100 melhores filmes japoneses de todos os tempos

Em primeiro lugar, gostaria de dedicar algum tempo a menções honrosas e quase-acidentes: As laboriosas Nuvens Flutuantes da desagradável Miko Naruse, Quando uma Mulher sobe as Escadas, Anseio e o mais perdoável Som da Montanha não conseguiram. Eu tentei deixar bastante tempo para aquecer seu trabalho, mas isso continuamente não me interessa, é triste dizer. Tampopo, Castelo de Areia, O Homem Atrás do Sol, Ovo de Anjo, Beladona da Tristeza e O Sabor do Chá também infelizmente não combinavam com minha paleta cinematográfica. Para cortar o fluxo das marés em uma superabundância de Akira Kurosawa e Yasujirō Ozu, não incluí seu soberbo Cão Perdido, Escândalo ou Kagemusha; nem o comprovadamente prolífico Ozu’s I was Born But & hellip ;, Início do verão, Fim do outono, O único filho, O fim do verão, O sabor do chá verde com arroz e Uma galinha ao vento, respectivamente.

Lembre-se de que esta lista é para os melhores filmes: então, nenhum desses filmes realmente atingiu o primeiro lugar. Eu só queria reconhecer sua qualidade em meio a tantas outras joias. Assim como os sólidos, mas insatisfatórios Porcos e Navios de batalha de Shohei Imamura, Os pornógrafos e um homem desaparecido estão ausentes, junto com o belo Golpe de Estado e Morro dos ventos uivantes de Yoshishige Yoshida, a humilde Conflagração de Kon Ichikawa, O Coração e Dez Mulheres Negras, bem como a de Hirokazu Koreeda tocando depois da vida, como o pai, como o filho e ninguém sabe & hellip; tudo isso me deixou animado para procurar After the Storm quando isso acabar. Finalmente, gostaria de falar sobre o trabalho de Sion Sono: Apesar da perseverança frustrada e da esperança desesperada - não posso dizer que uma única peça dele que tentei valeu o esforço. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance e a execravelmente pobre Love Exposure são todos estúpidos, principalmente o último - que foi o pior filme que vi nesta jornada pelo cinema japonês. Insuportável.

Com isso fora do caminho: vamos começar. Aqui está a lista dos principais filmes japoneses já feitos.



100. Gate of Hell (1953)

Um empreendimento de época luxuosamente equipado, o apelo de Gate of Hell reside em sua linda paleta de designs. Dirigido por Teinsuke Kinugasa, mais famoso por seu marco de 1926 A Page of Madness , é um conto bem elaborado que leva cerca de duas tentativas para ser totalmente apreciado, especialmente para as críticas ocidentais não familiarizadas com o código de honra do Japão Feudal - mas recompensa com um toque ricamente elaborado e dicas sinistras da ameaça sobrenatural à qual o título alude.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972 a 74)

Um estranho candidato ao rei das franquias de quadrinhos, Lobo solitário e filhote rastreia um carrasco exilado e seu filho por meio de uma série de filmes em sete partes, todas as quais compõem este lugar na lista. Parte III: Carrinho de bebê para o inferno e parte VI: Céu branco no inferno são os mais fortes em minha mente - embora cada um seja digno de um relógio e esteja disponível na Criterion Collection a partir deste ano. É uma seleção de peças de personagens calorosas com ação e humor tentadores para eclipsar quaisquer formalidades na narrativa - tudo vale a pena assistir e mais do que digno de forjar seu próprio espaço aqui.

98. Ichi the Killer (2001)

Ultrajante além de ultrajante, a agitação destemida de estilo de Miike mina qualquer necessidade de substância, centralizando o foco na depravação e no excesso desde o início e cumprindo sua promessa de dor e derramamento de sangue a uma extensão que poucos filmes do lado jurídico da linha podem compreender. É uma diversão gloriosamente estúpida com um toque de escuridão tão extremo que você tem que levar a sério. Eu não posso deixar de respeitar Ichi o assassino por estar tão confortável em seu próprio absurdo - e enquanto o personagem titular prova ser um chato clichê, Miike encontra impulso suficiente nos estágios iniciais para avançar até o fim comigo confuso, perplexo e totalmente fascinado pela experiência o tempo todo.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, o homem por trás da antologia criminal Batalhas sem honra ou humanidade , é um artista que aqui expressa uma qualidade penetrante tão maravilhosa no cinema japonês mais amplo: não ter medo de abraçar o cinema de gênero. Batalha real é singularmente projetado como uma comédia satírica super-boba e, embora atinja marcas humanistas ao longo do caminho, os rios de respingos e timing cômico impecável que Fukasaku atribui até mesmo às situações mais mórbidas tornam o filme uma explosão absoluta. A vez de Takeshi Kitano é particularmente notável, descartando todas as noções de respeitabilidade para um ataque total à inteligência e ao bom gosto. Batalha real é confuso, isso é verdade, mas a maneira como ele se reagrupa tão incansavelmente para mais um ataque aos céticos é glorioso. Sem hesitar, Fukasaku entende a arma contundente que segura em suas mãos e a balança com força total. O fato de ter sido seu último filme confere certa dignidade aos esforços do homem - uma missão suicida atingindo um osso engraçado que você teria que estar em coma para não sentir formigamento pelo menos uma ou duas vezes. Entretenimento essencial.

96. Godzilla (1954)

Um clássico filme de monstros para rivalizar com King Kong e qualquer um da linha original da Universal, pelo menos em escala. Godzilla não tem a humanidade e sagacidade de O Homem Invisível ou o desejo feroz de A Criatura da Lagoa Negra - mas é divertido. Assistir a um homem grande em um terno mortalmente difícil atravessar o Japão urbano é uma experiência envolvente até hoje, principalmente por seu charme inescapavelmente humilde. Parece o momento e, apesar de seus efeitos de datação rápida, é mais que bem-vindo ficar lá como a relíquia de uma era há muito perdida - e agora é um momento melhor do que qualquer outro para esperar que o líder mascarado Haruo Nakajima descanse em paz.

95. Fruta Crazed (1956)

Fundador da New Wave Japonesa, Fruta Enlouquecida foco na chama da juventude encontra seus pés com uma história simples que vai muito além de seus parâmetros humildes: Pulando a cerca de dois homens apaixonados pela mesma mulher para refletir uma impressão da geração do pós-guerra como um todo. Essas pessoas são ferozes, independentes e desesperadas para se provar - marcadas pela profanação repetida dos valores de sua nação. Ele encontra um nicho de narração de histórias que ricocheteia em contextos sociais e políticos - e representa os primeiros passos da nova onda. À medida que esta lista continua, veremos que o movimento de longa duração sempre se aventurou para dentro - seja fascinado ou amedrontado e, ao fazer isso, encontrando uma narrativa não de nações - mas de sexualidade, perversão, violência, ganância, sobrenaturalidade e psicose. A Segunda Guerra Mundial pode ainda estar à espreita nessas histórias, mas acho intrigante que abordá-la tão abertamente quanto Fruta Enlouquecida fez foi finalmente encontrado com foco, ao invés de explosão do tema.

