Os 25 melhores curtas já feitos

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Existem muitos que não conseguem reservar 90 a 120 minutos por dia para assistir a um filme. Eles estão preocupados e têm uma variedade de tarefas para se preocupar no momento. Bem, filmes curtos são uma resolução perfeita para essas pessoas. Existem pessoas que consideram alternativas em diferentes formas de arte, mas os cinéfilos mais radicais precisam ter uma experiência visual parecida com o de um filme, e eu estando nesse extremo do espectro, acredite, eu sei o que eles passam. Um filme ou filme é uma série de imagens estáticas quando mostrado em uma tela que cria a ilusão de imagens em movimento e não há restrição de tempo de qualquer espécie.

Como aluno ávido, você precisa entender que tudo começa com um curta-metragem, uma experiência para medir seu próprio talento e entreter ao mesmo tempo. Alguns bons curtas influenciaram e definiram o cinema de uma forma que muitos desconhecem e geralmente capturam a essência de um diretor florescente de forma sublime. Com as restrições do seu lado e a carência cinematográfica, você sempre tem a opção de explorar os curtas-metragens e alguns dos maiores filmes foram concebidos após os curtas. Existem milhares de curtas-metragens na rede, nem todos necessariamente de qualidade e é tarefa de pesquisar com o mínimo de informação fornecida sobre eles de forma bastante óbvia devido ao mínimo de exposição.

Agora, sendo um fã de filmes de terror, sempre tendo a procurar curtas que me chocam e não servem apenas ao propósito de me assustar, você tem que concordar que pulos assustadores só são emocionantes durante sua duração, mas não têm nenhum efeito memorável. Filmes de terror psicológico ou atmosférico são geralmente os melhores do lote e, apesar de seu orçamento comparativamente baixo, são complicados porque exigem sutileza por meio da técnica, enquanto a técnica pode ser de imagens visuais ou de história ou performances.

Com isso dito, aqui está a lista dos melhores curtas de todos os tempos que vão te impressionar. Você pode assistir alguns desses melhores curtas-metragens online no Youtube, Netflix, Hulu ou Amazon Prime.

25. Código 8

'Code 8' foi produzido em 2016 por Stephen Amell (Arrow) e Robbie Amell, dirigido por Jeff Chan que também fez 'Operation Kingfish', a prequela de Call of Duty: Modern Warfare 2. Os irmãos Amell e Chan fizeram este curta filme como um teaser de um longa-metragem completo que eles haviam planejado e pretendiam usar este vídeo para obter o financiamento coletivo de seu projeto. A decisão de seguir o caminho do indie foi exercer controle criativo completo sobre o filme, já que a intromissão das produtoras nos filmes está em alta. A razão pela qual eu gostei foi porque ele não é completo com seus elementos cyberpunk, ele fica em algum lugar entre o nosso mundo e aquele em ‘Blade Runner’, semelhante a ‘Escape from New York’ de Carpenter. O filme também tem um conceito semelhante a ‘X-Men’, com uma minoria de humanos mutantes enfrentando o peso do governo exclusivamente opressor.

24. Jiminy

Pessoas familiarizadas com o personagem de Pinóquio devem estar cientes de Jiminy Cricket, e é daí que o filme tira o título. Agora, a história de Pinóquio tem duas versões, a original que é sombria e perturbadora e a da Disney atenuada para um público mais amplo. ‘Jiminy’ é uma reimaginação futurística de um mundo onde as pessoas têm chips de controle semelhantes aos do críquete, que fornecem uma alternativa para realizar todas as tarefas com perfeição. Os chips na superfície parecem ser muito úteis e de suporte como a versão da Disney, mas à medida que avançamos, entendemos a extensão do controle que eles têm sobre a mentalidade das pessoas, transformando-as em um estado mentalmente vazio em seu déficit.

