incapaz de pronunciar uma única palavra.

12. Spirit of the Beehive (1973)

O mestre espanhol Victor Erice fez apenas três longas-metragens antes de se aposentar. Ainda vivo hoje, seus filmes como El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ e especialmente Spirit of the Beehive, sua estreia indefinível, fazem todos nós desejar que ele ainda estivesse fazendo filmes. Uma parábola de duas crianças, uma explorando sua existência com uma fascinação inocente, muitas vezes desconcertante, e a outra obcecada pelo filme 'Frankenstein', que foi exibido em seu teatro local. Seu retrato misterioso do coração espanhol é deixado em uma ambigüidade sedutora pela direção caracteristicamente neutra de Erice - raramente se aventurando no método cinematográfico em favor da observação silenciosa. O trabalho resultante é perplexo, envolvente e o deixará se perguntando sobre o enigma intrínseco da própria vida: suas perguntas irrespondíveis, seus grandes mistérios e sua indisponibilidade desconcertante. Para deixá-lo totalmente devastado ou incomparavelmente comovido, não há dúvida de que, para qualquer extremo, ‘Spirit of the Beehive’ será uma experiência importante.

11. Satan Tango (1994)

Fiquei hipnotizado pela obra-prima esparramada e prodigiosa de Béla Tarr quando a vi pela primeira vez. Seu senso pragmático do mundo real e sua paciência são suas qualidades definidoras. Ele observa mais do que reflete e contempla mais do que entrega declarações bem formadas. Seu realismo mítico e sombrio é bom demais para ser verdade e brutal demais para ter sido realizado com tal olho para a beleza. No final, tudo que eu queria fazer era fechar todas as janelas e me envolver na escuridão, porque o filme para mim tinha sido como aquele louco da igreja e seu lamento fazia muito sentido. Estou muito feliz em informar que as sagazes reflexões sociais e políticas de ‘Sátántangó’ começaram a se tornar claras para mim conforme eu voltei a ele repetidamente.

10. La Dolce Vita (1960)

O virtuose de Fellini com cautela, paciência e poesia suavizado está em plena exibição em seu palme d'Or vencedor, que em seu glamour cheio de alma e sombrio captura uma forma de vida que parece muito evasiva e, em alguns aspectos, muito real. Seu ritmo sublinha a sensação de falta de objetivo do protagonista e nos obriga a nos banharmos no arranjo sinfônico da vibração da vida e como tudo é fugaz. Este protagonista é interpretado por Marcello Mastroianni, o melhor da carreira, que usa esse dom do tempo para encher seus olhos de um cansaço irresistível do mundo. Questionar o significado de certas seções de 'La Dolce Vita' que podem parecer desprovidas de importância filosófica ou relevância narrativa é rejeitar a possibilidade de deixar os detalhes picantes passarem por você e então contemplar as consequências. Conforme a partitura celestial de Nino Rota nos leva para o mundo vertiginoso de Roma, visto pelo olho ilusório de Fellini, você vê apenas o que ele quer que você veja e rapidamente se torna o que você quer ver também.

9. 8 1/2 (1963)

Explorando a gravidade sombreada de Marcello Mastroianni, a eletricidade absoluta de Fellini pode ser esmagadora. Você se apega à sua percepção de um momento específico e reconhece sua riqueza sensual apenas para descobrir que o cineasta passou para outra sequência vibrante e deliciosamente equilibrada. Suas idéias sobre artistas e sua obsessão ridícula e perplexa por si mesmos podem parecer antiquadas - ou pior, irrelevantes - mas a audácia de sua construção e expressão nunca se perde em nós. Ela nos enfeitiça e nos engana, nunca permitindo que tiremos nossos olhos dela e então escorregue por entre nossos dedos, pois percebemos que nunca a tivemos em nossas mãos. Fellini não é muito diferente da vidente Maya do filme, que parece saber o que todos estão pensando: uma habilidade atribuída por sua assistente à telepatia. Quando nosso protagonista, Guido, questiona a assistente sobre como ela faz isso, ele observa claramente: 'É em parte um truque e em parte real. Eu não sei, mas acontece. ” Nenhuma palavra poderia ser mais adequada para descrever o filme.