94. The Life of Oharu (1952)

Nosso primeiro filme de Kenji Mizoguchi, A Vida de Oharu prova um estudo de personagem comovente clássico que torna seu protagonista um reflexo da situação das mulheres no Japão do pós-guerra, algo que Mizoguchi fez de forma admirável ao longo de sua carreira. Uma peça dramática expansiva e complexa que usa o tempo para destacar a situação que rapidamente se torna seu foco, Mizoguchi produz uma de suas melhores obras puramente pela forma como ele se dobra e se quebra com a própria Oharu - o diretor movido pela adversidade que ela enfrenta. É essa relação que atravessa a tela que permite ao filme elevar seu drama além da credibilidade.

93. Dreams (1990)

Escrito nas costas de seu próprio subconsciente, o de Akira Kurosawa Sonhos é um retrato pictórico do interior da mente de um homem: Vagamente comparável a Pastoral exceto pela falta de sua sensibilidade New Wave em favor de uma exploração mais comedida e calma nas andanças noturnas de Kurosawa. A coleção de vinhetas resultante revela algo cru e único sobre a maneira como a vida é filtrada através das lentes de nosso subconsciente - e neste pode ser o filme mais honesto que Akira Kurosawa já fez. Uma pequena joia lúcida e adorável.

92. Desfile Funeral de Rosas (1969)

A abordagem aberta do diretor Toshio Matsumoto sobre Oedipus Rex (talvez o melhor cinema tem a oferecer), Desfile Funeral de Rosas marca um divisor de águas crucial para a sexualidade alternativa e as imagens desafiadoras de gênero no cinema japonês - e no próprio mercado sem as fronteiras que transformaram o movimento hoje. É uma celebração e uma crítica à expressão humana, entendendo a confusão que seus personagens enfrentam e também abraçando suas próprias decisões com humildade e alegria. Esta conjectura crítica de conflito é o que define Desfile Funeral de Rosas 'Sucesso e, embora eu não ache que seja a maior conquista do querido Matsumoto, a maneira como ele defendeu seus assuntos de forma tão honestamente falha é algo que todos podemos aprender hoje.

91. Paprika (2008)

O filme de Satoshi Kon de 2008 é frequentemente comparado ao de Chris Nolan Começo - ambos baseados em conceitos de invasão e coerção de sonhos. Eu acho que a principal diferença que deixa os fãs divididos em uma barricada é o fato de que a tentativa de Nolan tem maior ressonância emocional e foco no personagem - mas tudo isso fica preso em uma estrutura tediosa. Kon escreve por 85 minutos e preenche cada quadro com um floreio inebriante de energia e uma ponte de cores entre as camadas com tanta liberdade e flexibilidade na narrativa que o trabalho mais denso de Nolan simplesmente não consegue acompanhar. No final, ambos são exemplos sólidos de habilidade e engenhosidade - mas em termos do que eu prefiro colocar no final de um dia difícil, não há contestação. E para descobrir a vasta gama de poderes criativos Páprica mantém em seu arsenal, acima de ser apenas um sabor divertido de Inception - basta pegar um blu ray e clicar em play.

90. Ecstasy of the Angels (1972)

Como um movimento de toda a indústria, eu sinto que os pontos predominantes da New Wave japonesa giravam em torno do sexo e da violência. Ambos são intrínsecos à vida e à arte - elementos que continuam a acarretar a produção cinematográfica mundial - mas sinto que poucos filmes os abordam de forma engajada. Ecstasy of the Angels entende sua própria vulgaridade. As contínuas negociações do diretor Kōji Wakamatsu com esse assunto extremo proporcionaram a ele a capacidade de aprimorar a representação de personalidades brutalmente violentas - e o resultado é uma exploração enlouquecida de Sid & Nancy na perda anárquica de si mesmo, bem como um tom amargo de romance jogado em o liquidificador. Independentemente da sua visão no final, é um passeio selvagem.

89. Ornamental Hairpin (1941)

De todos os artistas do pré-guerra cuja memória está sendo abstraída pelo tempo, Hiroshi Shimizu é talvez o principal entre aqueles que precisam urgentemente de redescoberta. Apesar de um generoso lançamento de Eclipse pela coleção Criterion (uma dor de conseguir e tocar em qualquer lugar fora da América), ele parece mal mencionado entre os diretores mais importantes do período e eu tenho absoluta certeza de que ele deve ser defendido entre os melhores deles. Grampo de cabelo ornamental foi lançado enquanto o Japão arrastava os Estados Unidos para a Segunda Guerra Mundial e, ainda assim, está repleto de esperança e simplicidade que remete a uma era mais civilizada - ou pelo menos fala do pacifismo pelo qual Shimizu pode ter vivido dia a dia - ignorando um conflito ele considera bárbaro e desafiador a imagem externa do Japão na época. Sem confundir essa descrição em muitas políticas, Grampo de cabelo ornamental está entre os melhores recursos que Shimizu criou e é seu minimalismo duradouro que garante sua ressonância maravilhosamente discreta.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Eu não tenho dúvidas de ser recebido com vitríolo generalizado por colocar um clássico tão universalmente admirado tão baixo - mas deve ser dito que entre incontáveis ​​milhares Ugetsu Monogatari ainda está entre os 100 melhores filmes japoneses já feitos. Tenho uma aversão distinta pela obra-prima professada de Mizoguchi: uma ferida persistente de direção ocasionalmente simples que muitas vezes destrói seu artifício tantas vezes perfeito e arruína todo e qualquer efeito anterior. Dito isso, eu estaria mentindo para não mencionar o quão singularmente fascinante esse filme foi para mim quando eu era mais jovem e, apesar de uma série de releituras decepcionantes nos últimos tempos, os momentos mágicos em que tudo se encaixa e Mizoguchi milagrosamente composto, cinematicamente cativante e, em última análise, a atração humana voltou às minhas veias. Ugetsu Monogatari entra na lista em parte porque é um trabalho seminal, o que é uma pena, porque me orgulho em colocar preferência pessoal em vez de status: Mas o ponto crucial da questão é que eu quero amá-lo. Algum dia em breve a afeição pode ressurgir e a obra-prima de Mizoguchi aumentará ainda mais. O tempo vai dizer.