23. Darth Maul: Aprendiz

Quando eu estava passando por vários curtas-metragens, esse era um nome pelo qual eu geralmente não teria optado em um milhão de anos. Um fã que fez o filme de Guerra nas Estrelas do “século 21”, só se pode esperar o mínimo dele. Mas fiquei surpreso com a qualidade do filme e, para ser honesto, este é um dos melhores trabalhos de 'Guerra nas Estrelas' que já vi. Sendo um fanboy de Star Wars, eu desprezo o tratamento de Darth Maul sendo restrito a um trampolim para o terrível desenvolvimento de Anakin Skywalker. Aqui, podemos ver o guerreiro habilidoso crescer e se tornar um Lorde Sith, matando o que se assemelha a uma versão vaga de Obi-wan e seus discípulos no processo. As cenas de luta são muito bem coreografadas e realizadas com a agilidade que se espera de quem se dedica à arte.

22. Kung Fury

Não sei o que me deixou mais revigorado depois de assistir ‘Kung Fury’, o tributo que presta ao entretenimento retro dos anos 80 com sua atmosfera sintetizada descolada ou o fato de que finalmente encontrei a fonte dos memes 'Hackerman'. O curta-metragem de David Sandberg invade o futuro fantasiado e também parodia filmes semelhantes da era retro. Kung Fury, nosso herói é atingido por um raio que o transforma em um guerreiro de artes marciais imbatível, e o que se segue é algo em que você só acreditará se verificar. O filme é melhor reproduzido com uma resolução de 240p, para que você possa se deixar engolfar pela nostalgia do VHS, e se isso não bastasse, o Cavaleiro Rider David Hasselhoff também faz uma participação especial.

21. Frankenweenie

Infelizmente, assisti a este clássico de 30 minutos do Tim Burton pré-século 21 depois de sentar por 90 minutos na versão roubada de ‘Noiva cadáver’. Esta foi a época em que Burton não enchia cada centímetro possível da tela com uma paleta inspirada na era expressionista. Este curta fez com que o diretor fosse demitido porque a Disney o considerou impróprio para o público jovem. Ele funciona como uma versão moderna de Frankenstein com um cachorro sendo ressuscitado por seu jovem amigo de coração partido. Cachorro tem sido o amigo mais fiel do homem, e pode-se perguntar aos adultos o quanto seus animais de estimação significavam para eles e se fariam qualquer coisa para salvá-lo. Embora os adultos possam chegar a um acordo com a morte, mas as crianças não, e isso dá uma base muito sólida para o propósito do filme.

20. O Nostalgista

‘The Nostalgist’ pode realmente derramar nostalgia sobre os fãs de ‘A.I. de Steven Spielberg Inteligência artificial'. O filme se passa em um mundo distópico, onde as pessoas podem usar viseiras modificadas que apresentam uma realidade virtual. O filme apresenta o vínculo entre pai e filho, e me fez pensar em como o termo “pai-filho” é muito subjetivo. Na verdade, um pode amar e cuidar do outro como pai, e o outro pode retribuir o respeito que está associado aos filhos. Embora tenha 17 minutos de duração, juntamente com filmes de ficção científica recentes, este desconsidera o que são considerados 'pré-requisitos' para estar em um relacionamento.

19. Estou aqui

Eu li ‘The Giving Tree’, de Shel Silverstein, quando era criança e, embora tenha encontrado várias versões dele, nenhuma é tão alta quanto o curta-metragem de Spike Jonze. ‘Eu estou aqui’ é estrelado por Andrew Garfield como um robô em um mundo onde eles são tratados como inferiores, eles não são 'mal usados', mas olhados como aberrações. O Sheldon de Garfield é um introvertido que vive uma vida monótona, semelhante a Teodoro de ‘Dela’, que foi inspirado nisso. Sheldon se apaixona pelo robô imprudente Francesca, que é o oposto dele, e o filme explora seu amor incondicional por ela. Ao contrário da história, Francesca não é egoísta, ela acaba cometendo erros inocentes que custam muito ao casal.

18. Labirinto eletrônico: THX 1138 4EB

Embora George Lucas seja conhecido por iniciar a franquia Star Wars, seu primeiro longa-metragem ‘THX 1138’ continua sendo seu melhor trabalho e um dos melhores filmes de ficção científica de todos os tempos. Além de ser um retrato arrepiante do mundo orwelliano, o filme ajudou a iniciar uma categoria de filmes que mesclava ficção científica com sátira social. ‘Labirinto eletrônico’ é a base para o longa, e Lucas o criou para seu projeto universitário de cinema. Embora possa ter falta de qualidade por causa de um orçamento apertado, Lucas teve acesso a alojamentos restritos da Marinha e, portanto, parece uma projeção de um mundo distante.