8. O Sétimo Selo (1957)

Desde as primeiras imagens do documento icônico de Bergman sobre fé, medo e contentamento, há um feitiço lançado em você. O olhar severo e granulado para o mar, a costa e sobre ele um cavaleiro corajoso e seu encontro fatídico com a personificação da morte define a clareza de objetivo do filme, mesmo que deixe espaço para uma ambigüidade sedutora, quase assustadora, estar presente constantemente. Beneficiando-se de uma atuação magnética do incomparável Max von Sydow e de um grupo de atores que elevam o surpreendente material de Bergman, baseado em sua peça, “Wood Painting”, a níveis inesperados, 'O Sétimo Selo' em seus parcos 90 minutos tem a influência de uma velha fábula passada de geração em geração que impulsiona a imaginação muito mais expansiva do que ela própria pode esperar conter. O brilhante e nítido preto e branco de Gunnar Fischer garante que a intensidade angustiante se arraste sob nossa pele. A fluidez de fluxo é o resultado de uma narrativa desenrolada com confiança sublime e um equilíbrio tangível. Pode ser uma história totalmente simples, que, no entanto, guarda ideias valiosas em seu seio, mas é costurada com um tecido tão intrincado e ousado que você não pode deixar de olhar para ela repetidamente para que se traduza em uma memória duradoura.

7. Stalker (1979)

Mantendo seus descendentes menores, que incluem a série de televisão de enorme sucesso 'Westworld', sob controle, a colossal influência de 'Stalker' na narrativa visual não pode ser exagerada. Idéias - filosóficas, espirituais e científicas -, bem como sua hábil e gloriosa exploração cinematográfica em 'Stalker', encontraram suas impressões em muitas ficções científicas posteriores. Não é tanto o deslizamento, indução de transe e em pontos, ritmo abstrato ou o uso emocionante de sépia monocromática fora da 'Zona' e as cores de impressão das locações na Estônia, que foram espelhadas no trabalho de cineastas como Terrence Malick e Lav Diaz, para citar alguns, mas a paciência e humildade duradouras. Em grande parte entregando os reinados filosóficos ao público, Tarkovsky deixa tanto espaço para os espectadores descobrirem por si mesmos as múltiplas facetas metafísicas do filme, que mesmo sua poesia literal e visual incomparável parece tanto uma invenção de nossa fabricação quanto de sua e seus colaboradores.

6. Apocalypse Now (1979)

Um filme de guerra pode parecer uma escolha improvável. Mas, como eu disse, grandes filmes quebram as barreiras de seus gêneros. ‘Apocalypse Now’ é amplamente considerado o maior filme de guerra já feito. Mas no fundo, é um filme que também explora o existencialismo. A jornada do capitão Willard a uma obscura vila no Camboja para assassinar um enigmático oficial do exército renegado serve como uma metáfora visual para a viagem angustiante de um ser humano ao abismo da existência. ‘Apocalypse Now’ é sobre a busca de Willard por respostas. Com ele em sua jornada, questionamos as moralidades criadas por uma sociedade civilizada mascarada de hipocrisia e megalomania. Sua estranha e misteriosa fascinação pelo Coronel Kurtz culmina em sua descoberta das extremidades da guerra que podem transformar um homem em uma fera incivilizada.

5. Os 400 golpes (1959)

‘Os 400 golpes’ de François Truffaut é uma verdadeira obra de arte que se origina da dor real. Um trabalho verdadeiramente sincero e profundamente pessoal, Truffaut dedicou o filme ao seu pai espiritual e teórico do cinema internacionalmente aclamado André Bazin. De natureza distintamente autobiográfica, a própria infância de Truffaut foi conturbada, e isso se reflete de forma muito distinta no filme. Por fora, o filme é sobre a delinquência juvenil e adolescente, muitas vezes motivada pela negligência social e dos pais. Olhe um pouco mais fundo e encontrará um filme sobre esperança; espero que seja intenso e terapêutico. Antoine Doinel, o protagonista, é de alguma forma uma representação nítida da própria sociedade, uma sociedade que esconde suas próprias falhas por trás de regras, punições e julgamentos. O filme flui como um rio e leva o público por uma jornada de esperança, desespero, empatia e até mesmo raiva. Se você sempre quis ver como é uma obra-prima, não procure além de ‘The 400 Blows’.