87. Inferno of First Love (1968)

Traçando paralelos em sua concepção de volta aos gostos de Sem fôlego e a companhia meditativa de Eric Rohemer em My Night at Maud’s da Nouvelle Vague em curso, Inferno do primeiro amor é uma observação tranquila e maravilhosamente absorvente de um casal dando seus primeiros passos juntos e o ar convidativo, apaixonado, taciturno, frio, muitas vezes vazio que paira em torno deles enquanto tentam aproveitar a conexão que o título do filme tão audaciosamente promete ao seu público. É uma obra de arte de baixa manutenção que recompensa os espectadores pacientes com uma interação humana comovente.

86. Cure (1997)

A edição em Cura é mortal. Ele progride até um ponto em que você quer desviar o olhar, Kurosawa preenchendo o público com uma compreensão implícita da impiedade de seu filme na forma como ele corta a rotina doméstica e cadáveres respingados de sangue tão naturalmente quanto respirar; e é essa aceitação excepcionalmente fria, quase psicótica da morte em vida que me faz questionar seu principal oficial, Takabe, e quão infernal é a situação em relação à violência no Japão por ter ficado tão acostumado a assassinatos brutais. Embora se mova lentamente, começando a minar a tensão sem fôlego que Kiyoshi Kurosawa foi capaz de respirar na peça, Cura ainda é uma adição mais do que valiosa ao seu forte cânone cinematográfico.

85. The Bad Sleep Well (1960)

A adaptação de Shakespeare mais fraca de Akira Kurosawa continua sendo um de seus filmes mais fortes, acompanhando vagamente a história de Hamlet com uma farpa de crítica corporativa esperando nos bastidores. Comparado a outras versões, apesar de tangencialmente, BSW é uma representação fraca da peça reverenciada, cuja composição carregada de diálogos falha em capturar a amplitude e o peso do drama de Shakespeare, embora cultive um estilo exclusivamente Kurosawan de narrativa que adiciona uma dimensão extra para o material de origem e forja uma batida narrativa deliciosamente atraente. Totalmente mais moderno e cheio de suspense do que sua inspiração, The Bad Sleep Well é imperdível para os fãs de Kurosawa que desejam a habilidade e sutileza de seus esforços contemporâneos.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Combatendo Tetsuo com o estômago fraco é como levar uma bala sem colete. Misturados com uma bagunça de adereços de sucata, conjuntos desordenados e efeitos especiais dolorosos - há uma vivacidade para Tetsuo: o Homem de Ferro busca do desagradável que o torna admirável. Eu tenho um respeito pelo preço barato que seus criadores usaram para alcançar a experiência mais mortificante possível: chocante com sua mistura de som batendo e visuais monocromáticos encardidos que lançam o que sabemos no reino do enigma. Preto e branco pinta até mesmo os objetos mais reconhecíveis que compõem Tetsuo's mundo como bastiões horríveis do desconhecido, rastejando sob fendas e se agarrando a nós para começar uma metamorfose de mutação violenta e inevitavelmente repugnante. É um trabalho além do ponto de preocupação com as sensibilidades delicadas de seu público - e é exatamente isso que o bom terror corporal deve ser. Tetsuo: O Homem de Ferro é sem dúvida um dos melhores.

83. Black Rain (1989)

Um filme estranhamente cronometrado, considerando-se co-integrado com o próprio tratado de Isao Takahata sobre o tributo humano das bombas nucleares lançadas no clímax da Segunda Guerra Mundial e trata de temas semelhantes, Black Rain's inferioridade ao maravilhoso Tumulo dos Vagalumes de forma alguma significa que deve ser desconsiderado. No mínimo, as legiões de admiradores que acertadamente se agrupam em torno do trabalho de Takahata devem se reunir aqui também. O primeiro filme de Shohei Imamura nesta lista, Chuva negra dá uma olhada profundamente trágica e meticulosamente pessoal no peso da explosão nuclear: Combatendo a culpa, ostracisão, a tristeza, a perda e a aceitação do sobrevivente do evento e suas graves ramificações em um estilo tato e direto característico de Imamura que é do seu jeito tão marcante e imediato quanto Hiroshima meu amor lucidez onírica.

82. Humanity and Paper Balloons (1937)

Um clássico formalista no mesmo reino da venerável obra de Kenji Mizoguchi, exceto que aqui o igualmente venerado diretor Sadao Yamanaka se apresenta com uma humildade que todos os que planejam entrar no mundo do cinema podem aprender. Sua outra foto famosa, The Million Ryo Pot , é um conto comparativamente calmo, com composição sóbria e habilmente dramatizado - embora eu ache que o limite atinge Humanidade e balões de papel porque consegue fazer uma declaração mais ampla sobre a essência da vida cotidiana. O conforto de seu título divertidamente ambicioso ecoa em cada quadro e, embora não seja um filme que eu achei intensamente atraente ou até comovente pacientemente, há algo aqui que exige um relógio.

81. Silêncio (1971)

Adaptado do mesmo romance que foi recentemente abordado por Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Silêncio serve como um holofote fascinante sobre as diferenças entre os estilos cinematográficos ocidentais e orientais. O tom severo e estóico de Scorsese é dobrado em favor de uma perspectiva muito mais humilde sob a mão estudiosa de Shinoda, permitindo um fio de cabelo de remorso e sentimentalismo em uma versão do livro de outra forma fascinantemente naturalista. Uma cena que destaca a destreza de Shinoda em desenvolver uma atmosfera mundana para seu conto religioso sem a necessidade de manipulação vem na forma de uma velha cantando para uma sala cheia de pessoas: Quase uma palavra falada ressoa com a história em mãos, nem mais caracterização transmitida - e ainda assim imbui o resto do filme com uma vitalidade inescapável que tão evocativamente se curva sob o peso da angústia e desespero que os padres e seus discípulos enfrentam. Sutil e atraente, sua humildade está no topo da peça do lendário diretor ítalo-americano para mim em qualquer dia.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Imediatamente tornando as coisas difíceis para si, Go Go Second Time Virgin atinge seu tempo de execução de 65 minutos com uma das várias cenas de estupro desconfortáveis. Moldar uma narrativa a partir do relacionamento serendipitoso da jovem aflita com um assassino perturbado e igualmente jovem que assistia de longe a breve mas vital obra do diretor Kōji Wakamatsu se define por nunca anexar uma convenção narrativa ao casal. Deixado à própria sorte, revelações e conversas, o filme faz uso surpreendente de seu orçamento abundantemente baixo, com composição freqüentemente eficaz no personagem da Nova Onda Japonesa - bem como uma representação de confronto da violência sexual muito mais envolvente, densa e presciente do que Nagisa A infame falha artística de Oshima em 1976 (e isso é colocado de forma generosa) No Reino dos Sentidos .