17. Uma viagem à lua

Já se passaram 115 anos desde que A Trip to the Moon foi feito, pare um momento e deixe-o entender. George Melies retratou a viagem espacial em 1902, décadas antes de o primeiro foguete capaz de cobrir longas distâncias ser construído, e mais da metade de um século antes de alguém sequer conceber o projeto que poderia enviar o homem ao espaço. Se isso não bastasse, ele até mesmo retratou marcianos parecendo alienígenas na tela. Melies foi um verdadeiro visionário e seu trabalho indica surrealismo antigo e realismo mágico, e sua paixão pela geometria é quase hipnotizante. Ele está disponível em versões em preto e branco e em cores no YouTube, e eu aconselho o primeiro, pois o último parece ter sua autenticidade roubada por causa do processo de restauração eterno.

16. O Jetee

Eu imaginei uma situação, suponha que Chris Marker visse La Jetee em um teatro local um dia quando criança e, anos depois, se ele voltasse no tempo e percebesse que era o criador, ele mudaria a forma como o filme era fez? Ouvi dizer que ele não tinha dinheiro para comprar uma câmera de vídeo e, por isso, optei por compilar as fotos, o que acho que sincroniza muito bem com a abrupta passagem do tempo da perspectiva do protagonista. Curiosamente, de acordo com sua própria criação, ele não poderia, porque não importa o quão vaga e metafísica a viagem no tempo seja no filme, simplesmente não há como escapar do presente. Seu plano de existência está confinado ao presente, que provavelmente é a única coisa que importa, porque é a única capaz de afetá-lo. La Jetee é experimental, quase nada realista sobre o filme; a premissa, o processo, o amor, tudo é apenas um exercício de engano.

15. Alexia

Começando com ‘Alexia’, um curta argentino com um enredo de terror cibernético-mídia social dominante. Ele apresenta um relato sobrenatural de eventos, que carece de verossimilhança, mas compensa suas deficiências com grande atenção aos detalhes. Alexia era uma menina que se suicidou depois que seu namorado (o protagonista) rompeu com ela e o vemos passando por seu perfil, um sinal de culpa e carinho que provavelmente reside dentro dela. Depois de conversar com sua atual namorada online, ele decide afastar Alexia, o que resulta em seu computador enlouquecer e mensagens da falecida Alexia, incluindo uma imagem roubada de ‘Ringu’.

O trabalho de câmera e a edição são fenomenais com os close-ups capturando a confusão total nos olhos do ator principal e sua ansiedade crescente por meio dos dedos e o movimento retardado do cursor. Os ângulos da câmera e a mudança são um pouco exagerados, mas exigem a quantidade certa de atenção e conseguem criar um clima de perplexidade. Tecnicamente, o filme é muito bom, com o VFX, apesar de seu orçamento não enganar o intelecto do público, o fantasma e a íris são conquistas legais. Alexia acaba sendo mais do que apenas um vírus que bagunça o computador e a perspectiva no final é assustadora e faz você refletir sobre o destino do lead. O roteiro não é nada bom e depende de pulos assustadores, mas o verdadeiro impacto do filme só acontece quando você o relaciona em um nível mais comum, pensando nele sem se inclinar para o aspecto sobrenatural.

14. O Homem Sorridente

'O Homem Sorridente' lança uma criança contra o diabo, e a criança não possui superpoderes ou habilidades características de um filme de Hollywood. Não. A criança é feita para enfrentar o mal puro e o nascimento do terror, pois a palavra “medo” se limita a fantasmas e bruxas na infância, e tudo isso acontece em meio à morte. Não tenho intenção de discutir o enredo porque não há maneira possível de focar em pontos importantes do enredo em seus 7 minutos de duração, pois isso estragaria totalmente a experiência.

