10 melhores cenas de filme de diálogo de todos os tempos

Desde que houve grandes filmes, grandes roteiristas também floresceram. Sem a base sólida de um roteiro bom, mesmo os maiores diretores podem vacilar no obstáculo final e é por isso que escrever, junto com a edição, são talvez os dois elementos mais essenciais (e falados suavemente) de produção. Abaixo estão algumas das melhores peças de escrita de roteiro de cena única já realizadas. Alguns fazem você rir, outros fazem você chorar e alguns me fazem rastejar em uma bola e desejar que o mundo desapareça por um tempo - mas cada um deles é a marca de um artista fantástico trabalhando no topo de seu jogo. Aproveite, a lista das melhores cenas de diálogo de filmes de todos os tempos.

10. Glengarry Glen Ross - “Always be Closing”

Poucos roteiristas conseguem lidar tão habilmente com o uso de palavrões como David Mamet e, na adaptação repleta de estrelas de sua própria peça, ele atingiu seu pico absoluto. O mais notável entre sua infinidade de colapsos memoráveis ​​é a cena entre Al Pacino, Kevin Spacey e Jack Lemmon, na qual o primeiro inicia uma briga violenta. Mamet mantém um senso de ritmo e ferocidade consumado enquanto o personagem predominantemente quieto de Pacino explode, exaurindo seus insultos convencionais e, em seguida, mudando para um hilariante arsenal alternativo de rebatidas estranhas.



Enquanto Pacino sai de cena, Lemmon faz um comentário passageiro a Spacey que desencadeia mais uma escaramuça que termina decisivamente para o personagem trágico do primeiro - deixando-o totalmente condenado. É uma maneira brilhante de encerrar a natureza ininterrupta do filme, reunindo todo o impulso construído até aquele ponto e deixando toda a sua tensão reprimida em um turbilhão imaculadamente controlado de poder linguístico. Escrita engenhosa.

9. Dr. Strangelove - “Telefonema”

Muito da escrita de Strangelove é ouro cômico e, apesar de suas raízes técnicas no monólogo, nenhuma interação dentro dos 90 minutos para a meia-noite lotados de Stanley Kubrick é tão hilário quanto o telefonema do presidente americano para o líder russo 'Dimitri'. A cena é breve e ainda atinge tão forte em cada linha que eu não tive nenhum problema em incluí-la como uma escolha de comédia aqui. A sagacidade rápida de ‘Duck Soup’ e as gloriosas ‘Blazing Saddles’ vencem, mas nada supera a batida compacta e sempre eficaz desta cena.

8. True Romance - “Sicilianos”

De todas as fantásticas cenas de cenário que Quentin Tarantino já escreveu, poucas são repletas de tantos floreios maravilhosos de jogo de palavras quanto o confronto entre Christopher Walken e Dennis Hopper no meio do 'True Romance' de Tony Scott. Das frases de abertura imortais de Walken ao paciente e monólogo emocionante que Hopper oferece uma vez que ele aceita seu destino, existem poucas batalhas de palavras melhores na página ou na tela.

Parte do elogio deve ser entregue ao próprio Scott, dirigindo a cena com cobertura eficaz em ambas as partes e deixando entrar uma linha de música clássica para apoiar o desafio final de Hopper no momento certo. Enquanto a sequência do porão de ‘Bastardos Inglórios’ ou qualquer um dos momentos soberbamente escritos em ‘Jackie Brown’ estavam em forte disputa por este local, não há como negar a proeza excepcional que Tarantino exibiu ao entregar esta obra magistral de escrita polpa.

7. O Mestre - “Processamento”

Paul Thomas Anderson é um rei das peças de roteiro discretas e muitas vezes negligenciadas. A notável sutileza de 'There Will Be Blood' e a bola de demolição que é o terço final de 'Magnolia' são segundos próximos, mas apesar do distanciamento da peça geral, não posso deixar de ser absorvido pela feroz intimidade de 'The Master's Processando cena.