79. The Sinners of Hell (1960)

Marcado por um roteiro nada intuitivo e um enredo sem brilho, Os pecadores do inferno ainda consegue conquistar seu lugar nesta lista por seu controle excepcional do artifício. Cada quadro é mergulhado em luz úmida e envolvida com uma paleta de cores turva, ocasionalmente pontuada por punhados penetrantes de vermelho que servem como um lembrete sutil da agonia que está por vir. Entende, Jigoku é um jogo de espera: um filme que passa seu tempo no monótono mundo real antes de mergulhar no Inferno. A excelente cena de abertura dá ao público um sopro de sangue que tentativamente atormenta todas as outras cenas até que finalmente possamos experimentar o Tártaro por nós mesmos: uma cavalgada de cenários deslumbrantes, cores gloriosas, extras excessivos e pânico genuíno enquanto os personagens têm tempo para contemplar as consequências de suas ações. Portanto, embora seja tedioso, a recompensa nos recompensa com mandados de vigilância Os pecadores do inferno pelo menos uma vez - por pouco no cinema corresponde à sua visão intrinsecamente conflituosa e assustadoramente sem vida do submundo.

78. Twenty-Four Eyes (1954)

Seguindo o lugar matriarcal de uma jovem à frente de uma classe de alunos e suas implicações na sociedade circundante, Twenty-Four Eyes é um texto feminista que carece da neutralidade de gênero transcendental de algo tão magistral como Jeanne Dielman, mas mantém seu lugar como um importante trabalho para uma forte atuação central de Hideko Takamine e a trilha narrativa Thiassos-esque que vai de 1928 a 1946 em um amplo estudo de política interna e a progressão da percepção ao longo dos anos da paz ao tempo de guerra.

77. Sr. Thankyou (1936)

A meditação com tato de Hiroshi Shimizu sobre nossa interação, Sr. Thankyou segue um grupo de pessoas em um ônibus e explora todos os tipos de caráter emocional na jornada de uma hora até seu destino (felizmente se afastando de uma unidade de ônibus que terminaria muito menos suavemente um pouco mais adiante nesta lista). É um retrato encantador da poesia na vida cotidiana que se eleva acima de tantos filmes superficialmente ambiciosos nesta lista por sua capacidade de sentar e conversar por pouco mais de 60 minutos sem perder o ritmo. Um pequeno tesouro.

76. Street of Shame (1956)

Balançando à beira de uma obra, Kenji Mizoguchi's Rua da vergonha é uma das grandes canções do cisne - aquela que extrai de toda a experiência cinematográfica do homem até agora em sua carreira e a reúne em um trabalho oportuno, caracteristicamente cuidadoso e notavelmente humano. Vivendo em um bordel durante o crepúsculo da legalidade da prostituição no Japão, Mizoguchi constrói uma tapeçaria belamente comovente de conflito e aparente 'amoralidade' dada sua verdadeira face que perfura a percepção e nos permite ver preconceitos do passado. Hoje em dia, o público muitas vezes se delicia com personagens claramente anti-heróicos ou criminosos, graças ao brilho chamativo de GoodFellas e outras representações leonísticas, freqüentemente sádicas e alegres de personagens moralmente insalubres. Em 1956, particularmente durante uma transição legal, esse filme deve ter sido inédito. As mulheres de Rua da vergonha estão apenas tentando viver - e é isso que torna seu fardo ainda mais doloroso.

75. Ervas daninhas flutuantes (1959)

Considerado com razão uma das maiores conquistas de Ozu como artista, 1959 Ervas Daninhas Flutuantes rastreia uma trupe itinerante de artistas e os problemas familiares que eles enfrentam durante suas viagens - particularmente a reunião de partes anteriormente separadas que ameaça absolver a lucrativa companhia de teatro. É tão poderoso quanto os melhores filmes de Ozu, mas tenho problemas com a narrativa aqui, principalmente com a estrutura. Comparado a alguns dos últimos filmes de Ozu que encontraremos aqui, não se compara a eles - mas pelo menos é uma medida de quão habilidoso ele era um artista. Ervas Daninhas Flutuantes ainda consegue quebrar o top 75 de forma contemplativa e luminosamente silenciosa. Ainda seminal.

74. Pastoral: para morrer no campo (1974)

De Shūji Terayama Pastoral é um exercício sublime de estranheza. Seria ingênuo alguém chamar este ramo específico do bizarro de 'surreal' porque Pastoral é muito menos sutil do que isso: embalando seu breve tempo de execução cheio de comédias absurdas e imagens fantásticas que remetem a uma memória que o diretor experimentou em seu futuro. A incompreensível de tal inspiração é pequena em face de seu enredo e idéias - embora, como em sua obra anterior, a frouxidão do enredo de Terayama não diminua de forma alguma a experiência que ele está tentando fornecer - e se sua magnum opus tenta expressar a raiva e a paixão de um jovem insatisfeito, então este é seu próprio acompanhamento mais pessoal: Uma exploração em uma mente cativante lindamente fotografada e calorosamente realizada. É fácil fazer um filme estranho, mas então acentuar o impacto de seu virtuosismo visual com personalidade, técnica e habilidade de direção é algo que o homem consegue aqui. É realmente algo para ser visto.

73. Perfect Blue (1998)

Um grito de talento definidor do animador Satoshi Kon, Perfect Blue encontra fisicalidade na luta interna de um ídolo pop aposentado tentando agarrar sua nova identidade - tudo envolto no impulso em constante evolução do mundo moderno. As sensibilidades visuais de Kon levam a momentos cinematográficos soberbos e tristemente exagerados - mas acho que o design narrativo inebriante Perfect Blue encontra na implacabilidade com que sua protagonista se tortura e, ao fazê-lo, é torturada empurra-a para além de qualquer soluço de direção. É uma peça metafísica que se permite tornar o terror real - que expande os limites dos recursos tradicionais de animação para algo totalmente mais sombrio e perturbador por sua bravura. Apesar de si mesmo, Kon não se esquiva da realidade em sua descrição da degradação mental - e é isso que ancora os dilemas de outra forma datados de Perfect Blue até hoje. Uma experiência de animação fascinante e muitas vezes desconcertante.