A intrusão é um assunto rotineiro em filmes de terror e o que faz com que alguns deles se destaquem é a forma como são filmados. Desde o início você tem a impressão da presença de uma força sobrenatural, mas o que você descobre é uma personificação física dela e não uma criatura gasosa ou uma presença invisível. Ele usa todos os truques do Livro para Palhaços para atrair a criança para um acontecimento infeliz e este tratamento pode não causar sobressaltos, mas te perturba, e um filme de terror só funciona quando permanece em sua mente depois de terminar isto. Este filme não é recomendado para qualquer pessoa que tende a ficar inquieta na companhia de palhaços.

13. Ele arrancou a pele por mim

Colocá-lo apenas sob o terror seria uma vergonha. Esta é a parte da lista em que deixaremos o horror convencional desgastado de lado e nos concentraremos no horror induzido pela matéria e suas qualidades realistas. O curta-metragem de 12 minutos segue seu título e se concentra em um homem que tira a pele para provar seu amor por sua namorada. Amparado por uma maquiagem fantástica e uso zero de CGI, o protagonista sem pele é um espetáculo para ser visto (em termos de técnica para o público e emocionalmente para sua namorada, que não consegue expressar sua reação à sua beleza irresistível). O cara sem pele te irrita (trocadilho intencional), mas isso é lentamente drenado pela aceitação do casal à situação que funciona muito bem como uma comédia de humor negro. Mais adiante no filme, há uma tensão crescente e a moda começa a se desgastar, deixando rastros dela em todos os lugares, rastros que eles não querem sentir, pois não se sentem mais confortáveis ​​com isso.

O filme é adorável, com escrita, atuação e trabalho de câmera impecáveis ​​(o close-up de carne frita e as filmagens em toda a casa são muito inteligentes) e pode ser interpretado como uma metáfora para a transparência. Ao tirar a pele, o protagonista expõe tudo e permanece honesto com seu relacionamento ao se abrir, mesmo que seu parceiro não retribua. No início, eles ficam mais íntimos com a verdade elevando seu vínculo, mas com o passar do tempo notamos a complacência dentro dele, pois seu parceiro apenas ajuda a resolver seus problemas, mas nunca o segue, a ponto de haver uma tensão evidente entre eles resultando no chocante última cena.

12. Canis

Canis é um curta-metragem de terror em stop motion que gira em torno de um menino preso em uma casa cercada por cães que seriam os animais de estimação perfeitos para os ghouls em ‘Night of the Living Dead’. É desolador, comovente e é um grande NÃO para as pessoas que não suportam a violência por causa de sua exploração impensável de sangue, mas isso não deve permitir que você o distraia da obra-prima que é. O cenário parece pós-apocalíptico por causa dos pontos da trama de sobrevivência como conservação de alimentos, ruínas da civilização, nascimento de um humano, animais furiosos e o monocromático desbotado.

Os personagens foram feitos de arame, tecido e madeira e trazidos à vida (uma afirmação muito dura) por meio de técnicas de stop motion de Anna Solanas e Marc Riba. Apesar de seu tom niilista, tem um final que justamente o classifica como um conto de fadas, com a parte “fada” tão dominante quanto uma pitada de sangue no oceano. Uma história de maioridade que receberia um “R!” classificação lidando com estupro, disforia de espécies, assassinato de um ente querido, comedores de homens e partes cortadas do corpo é tudo menos um filme para crianças. Tecnicamente, ele só pode ser superado pela escolha nº 1 nesta lista com detalhes impecáveis ​​na produção e design de som, cada cicatriz é cortada com a quantidade perfeita de loucura e um único olhar pode transmitir a história por trás disso.

Passando para a trama, Teo sobrevive com seu cachorro e um velho (que poderia ser seu avô) e acha difícil aceitar a gravidade da situação em que estão presos. Tudo muda quando um erro leva à sua morte do guardião nas mandíbulas dos cães selvagens, e ele tem que se preparar para protegê-lo e ao seu cão matando intrusos. Ele é estuprado por uma mulher que se veste de cachorro para sobreviver e tem que recorrer a comer carne de cachorro, enquanto vemos seu cachorro ficando cada vez mais inquieto e selvagem devido às adversidades e a única coisa que o separa dos outros comedores de homens é uma mera aparência. A história se desdobra em uma fase ainda grotesca e angustiante que finalmente indica a conclusão da transformação de Teo em um homem, pronto para enfrentar o mundo.