4. Tokyo Story (1953)

‘Tokyo Story’ é o que todo cineasta que deseja contar uma história significativa aspira. Obviamente, todos eles ficam aquém! Não há melhor exemplo de um filme que apresenta uma história épica de forma tão simples, mas magistral, eficaz e inesquecível. Com ‘Tokyo Story’, Yasujiro Ozu alcançou algo que é o sonho de todo cineasta vivo: residir para sempre no coração e na mente do público. Qualquer pessoa que tenha visto 'Tokyo Story' saberá do que estou falando. O filme conta a história de um casal tradicional japonês que está envelhecendo e que visita seus filhos em Tóquio para perceber que seus filhos estão muito ocupados com suas vidas para cuidar deles e que se distanciaram imensamente deles, tanto cultural quanto emocionalmente . O que também é tão bom no filme é seu tema universal com o qual qualquer pessoa, em qualquer lugar pode se identificar. O estilo de filmagem de Ozu também garante que você esteja absorvido em um conto que oferece percepções profundas sobre a mudança da psique humana com a mudança dos tempos. Simplesmente brilhante!

2. 2001: A Space Odyssey (1968)

A genialidade de '2001: Uma Odisséia no Espaço' reside no fato de que a jornada espiritual que ela nos leva não subscreve o teísmo, o agnosticismo ou qualquer coisa em particular - cabe totalmente ao público como eles querem interpretar o filme. Isso vai desde a crença de um teísta na existência de um Deus sempre tão bom e amoroso até o cinismo de um agnóstico e a deprimente falta de sentido da vida que um niilista pode escolher. No entanto, no mínimo, Kubrick estabelece o quão insignificantes somos e quão minúsculos são os nossos chamados avanços tecnológicos! Temos anos-luz para avançar antes de obtermos as respostas a qualquer uma das questões existenciais que surgem em nossa mente.

3. A Árvore da Vida (2011)

Terrence Malick nunca questiona a existência de Deus em 'A Árvore da Vida'. Porém, seu verdadeiro senso de admiração não surge disso; em vez disso, ele se alegra com a magia que a própria vida é. Em uma era em que Deus se tornou um meio de provar superioridade e uma desculpa para prejudicar e até matar, ‘A Árvore da Vida” apresenta uma maneira bonita, mas razoável, de olhar para Deus. No final, ‘The Tree of Life’ é um poema cinematográfico de extraordinário alcance e ambição. Não pede apenas ao seu público que observe, mas também que reflita e sinta. Em sua forma mais simples, ‘The Tree of Life’ é uma história da jornada de se encontrar. Em sua forma mais complexa, é uma meditação sobre a vida humana e nosso lugar no grande esquema das coisas. No final, 'A Árvore da Vida' pode mudar a maneira como você encara a vida - ela me mudou.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelas (1975)

Este filme de vanguarda francês, estrelado por Delphine Seyrig como personagem-título, não é uma mera experiência cinematográfica. É mais perto de um exercício - um teste, e afeta você de uma forma que poucos outros filmes fizeram antes ou depois. A peça independente enfoca três dias na vida de uma dona de casa solitária e problemática, enquanto ela cumpre sua agenda rígida repleta de tarefas domésticas mundanas. Ela é mãe e viúva que realiza trabalho sexual para cavalheiros à noite, a fim de ganhar a vida. Os problemas surgem quando, no segundo dia, sua rotina é ligeiramente perturbada, levando a uma espécie de efeito dominó que se reflete nas horas que se seguem.Jeanne Dielmanpuxa a pessoa para seu mundo lento e meditativo com a assinatura diretorial distintiva de Akerman, envolvendo atmosfera diegética e uma aura hipnótica provocada pela personalidade calma, sutil e paciente da obra-prima, que é uma celebração dolorosa da monotonia da existência.

1. Random Balthazar (1966)

A desolada obra-prima de Robert Bresson é um exercício de sentimento. Ele evita definir um protagonista claro ou um tema central, a menos que você conte a força milagrosa da natureza que é Balthazar e se você considera o filme pelo valor de face, não o faz. Mas se você permitir que ele seja o seu ponto de acesso à paisagem emocional e temática do filme, é difícil voltar dela sem recompensa. O estilo visual peculiar, esguio e legal de Balthazar parece quase glamoroso em retrospecto; sua fragilidade plácida envolta em um senso de controle resignado e singularmente sábio. Mesmo sua honestidade palpável esconde um esforço estudado para conter um pouco, para nutrir em sua simplicidade de cenário e caráter uma riqueza deixada para o público descobrir e, em alguns casos de tirar o fôlego, imaginar. Atribuir significado a cada momento em 'Balthazar' não depende de assumirmos que seus conteúdos sejam alegorias de natureza social ou mesmo política, mas da maneira como eles nos fazemsentirsaboreando sua complexidade e quietude, em vez de depender da exposição estúpida a que a maioria dos filmes recorre. Faz todo o sentido, então, que o protagonista seja o burro homônimo.

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