72. Dark Water (2002)

Uma evolução direta do terrível O anel , De Hideo Nakata Agua escura representa o segundo e talvez apenas outro hit do diretor - e que consegue trazer seu estilo ainda mais longe. É agraciado com uma maturidade que escapa a muitos J-Horrors, sustentando o poder de seu drama com uma atenção astuta ao equilíbrio e à precisão que artistas menores seriam totalmente incapazes de compreender. É a busca pulsante de algum objetivo invisível que reverbera em todas as cenas e transforma a inevitabilidade em uma arma não só de medo, mas também de compulsão.

71. Yûkoko: o Rito de Amor e Morte (1966)

Yûkoko: o Rito de Amor e Morte é infame por alguns motivos, principalmente porque seu diretor Yuiko Mishima também cometeu suicídio por meio do seppuku após um golpe militar fracassado. O homem foi a base do melhor filme de Paul Schrader, Uma vida em quatro capítulos , e se centra aqui como um assunto comprovadamente fascinante - fazendo uso da encenação e da forte composição Noh para professar sua mensagem sem palavras. Os efeitos especiais indutores de escrúpulos são extremamente impressionantes para a época, simulando o ato de Harakiri com um efeito surpreendente e contribuindo para a pontuação perfeita para o patriotismo de Mishima. Sem rendição.

70. Akira (1988)

Um marco da animação japonesa cintilante e decorado com néon e sua infiltração no palco internacional, Akira marca um ponto revolucionário do anime e impressiona até hoje em suas cores brilhantes, futurismo fofo e amorfa e abominável transformação do personagem-título. Embora a estrutura da história seja desordenada com notas laterais e incapaz de encontrar uma direção clara para prosperar, a rápida compreensão de De Akira ação e feitos mais impressionantes de animação são o que o torna tão influente e agressivamente envolvente - telas cintilantes com vinhetas expressivamente elaboradas e transcendendo a estupidez de queixo caído de sua progressão para algo genuinamente espetacular. É vicioso, dinâmico e cativante - um clássico digno e um pontapé inicial para uma era maravilhosa de produção de animação de alta qualidade.

69. Sansho, o Bailiff (1954)

É neste ponto que devo confessar: nunca gostei da obra de Kenji Mizoguchi. Apesar de tentar várias vezes vasculhar o meu caminho através de suas fotos, nada realmente travou. Poucas coisas em seu trabalho me envolvem e o que há em um nível escrito torna-se monótono, uma vez que ele o transplanta de forma tão direta para a tela. Sem dúvida, há maravilha no trabalho do homem - mas isso continua a me iludir. Com tudo isso em mente, eu pelo menos encontrei algum consolo em minha releitura de Sansho o Meirinho para esta lista - um filme que anteriormente me deixou frustrado com o desperdício de um material tão poderoso. Esta tentativa floresceu em uma nova apreciação da abordagem iconoclasta de Mizoguchi, uma que parece vaga em seu trabalho anterior. É salpicado de cenas profundamente comoventes e embora eu ache que o filme é cerca de 20 minutos mais longo - e poderia subir ao reino da maestria em um espaço mais sucintamente comovente - ele pelo menos abriu espaço para o artista lendário nesta lista. Talvez daqui a alguns anos eu colocaria o trabalho de Mizoguchi em alta aqui - só podemos esperar.

68. Onibaba (1964)

Nosso primeiro filme de Kaneto Shindo, Onibaba conta uma história de desconfiança e engano - duas mulheres ladrões influenciadas por uma máscara possuída que logo busca seus próprios planos. A atmosfera de paranóia que Shindo se desenvolve através de sua encenação cuidadosa e história chocante é equivalente ao sucesso do filme - junção de novos personagens e eventos para aumentar o sentimento de apreensão do público junto com o de seus atores principais para alimentar uma conexão emocional paralela única. Mas acho, acima de tudo isso, Onibaba's O status duradouro de um clássico do cinema de terror japonês vem de uma única foto: uma única imagem que contém tanta energia visceral em sua imobilidade paralisante que fiquei fisicamente surpreso com ela - desencorajado de me aventurar de volta Onibaba com medo de encontrar a mesma presença assustadora. Diante daquele conjunto de quadros perfeitamente assombroso, o resto do filme quase empalidece em comparação: mas descontá-lo inteiramente seria perder o ponto de tal construção controlada, bem como seu clímax sensacionalmente tratado.

67. Sonatine (1993)

O que sempre impressiona no trabalho de Takeshi Kitano é a maneira como ele empresta leveza até mesmo aos cenários mais difíceis. O quase desaparecido Fogos de artifício e Policial Violento estão ambos de certa forma compartilhando seu lugar na lista com sua obra, Sonatine , e todos falam de sua popularidade no Japão como um comediante de cinema e como essas raízes sutilmente se infiltram em suas ofertas cinematográficas. Cada quadro que ele habita brilha - apesar de sua composição de histórias sombrias e muitas vezes brutais. Brincar com nossa percepção da moralidade humana e simpatia de maneira tão habilidosa é o que torna Kitano uma figura tão fascinante quanto surgiu no cinema japonês nas últimas décadas - e prova, como foi tão habilmente dito por Rodger Ebert depois que eu vi Sonatine , que os estudos de crime corajosos não precisam sacrificar a profundidade para o envolvimento a-la Tarantino com seus monólogos superficiais e 'caracterização' de porta-voz. Kitano pode fazer as duas coisas.

66. Demons (1971)

A marca d'água New Wave Toshio Matsumoto impressionou 2 anos antes com seu requintado Desfile Funeral de Rosas e os demônios de 71 mantêm seu impulso sensorial com uma paisagem noturna totalmente fotografada que mergulha cada imagem em lugares totalmente escuros e jogadores iluminados na escuridão de pesadelo. Outros diretores experimentaram esta técnica, talvez um exemplo notável mais antigo mentindo com o interrogatório de Louis Malle em Elevator to the Gallows - mas poucos a levaram a efeitos tão invasivos - cada tiro provocado por uma grande sensação de pavor e, crucialmente, desespero. Não importa o quão perto seus protagonistas cheguem de escapar de seus agressores sobrenaturais, nada é seguro. Isso, claramente, é um terror existencial exemplar.

65. Ainda caminhando (2008)

Acho que a sombra imponente de Yasujiro Ozu pode lançar uma sombra considerável sobre qualquer cineasta dramático, e o muito querido Hirokazu Koreeda talvez seja o principal entre os aflitos. O homem tenta evitar a comparação comparando seu trabalho ao de Ken Loach, mais do que a lenda japonesa, no entanto, tal semelhança é inevitável e destaca várias deficiências no método de Koreeda. Ozu o convida a sentar-se com seus personagens e gradualmente desvenda o ponto da história, enquanto Koreeda coloca sua câmera na mesma sala do drama e apenas observa em silêncio. Seu estilo é muito menos direto, um tanto reminiscente da técnica do mestre taiwanês Hsiao-Hsien Hou, mas ainda mais imparcial.