11. FUCKKKYOUU

‘FUCKKKYOUU’ é um perturbador filme surrealista e um testemunho da influência do terror Lynchiano. Filmado em monocromático granulado com visões borradas e a trilha sonora de Flying Lotus tocando as sinfonias de 'Eraserhead', este é um filme do qual Lynch se orgulharia. O filme começa com uma orientação que lembra os filmes de terror dos anos 30-40 e uma criatura desfigurada que lembra 'O Homem Elefante'. Achei difícil construir uma teoria que explicasse os eventos e minhas células cerebrais foram completamente atraídas pelo Elemento da Surpresa, e tive que me referir a fontes virtuais. O filme gira basicamente em torno de uma criatura humanóide que luta com sua identidade e gênero ao se deparar com a rejeição que se dá por meio de períodos intercambiáveis, sendo o passado lapsos de realidade depois de ser revirado pela injeção que nos é mostrada no início.

O filme está cheio de dor estridente e desespero uivante, com a música sem alma realmente capaz de perturbar qualquer pessoa sã. O título do filme é uma piada interna, e surgiu durante uma sessão onde Flying Lotus tocava músicas aleatoriamente e uma delas soava como “F * ck you”. Também pode ser interpretado como o último grito do ser mutante, uma resposta adequada às plantas que o rasgam. Sem palavras, só posso pedir que você mesmo verifique porque a experiência é fascinante e, embora você possa acabar não ganhando nada com isso, ela vai estourar seus miolos. Acredite em mim!

10. Momentos de corte

Eu teria colocado 'Cutting Moments' um pouco acima na lista por causa de seus visuais e assunto altamente perturbadores, mas 'The Big Shave' sendo uma grande inspiração para isso teve um impacto maior em um momento em que apenas Peckinpah se atreveu a usar o cor vermelha mais do que o considerado normal. Cutting Moments gira em torno de uma família americana que parece normal do lado de fora; um homem, sua esposa e seu filho, mas sofre de problemas que atormentam uma quantidade considerável de famílias na sociedade ocidental e que resultam em manchetes que fazem você tremer.

Sarah e Patrick vivem com emoções reprimidas e preferem o isolamento, com Patrick negando completamente a existência de Sarah. A frieza entre eles é física e emocional, com Patrick desviando seus impulsos sexuais para o filho durante um evento que é vagamente apresentado. Sarah tenta se vestir de maneira erótica para agradar Patrick, mas quando essa tentativa falha, sua estabilidade mental também falha. Em uma condição completamente destruída, ela se entrega a uma severa automutilação como último recurso, o que é seguido por eventos que são simplesmente impensáveis ​​e teriam influenciado o 'antriquista' de Lars von Trier até certo ponto.

9. O Big Shave

O primeiro curta-metragem de Martin Scorsese é o prefácio perfeito para sua carreira. Crivado com sua marca registrada subtexto extremista católico de pecado, mortificação física e a batalha interna entre fé e realidade sobreposta por temas de violência, extenuidade e tensão. Todo o filme se passa em um banheiro e em seus 5 minutos de duração, 'The Big Shave' envolve um homem que ensaboa o rosto duas vezes, uma com a intenção de se livrar dos pelos faciais e a próxima com a intenção de se livrar deles ele mesmo. É experimental e há muitos close-ups do que Scorsese normalmente usaria, mas ele consegue equilibrar entre a representação direta (o espelho) e indireta (a lâmina de barbear) do ato, dando a ele uma identidade diferente de um filme hippie chamativo .