Colocando Philip Seymour Hoffman contra Joaquin Phoenix em uma mesa minúscula - a dupla se envolve em um jogo labiríntico de palavras que entra e sai de vários fios de questionamento e lentamente se descasca mais e mais sobre a mentalidade e o passado do personagem fortemente enrolado de Phoenix. É totalmente atraente e uma das peças escritas mais habilmente pintadas na memória recente.

6. 12 Homens Irritados - “Ignorados”

Uma combinação de sua escrita de roteiro insanamente habilidosa, a direção sutil, mas eficaz de Sidley Lumet e o excelente trabalho de cada ator envolvido - o ponto em '12 Angry Men 'em que os jurados começam a deixar sua mesa para selecionar e derrotar um membro malicioso de sua festa é um dos momentos mais poderosos do filme. Além do mais: é um texto sublime que assume o poder longe das palavras que até agora governaram o progresso da narrativa do filme. Em vez disso, é o silêncio que permite que o enredo cresça e, neste caso, um dos personagens diminua. Orientado pelo diálogo pode muitas vezes ser obcecado em encontrar maneiras engenhosas de usar palavras para rebaixar um personagem (o próprio a-la Lumet, o fantástico 'Murder on the Orient Express') - e a subversão única do roteirista desse traço muitas vezes complicador por alternativamente despir tudo é incrível de se ver. O ápice do Anti-Diálogo.

5. O Terceiro Homem - “Gastando Dinheiro”

A entrada tardia de Orson Welles em ‘O Terceiro Homem’, da diretora Carol Reed, nos abençoa com um dos vilões mais carismáticos do cinema e em nenhum lugar esse dedo esquelético de Harry Lime, desprezível, mas encantador, nos atrai de forma mais persuasiva do que no topo de uma roda-gigante.

Lá, ele fala sobre quantas pessoas ele está disposto a 'gastar', desvalorizando sem esforço a vida humana por meio de comparações a minúsculas especificações à distância e fazendo um pequeno monólogo ancorado por uma questão moral genuinamente desafiadora. Reed permite que seus atores façam todo o trabalho, brincando com o roteiro com um fluxo orgânico que torna a queda mortal do passeio cada vez mais urgente à medida que a tensão começa a aumentar. É uma peça de cinema habilmente tratada que ganha pontos pela eloquência com que o personagem há muito ausente de Lime se expressa como ser humano em um espaço de tempo tão curto.

4. Psicopata - “Armadilhas Privadas”

De mais de 50 filmes, Alfred Hitchcock nunca escreveu um único roteiro. Parece que o homem era mais mestre em direção e edição do que tudo, por meio de seu incrível controle sobre os atores nesta cena fundamental de 'Psycho', que mostra que escrever um roteiro não é uma necessidade de ser capaz de entendê-los e traduzi-los de forma eficaz.

Aqui, a interação entre Marion Crane de Leigh e Norman Bates de Perkins magistralmente pega o tema corrente do filme e o expressa claramente em uma troca imortal que nunca sai tão claramente simbólica por quão magnificamente executada e cuidadosamente escrita é. A troca constante de informações tanto emocionais quanto expositivas o coloca como uma peça vital do quebra-cabeça de Psycho e como cada linha está enraizada nos modos de expressão de ambos os personagens transforma o que poderia ter sido um dispositivo infantilmente óbvio em uma das melhores cenas de diálogo que conheço .

3. Pessoa - 'Confissões'

Uma espécie de segundo monólogo, embora se estejamos dividindo os fios de cabelo se for esse o caso, então o melhor monólogo já escrito poderia facilmente ser TODA a 'Persona' de Ingmar Bergman e, simplesmente, colocar: Existem poucas peças de escrita que absorvem tanto o público como este hit cintilante do zênite na obra-prima de 1966 do homem. Bibi Andersson (dando seu melhor trabalho como atriz) espirala mais e mais em uma memória de seu passado - a sequência é consumida com uma sensualidade lingual avassaladora que se insinua muito mais fundo do que uma simples montagem apresentando seu infame encontro. A própria interação nasce da direção paciente de Bergman e da escuta silenciosa, mas expressiva da co-estrela Liv Ullman da história de sua companheira, criando uma atmosfera ainda mais densa para uma experiência que o transporta sem movê-lo a lugar nenhum.