Com tudo isso em mente, a recusa de Koreeda em se intrometer, no entanto, leva a alguns momentos poderosamente íntimos mais tarde na linha - onde ele começa a florescer conforme os personagens nos permitem transpor os seis graus de separação entre o mundo deles e o nosso. Algo tão simples como uma pessoa se aproximando de um piano, extrema disparidade de foco sublinhando a importância da cena, faz maravilhas ao dar ao público vislumbres minúsculos e evocativos da mente de seus personagens. De fato Ainda caminhando é um bastião de esperança que encoraja os cineastas do Japão contemporâneo a se envolverem no drama familiar e se esforçarem para imbuí-lo da mesma compulsão e impacto que artistas como Ozu e Naruse fizeram anos atrás. Com diretores como Sion Sono em cena, é um presente que pessoas como Hirokazu Koreeda ainda estejam por aí para passar por cima do ponto fraco e nos dar algo tão tranquilo e cativante em seu retrato da vida suburbana.

64. Confissões entre atrizes (1971)

Um filme brutalmente honesto e caracteristicamente aberto - não muito diferente da inquisição implacável de Luz do inverno - Yoshishige Yoshida Confissões entre atrizes segue os traumas que levaram três mulheres a se comprometerem com seu ofício - o primeiro filme do diretor em cores e, fascinantemente: Um que nesta nova e corada riqueza de cores tira muito de seu trabalho de câmera extremo em uma busca desinteressante da verdade. e seu efeito sobre essas pessoas. A revelação é, à sua maneira, uma forma de cura - e a de Kiju Yoshida Confissões entre atrizes funciona maravilhosamente como um debate sobre essa ideia.

63. The Ballad of Narayama (1984)

A balada de Narayama representa talvez o filme mais famoso de Shohei Imamura, em si mesmo um remake de um clássico igualmente reverenciado. O que diferencia a peça de Imamura é sua abordagem tátil da ação humana - fascinada com as respostas sombrias e psiques mutantes com grande tensão emocional sobre a mente de um homem ou mulher. Seus filmes anteriores lidaram com esses assuntos muito melhor, no entanto, sinto que isso não exclui A balada de Narayama de se erguer entre eles. Seu conto folclórico familiar é um estudo igualmente cuidadoso do comportamento humano e, embora não tenha a morbidez que deu sua mordida em seu trabalho dos anos 60, Shohei Imamura ainda oferece uma obra de arte real e satisfatoriamente compassiva.

62. Mandara (1971)

Mandara é, à sua maneira, um dos filmes mais fascinantes do ponto de vista cinematográfico do início dos anos setenta. Desafiador, mas universalmente gratificante no tema, na fotografia e no clima surpreendente que ela cria - é um trabalho incomparavelmente estranho que poderia ter chegado aos escalões superiores desta lista se eu tivesse tido tempo para mergulhar mais fundo em seu mundo ricamente bizarro. É suficiente dizer: esta joia pouco vista da New Wave é uma necessidade absoluta.

61. The Tale of Princess Kaguya (2012)

O retorno à forma do venerável Isao Takahata em 2012 após o deslumbrante ano de 1988 Tumulo dos Vagalumes , O conto da princesa Kaguya é simplesmente lindo. Uma fábula familiar adequada para qualquer idade, seu estilo absolutamente lindo de animação remonta aos designs clássicos pintados em um manto de branco - um ideal de volta ao básico que inspirou propriedades em mais de um meio desde então. A atração estética de longo alcance de Kaguya não é totalmente eclipsado pela história, mas sua compulsão cinematográfica luminosa ainda é inescapavelmente inebriante do início ao fim e exige a atenção de qualquer fã de animação.

60. Seu nome (2016)

O filme mais recente desta lista, do ano passado Seu nome é uma revelação. O cinema popular na América pode muitas vezes ser tão sem vida e cínico, até mesmo sua cena independente começando a ser atraída pela fama mais do que pelo mérito artístico (para não desacreditar as óbvias exceções a essa observação crescente). Digo tudo isso porque, tendo estudado lançamentos japoneses contemporâneos para esta lista, é emocionante ter um filme tão maravilhoso como Seu nome ter tanto sucesso no mainstream quanto era. O Japão foi inundado e dotado de uma série de recursos animados desde então Akira em 1988 e embora o bruto muitas vezes afunde os diamantes por baixo, um filme tão forte apareceu com facilidade. Sem introdução ou comentário apenas veja Seu nome . É algo com o coração e intenções honestas que todos nós poderíamos aprender hoje.

59. Nausicaä do Vale do Vento (1984)

Nausicaä do Vale do Vento é um dos primeiros bastiões da sublime habilidade do titã da animação Hayo Miyazaki como artista. A narrativa é requintada - a construção de algum tipo de futuro apocalíptico sombrio como se em nosso próprio mundo com liberdade de direção e uma compreensão deslumbrante da flora e fauna únicas da terra - todos povoados por um elenco diversificado de almas solitárias que expressam o reconhecimento crescente de seus indesejáveis mundo maravilhosamente. O primeiro de muitos trabalhos genuinamente sinceros, originais e inspirados de Miyazaki.

58. Vamos dançar? (1996)

Acho o que separa Vamos dançar? de qualquer outro filme de 'afirmação da vida' é o quão sério é. O próprio tratado de Akira Kurosawa sobre o cumprimento (ou a terrível falta dele) em Ikiru é um nítido contraste com o charme inofensivo aqui - um que germina naturalmente e se infiltra em nossos corações, ao invés de abrir caminho através de pontos de trama cinicamente dirigidos. É um filme maravilhoso - um que recebeu uma posição tão elevada pela alegria e credibilidade de sua história e pelo quão confortável o diretor Yoshikazu Suo está com seu produto. Uma delícia.

57. Akitsu Springs (1962)

Grande descoberta de Kiju Yoshida, Akitsu Springs representa o amanhecer de algo especial dentro dos reinos da Nova Onda Japonesa. Já em 1962, Yoshida foi capaz de trazer o foco psicossexual de muitos filmes japoneses da época ao máximo e conectar suas profundezas com precisão impecável - um fascínio que ele só continuaria a aguçar com o passar do tempo. Uma série de acompanhamentos igualmente fantásticos o consolidou como um membro-chave do movimento, mas para mim é Akitsu Springs que se mantém mais forte como o proprietário de seu gênio cinematográfico.