Agora irei discutir o enredo, uma vez que funciona como uma metáfora escondida em seu título alternativo 'Viet 67' mostrado durante os créditos finais. Viet 67 é uma referência à Guerra do Vietnã, uma questão altamente criticada durante o tempo em que foi filmado com uma imagem clara da guerra e do presidente Johnson sendo revelado ao país. A automutilação reflete o envolvimento autodestrutivo dos EUA na guerra, que resultou na perda de 1 milhão de vidas americanas, homens que eram pessoas normais como o público e tinham conhecimento mínimo sobre os eventos que eles tiveram que enfrentar.

8. Melodrama sacramental

Pedaço de cinema absolutamente nojento e vil. Melodrama Sacramental é uma gravação de 17 minutos da peça de Alejandro Jodorowsky de mesmo nome com seu grupo teatral The Panic Movement. O grupo pode ser considerado um culto e seu motivo era conseguir o que Bunuel e Dali fizeram nos anos 20, chocando o público e revivendo o surrealismo que se tornou a pequena burguesia. Era estrelado principalmente por Jodorowsky vestido de motociclista e apresentava-o cortando a garganta de dois gansos, prendendo duas cobras em seu peito e sendo despido e chicoteado. Outras cenas incluíram mulheres nuas cobertas de mel, uma galinha crucificada, o assassinato encenado de um rabino, uma vagina gigante, o lançamento de tartarugas vivas para o público e damascos em lata.

No disfarce da originalidade, este curta envolve crueldade contra os animais e abstração sexual, mas ao contrário das obras de Buñuel, ele acaba sendo tão cru que não choca nem empresta seu pathos surrealista à forma de arte. Funciona como ‘Centopéia Humana’ ou ‘Um Filme Sérvio’, para usar horror físico sem sentido para não conseguir nada e esta é uma prova muito desanimadora da visão extraordinariamente magnífica de Jodorowsky, que foi transmitida através de ‘El Topo’ e ‘A Montanha Sagrada’. Eu não gosto disso, cito Rick Blaine 'Se eu pensasse, provavelmente faria'.

7. Seis homens adoecendo, seis vezes

David Lynch O primeiro filme, feito com um orçamento de US $ 200, foi um curta de animação stop-motion que lhe rendeu um prêmio Memorial no concurso experimental de pintura e escultura de sua escola de cinema. O filme consiste em uma pintura animada, retratando seis figuras dismórficas regurgitando em sequência com o som de uma sirene ao fundo. Os críticos o descreveram como um paradigma útil para o senso narrativo de Lynch, com muitos apontando as semelhanças que ele compartilha com ‘Eraserhead’.

O enredo real (por uma questão de conveniência) se desenrola por um minuto com o estado das figuras passando por transformações, seus órgãos internos tornam-se visíveis e seus estômagos se enchem de uma substância de cor viva, que sobe até suas cabeças, fazendo-os vomitar , e isso é jogado 4 vezes para contabilizar seu tempo de execução de 4 minutos. Observe as aparências anormais, a intenção de causar nojo (vômito), o uso de horror físico (representação de órgãos internos), o design de som estrondoso que estava presente em seus filmes anteriores e a parte engraçada é que alguns espectadores podem se sentir enjoados ou desorientados depois de assistir isso e pessoas que estão perfeitamente bem com isso, de qualquer maneira a piada é sobre você e você representa os seis doentes.

6. O amor existe

Embora seja um mestre do cinema por seus próprios méritos, Maurice Pialat iludiu grande renome tanto quanto iludiu regras cinematográficas pré-existentes. No entanto, aqueles que estão familiarizados com seu trabalho irão apreciar o quão definida é sua influência em inúmeros filmes modernos. É difícil colocar Pialat em qualquer categoria concreta, pois seus filmes estavam enraizados em um realismo tão pouco sentimental e emocionalmente denso que parecia formalista. Um de seus primeiros trabalhos é o curta documental de 20 minutos, L'Amour Existe, que é seu comentário sobre a expansão urbana na França pós-guerra e seu conflito de classes subjacente. Ele constrói uma narrativa tomada a tomada da realidade sórdida do desenvolvimento parisiense com os subúrbios decaindo em abandono, com uma narração de Jean-Loup Reynold. Pialat destaca com elaborada paciência como a vida nos subúrbios era sombria na era do pós-guerra, à medida que a publicidade assumia o controle da realidade e as pessoas adotavam uma vida materialista e monótona.