2. M - “Em Teste”

O 'M' genuinamente especial de Fritz Lang termina com um dos momentos mais angustiantes da história do cinema. Aqueles que veem os filmes mais antigos como inerentemente datados, precisam apenas olhar para este filme de 1931 sobre um assassino de crianças e possível pedófilo e como ele confrontou seu subtexto político em uma época em que a Alemanha estava experimentando indiscutivelmente a revolução mais horrível dos anos 20ºséculo. Nesta cena final, o filme de Lang coloca o assassino contra uma corte canguru composta pelas vítimas de suas ações - pais enlutados e cidadãos aterrorizados, todos decididos a destruir essa ameaça. Em qualquer outro filme, fica claro que as pessoas estão certas e que esse demônio deveria ser condenado à morte, mas Lang é muito menos preto e branco do que isso.

Dê uma olhada na Alemanha em 1931: Partido Nacional Socialista à espreita, com a intenção de tomar o poder. O desejo do público em geral por uma solução extrema para os problemas que o crash de Wall Street causou em seu país. Imunização posterior dos mentalmente instáveis. No final de 'M', Fritz Lang toma a decisão mais fácil do mundo e a torna um dos desafios mais trágicos já colocados em uma tela. Matamos o homem culpado que implora por ajuda que poderia reabilitá-lo e poupar mais perdas inúteis de vidas humanas, independentemente da 'vingança' que a justiça das ruas pode cumprir com essas pessoas? Estamos do lado deles, visto que essas pessoas vão se tornar aqueles que apoiam a ascensão do partido nazista e começar a praticar sua política de ignorar os gritos de socorro e, em vez disso, tomar a opção fácil de sufocar aquele grito com uma saraivada de balas e agulhas mortais? ‘M’ prega “Quando um homem está doente, você o manda a um médico, não a um carrasco” e apenas em ‘M’ no momento exato em que foi feito esta cena funcionaria. Cinema inspirado, incomensuravelmente corajoso e sempre presciente.

1. Alta e Baixa - “Resolução”

Há algo de aterrorizante no nada, não é? Filmes como ‘Synecdoche, New York’ nos desafiam diretamente com a ideia de que a morte está chegando, mas onde a escrita de Akira Kurosawa difere da torrente exaustiva de ideias com que o geralmente fantástico Kaufman nos bombardeia em seu filme é que é sutil. Sugere, sim e afirmando. Espreita e persiste, em vez de atacar diretamente. Como John e Chris Nolan escreveram uma vez: “É a faca lenta que corta mais fundo”. Não posso enfatizar o suficiente que, se você ainda não viu o melhor filme de Kurosawa, ‘High & Low’ de 1963, você deve fazer isso antes de ler isto.

Aqui está um filme que passa duas horas destruindo pacientemente a vida de várias pessoas. Isso deixa uma cicatriz irreparável em uma criança pequena. Ele arranca a alma de uma família outrora próspera. Ele permite que os grandes empresários ganhem enquanto o herói se afunda nos fragmentos de sua antiga fortuna. Tudo isso nunca é culpado diretamente. O monstruoso vilão por trás das infinitas tragédias de High & Low não tem rosto - nós, o público, podemos culpar as pessoas que escolhemos, na esperança de que o Sr. Gondo possa viver uma vida feliz novamente.

E então, depois de tudo isso, Akira Kurosawa nos senta na cena final de sua obra-prima final e nos encara com aquele horror indescritível, aquela sombra inevitável que nos agarra do além do túmulo: Nada. Não direi nada diretamente sobre a peça indelével de cinema que encerra o filme, apenas peço novamente que você a procure o mais rápido possível. As palavras não conseguem descrever o sentimento que perpassa cada quadro dos momentos finais do filme.

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