56. A Wife Confesses (1961)

Nosso primeiro filme cortesia do prolífico Yasuzo Masumura, 1961 Uma esposa confessa é uma realização culminante do início da Nova Vaga japonesa. Após uma mulher acusada da morte supostamente acidental de seu marido, ele captura as ondas de agressão, cinismo e diversão características do lado mais sombrio do cinema japonês da época - exceto sem qualquer de sua violência frequentemente sangrenta e brutal. O que temos aqui é a violência da mente disparada através de vozes farpadas com amargura e observadas por olhos que uivam por algum pobre caso condenado à vida para comparar com sua própria miséria. É a morbidez velada de Uma esposa confessa isso dá um peso forte à sua mordida social.

55. Profound Desires of the Gods (1968)

O filme mais longo de Shohei Imamura, Desejos profundos dos deuses também é talvez o filme que exemplifica mais plenamente seu estilo. Seguindo a dinâmica tensa de uma colônia isolada e o romance florescente que floresce em seu rastro, a direção ligeiramente errada de Imamura e o brilho penetrante de integridade quase jornalística permitem um documento fascinante sobre a vida nativa, o amor e como somos inextricavelmente atraídos por nossos próprios desejos- seja por um desejo primordial conscientemente compartilhado, ou algum implante intangível enviado diretamente de cima. No final, a principal questão de Imamura para mim foi difícil de administrar: é mais fácil aceitar que nossos deuses são cruéis ou que nós somos?

54. A condição humana parte 1: No Greater Love (1959)

O primeiro de uma trilogia épica de filmes, A condição humana parte 1: Não há maior amor é um filme que estabeleceria os precedentes para suas continuações - uma lista de pontos fortes e fracos do diretor Masakai Kobayashi só teria tempo para aprender retrospectivamente, nunca esclarecendo o equilíbrio perfeito para sua peça extremamente ambiciosa. Nenhum amor maior apresenta vários momentos imortais, mais notavelmente uma cena de execução que dura 10 minutos e vê a fúria efervescente da bolha manchu oprimida além do medo que todas as armas e arame farpado inspiram para algo especialmente ressonante para este dia - bem como o fim de um arco para vários personagens. É um filme longo demais, supersaturado e, em última análise, ineficaz & hellip; mas também é um exame magistralmente conduzido do preço da guerra. Desequilibrado ao extremo, A condição humana O capítulo de abertura encontra terreno sólido o suficiente para formar um filme nem execrável ou excepcional: mas um ainda mais do que digno o suficiente para atingir os 60 melhores aqui.

53. Jogue fora seus livros, Rally in the Streets (1971)

Jogue fora seus livros, Rally in the Streets é uma onda de sangue na cabeça. Um arranjo vibrante e apático de vinhetas desconectadas pintando um quadro vívido do distanciamento dos jovens japoneses de antigos valores. Uma rejeição do formalismo por algo totalmente mais moderno, futurista - cortado em pedaços e ainda totalmente confortável em sua própria incompreensibilidade. É a natureza criativa da indústria que se manifesta nas mentes dos jovens, resultando em cenas de lote surpreendentes, atraentes e muitas vezes confusas. Poucos filmes, mesmo da New Wave japonesa, podem acender o mesmo fogo rigorosamente rebelde.

52. Red Angel (1966)

O mestre massivamente prolífico Yasuzo Masumura trabalhou em 33 filmes colossais apenas durante a década de 1960 - e um dos destaques de sua obra de expansão é o sublime Red Angel de 1966. Centrado em uma jovem enfermeira romanticamente engajada sendo empurrada para a guerra, Red Angel desenvolve seu mundo esgotante excepcionalmente bem: começando com as legiões de veteranos marcados com cicatrizes e respingados com seu próprio sangue e suor na mesa de operação em um complexo abandonado e sujo - tudo antes de finalmente ser lançado no cadinho deste conflito mortal. O medo palpável é uma marca do lado impressionista de Masumura - e o marca como uma voz definidora e tristemente ofuscada do cinema nacional durante os anos 1960.

51. The Man Without a Map (1968)

Uma entrada lamentavelmente subestimada da obra impecável de Hiroshi Teshigahara, devidamente ofuscada por sua obra imponente de 62 a 66 de 1968 O Homem Sem Mapa vê a transição do diretor rigorosamente iconoclasta do monocromático radical para a atraente fotografia colorida: contemplando o labirinto extenso do Japão industrial com uma paleta sombria e um tanto monótona que ecoa tão ricamente o desejo insatisfeito do protagonista por respostas. O Homem Sem Mapa corre em rios de dúvida e confusão, pousando seu detetive em águas profundas para a menor das incursões e raramente permitindo-lhe um segundo para respirar e absorver a vastidão de tudo isso.

Teshigahara urbaniza divertidamente a perseguição torturante de seus protagonistas com um mundo que nega a catarse a cada passo, comentando sobre a incerteza incessante da vida moderna com precisão diabólica. Ele abandona a sobrenaturalidade sutil e o surrealismo de seu trabalho anterior por uma peça muito mais fundamentada que é, como resultado, talvez ainda mais assustadora do que a agonia de Sísifo Mulher nas Dunas ou Pitfall’s avanço impensado e insensível da morte. O Homem Sem Mapa nos atinge em nossa própria casa e é por isso que é tão desconcertante - tão enervante - e por que continua a ser uma peça vital do cinema até hoje.

50. The Insect Woman (1963)

Nosso quarto filme até agora, do venerado mestre Shohei Imamura, o lado um pouco mais respeitável da moeda mais perigosamente excessiva de Nagisa Oshima, A mulher inseto é uma representação exemplar de por que a visão de Imamura da política sexual sempre foi muito mais fascinante do que a de seu controverso contemporâneo. É um filme de controle visual suntuoso: incutindo suas imagens de significado e peso, bem como de um delicioso poder estético que sangra tanto significado em monocromático. A vida cotidiana da mulher cercada por um mar uivante de preto e branco que se transforma em mistério, como dentro Tetsuo: O Homem de Ferro . Sua cena de abertura assustadoramente presciente, embora simples, costura as sementes do Kafkan cage Tome (interpretado lindamente pelo merecidamente honrado Sachiko Hidari) é colocado em e sugere as implicações monstruosas que o título vicioso de Imamura coloca em movimentos. É difícil ver, nem um pouco ajudado pelos problemas de Imamura com o ritmo, mas continua sendo um cinema verdadeiramente vital o tempo todo.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa tem superado constantemente sua classe sob o peso de seu homônimo familiar com uma fantástica sequência de esforços sinistros - mas nenhum deles eclipsou a vaga avassaladora de 2001 pressione . Gotejando de pavor e fazendo uso agudo de referências tecnológicas oportunas, sem depender delas a tal ponto que envelhece a imagem, pressione é uma versão superlativamente assustadora da assombração moderna que faz um uso muito mais eficaz do rosto familiar de seus espíritos Yūrei do que muitas outras representações famosas dos perseguidores de rosto pálido.