L'amour Existe também aponta como a classe média e alta parisiense desfruta de uma educação melhor não apenas academicamente, mas também culturalmente, enquanto as crianças dos subúrbios não têm acesso a teatros ou salas de concerto. Pialat descreve os novos edifícios residenciais que surgiram rapidamente como 'campos de concentração' com pequenas janelas horizontais de onde não há nada para olhar. O curta-metragem ganhou prêmios no Festival de Cinema de Veneza e no Prix Lumière. Maurice Pialat fez muitos filmes brilhantes como A Nos Amours e Sous le Soleil de Satan, que ganhou a Palma de Ouro em Cannes.

5. Cigarros e café

Embora Cigarettes & Coffee fosse apenas P.T. Anderson Pela segunda vez atrás das câmeras, não parece de forma alguma o trabalho de um amador. O filme se passa quase inteiramente em uma lanchonete, e somos apresentados a cinco personagens, suas histórias e uma nota de $ 20 que os conecta. Há um homem tenso e nervoso que narra sua história, buscando a ajuda de um velho amigo mais sereno, que é muito exigente em esperar até que o café seja servido e os cigarros sejam acesos, ou então a conversa não terá nenhum significado real. Na outra cabine, há um casal em lua de mel que perdeu todo o dinheiro depois que a esposa gasta tudo no jogo. Um tempo depois, um homem sombrio aparentemente sem relação com os outros entra na lanchonete. Porém, à medida que uma nota de $ 20 passa de um personagem para o outro, ficamos sabendo que eles podem estar conectados entre si.

Este curta de 23 minutos tem história suficiente para um filme antes e outro depois. O diálogo, o enquadramento e o trabalho de câmera do filme mostram que ele é feito por quem sabe exatamente o que quer. A característica mais marcante deste filme é o uso do tracking shot para quebras de cena. A atuação neste filme também é especialmente boa. Anderson mais tarde adaptou e expandiu este curta em um longa-metragem, ‘Hard Eight’ - seu próximo empreendimento.

4. Six Shooter

Martin McDonagh, que dirigiu In Bruges and Seven Psychopaths, começou fazendo um filme de humor negro de 27 minutos ambientado na Irlanda, chamado Six Shooter - que ganhou um Oscar e é um dos curtas mais conhecidos de todos Tempo. É quase surpreendente como um filme tão carregado de morte e perda pessoal consegue ser tão engraçado e expressivo ao mesmo tempo. O curta é extremamente bem feito e inteligente, de modo que o humor é diferente tanto das marcas americanas quanto das britânicas de humor negro. Segue-se um homem idoso, Donnelly, que acaba de perder sua esposa e, na viagem de trem de volta do hospital, ele se encontra sentado com um adolescente indisciplinado cuja mãe acabou de morrer. Sentado ao lado deles está um casal sombrio que acaba de perder seu filho recém-nascido.

No entanto, este cenário aparentemente sombrio logo toma um rumo mais sombrio e as coisas se tornam mais confusas e engraçadas ao mesmo tempo, com revelações de assassinato, suicídios, tiroteios com a polícia, vacas explodindo e mortes de animais de estimação. Qualquer pessoa familiarizada com os outros filmes de McDonagh não precisará de mais motivos para assistir a esta obra-prima. No entanto, este filme também constitui uma visualização essencial para quem gosta de uma comédia negra inteligente, o que significa simplesmente todos.

3. Uma mulher coquete

Provavelmente o mais prolífico de todos os diretores da New Wave, Jean-Luc Godard tem feito filmes desde 1950 com a mesma inventividade de sempre. Até agora, ele dirigiu mais de cem filmes, incluindo Contempt, Breathless e Band of Outsiders. Mas Godard começou sua jornada como diretor com um curta-metragem menos conhecido, Une Femme Coquette, em 1955. Baseado em uma história de Maupassant, o curta em preto e branco de 9 minutos segue uma mulher casada quando ela é repentinamente tentada a flertar com um estranho depois de ver uma prostituta atrair graciosamente homens espectadores de uma janela acima da rua. Ela está extremamente impressionada com a forma graciosa como a mulher atrai estranhos - com um sorriso casual, mas convidativo, que poderia facilmente significar “Que lindo dia!”.

Tendo testemunhado isso, ela impulsivamente decide sorrir sedutoramente para o próximo homem que ela vê. Une Femme Coquette é uma reminiscência de outras obras iniciais de Godard - com uma trilha sonora otimista, conduzida por um diálogo articulado, tomadas em grande angular e uma edição um tanto acelerada. O filme foi considerado perdido por muito tempo, até recentemente, quando apareceu no YouTube. O curta também traz uma participação especial de Godard de 24 anos, o que deve ser motivo suficiente para os cinéfilos darem uma olhada. (Veja aqui )

2. Tram

Krzysztof Kieslowski fez Tramwaj, um dos melhores curtas-metragens, enquanto ainda era estudante na escola de cinema. Neste filme de 5 minutos, seguimos um jovem em uma noite de inverno enquanto ele embarca em um bonde no qual ele vê uma linda jovem sentada sozinha. Seus olhos se encontram, a garota parece inicialmente inquieta, mas lentamente se aquece com sua presença enquanto ele fecha a porta do bonde vendo como o ar a deixou fria e então começa a mastigar um cubo de açúcar infantilmente. Mas antes que algo pudesse acontecer, o bonde chega à parada do homem e ele o desembarca. Ele imediatamente se arrepende de perder aquele momento oportuno e é dominado pelo desejo de se aproximar da garota, então ele corre atrás do bonde na esperança de alcançá-la. No começo, vimos o homem sozinho em uma boate onde todos dançavam e ele não parecia estar se divertindo. Ele provavelmente não tem muita sorte com as mulheres, e é por isso que ele deve ter sentido uma forte sensação de lamento e, portanto, sua corrida impulsiva.

Quase todo mundo útil sentiu pelo menos uma vez um calor semelhante ao ver um estranho aleatório, alguém diferente do resto, alguém tão atraente que queremos conhecê-lo. Essa mesma situação também foi expressa pelo Sr. Bernstein em Citizen Kane, quando ele conta como ainda se lembra de uma garota que viu por apenas um segundo quando era jovem, usando um vestido branco em uma balsa. Além da trama, o que torna o curta interessante é a proeza magistral de Kieslowski por trás das câmeras e seu grande talento para contar histórias. Desde então, Kieslowski se tornou um dos maiores nomes do cinema artístico e fez grandes obras como The Dekalog e a trilogia Trois Couleurs.

1. Um cão andaluz

O cão andaluz é uma raça originária da Espanha, terra natal de Luis Bunuel e Salvador Dali, os dois criadores deste monumental curta-metragem. Na Península Ibérica existem pinturas rupestres que representam cães com uma forte semelhança com esta raça e, francamente, o elemento de realidade nebulosa das pinturas rupestres é a única coisa que o filme toma emprestado da existência do cão andaluz. Embora o movimento surrealista já tivesse começado na década de 20, não conseguiu atrair a atenção mundial e Bunuel-Dali conseguiu isso chocando o público com imagens que simbolizavam nada além da supressão da criatividade.

Desde o primeiro close-up que envolve o próprio Bunuel, cortando o olho de uma mulher com o humor vítreo derramado que agita seu cérebro até a última imagem de um casal morto enterrado na areia da praia, o filme nunca diminui sua intensidade de uma vez por outra poderia argumentar sobre o padrão absurdo de cenas ajudando nessa causa, é importante notar como elas estão dispostas de uma forma que lhes dê uma continuidade propícia. As técnicas e imagens de terror corporal na maioria das cenas foram estudadas e aplicadas em inúmeros outros filmes baseados em sonhos ou temas de terror. Os exemplos mais notáveis ​​são ‘Oldboy’, ‘Spellbound’, ‘Quills’ e ‘The Blood of a Poet’. Embora uma miríade de críticas tenha adotado várias teorias para explicar os eventos do filme, elas se restringem à palavra “teoria”, com Bunuel rindo de qualquer explicação plausível para isso.

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