48. Battles Without Honor or Humanity (1973 & hellip; 1975)

A antologia policial de várias partes de Kinji Fukasaku é O padrinho drogado com todas as drogas sob o sol nascente. Livre do estruturalismo muitas vezes autoritário da peça perfeccionista de Coppola, Fukasaku filma a violência como jazz enquanto segue uma família criminosa governante ao longo dos anos. Freqüentemente mergulhando em ângulos hiperestilizados e editando para garantir o efeito evanescente de sua montagem cinética. Embora falte um desenvolvimento de caráter complexo, resolução temática ou mesmo gosto básico - há algo tão intensamente vivo em Batalhas sem honra ou humanidade que eu não posso deixar de adorar. Cada filme adiciona ao último e representa coletivamente o ápice do cinema populista no Japão dos anos 70. Pouca coisa poderia chegar perto.

47. Kwaidan (1964)

A antologia de terror caracteristicamente bem elaborada de Masakai Kobayashi, Kwaidan, é um mergulho fascinante no mistério e na malícia de antigas fábulas japonesas, as raízes medievais do elenco variado de J-Horror de aparições macabras e maldições inevitáveis. A implacável falta de misericórdia ou descanso onipresente na próspera cena de terror do Japão é tocada pela mão de um mestre aqui, resultando em uma joia visualmente suntuosa que consegue dar uma nova vida alarmante a histórias que de outra forma seriam datadas. É sem sombra de dúvida a melhor Antologia de Terror já feita: com a voz não diluída de um cineasta requintado soando alto e claro que J-Horror é algo a ser temido. Décadas depois, ainda estamos presos em suas garras macabras.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

O gênio da pop art do maldito dissidente de Seujin Suzuki, Tokyo Drifter dispara como um fogo de artifício e empresta mais ao seu toque estilístico do que até mesmo Quentin Tarantino e Martin Scorsese podem reivindicar hoje. A influência ígnea do filme marca notavelmente sua edição e abordagem para a ação - não muito diferente da maneira como Goddard interminavelmente excessivo Sem fôlego continua a moldar a maneira como cortamos. Em uma extensão muito menor, a peça de Suzuki se insinua em tantos quadros do cinema policial moderno - mas é o exemplo mais forte de estilo que elimina toda necessidade de substância: suas armas explodindo como fogos de artifício com efeitos de néon velozes brilhando com glória carmesim a cada chuva de tiros. Feito por um coreógrafo mestre no topo de seu jogo- Tokyo Drifter é o cinema pulp no seu melhor. Elétrico e ainda um grande barril de diversão.

45. Grave of the Fireflies (1988)

Superficialmente, o inverso das fábulas de público universal de Hayo Miyazaki, o venerável ícone ghibliano Isao Takahata Tumulo dos Vagalumes se destaca como uma das animações mais aclamadas já feitas - com peso emocional nascido de seu uso magistral do meio. Caso em questão: Tumulo dos Vagalumes não seria tão universalmente apreciado ou mesmo notável se tivesse abordado essa história no reino da realidade. A lente de Takahata, no entanto, está desenhada. Suas imagens são injetadas com uma elegância e inocência indicativa da infância - que complementa a situação de seus protagonistas perfeitamente. Embora para alguns eu tenha certeza de que isso é um golpe, poucos filmes utilizaram tão habilmente a arte da animação para acentuar graciosamente o poder de sua mensagem. Incrivelmente anti-guerra, os visuais expressivamente elegíacos de Takahata começam a colidir com a configuração esmagadoramente triste da história: deixando um sopro de cinismo escapar de sua estética hermética - embora seja de pouca importância. Tumulo dos Vagalumes é uma experiência assombrosa e muitas vezes bela de tempos de guerra.

44. The Samurai Trilogy (1954-55-56)

Uma faixa requintada de entretenimento fanfarrão, a série populista deliciosamente atraente do diretor Hiroshi Inagaki é um marco na produção de filmes de ação e aventura e, possivelmente, a melhor trilogia a agraciar o subgênero. Lideradas por uma performance excelente como sempre de Toshiro Mifune e marcadas por pequenos vislumbres de maturidade, principalmente no final do primeiro filme, as narrativas relativamente inofensivas e incomplexas de Inagaki são sustentadas por uma compreensão tão nítida e emocionante da ação cinematográfica quanto os anos 1950 tem a oferecer. Seu movimento da câmera é emocionante, dirigindo os atores com uma ferocidade e vigor que ajuda a trilogia a superar seus períodos de seca narrativa com a adição de uma sequência emocionante de esgrima. Não é nada de especial em uma frente dramática, mas ostenta paixão suficiente pelo ofício e surpreendente emoção em seus sucessos para justificar uma colocação tão elevada. Visualização vital para os fãs do cinema de aventura.

43. The Burmese Harp (1956)

Artigo de revelação de Kon Ichikawa sobre um soldado japonês escapando para o país que ocupou uma vez e tentando encontrar a paz na dor de um mundo pós-guerra, A harpa birmanesa atraiu críticas compreensíveis por sua representação frequentemente embotada da guerra: mais pelotões dançantes e movimentos fáceis de enredo do que uma abordagem completa e envolvente do tempo. Paradoxalmente, acho que o que ajuda A harpa birmanesa superar esses problemas é o coração por trás deles. Apesar de sua narrativa abundantemente controlada, Ichikawa tece belas imagens ao longo do filme - enfeitando cada cena em pelo menos um quadro enquadrável que, embora contribuindo para o sofomorismo estático de sua direção, consegue efetivamente transmitir o clima - principalmente em uma sequência onde soldados são abatidos por morteiros e nosso herói acorda em meio a um mar sangrento de cadáveres: com tiros inspirados mais parecidos com a composição incrivelmente compacta de Rembrandt do que qualquer caso de guerra regular. É simplista em certo sentido, mas sua fraqueza nunca ofusca o impacto coletivo que a fotografia iluminadora de Ichikawa e a humildade inabalável criam.

42. A Page of Madness (1926)

A primeira peça desta lista, A Page of Madness é um grampo do cinema mudo japonês por sua voz estética retumbante: uma peça que informou a insanidade e a centelha criativa que alimenta as obras mais maravilhosas de sua indústria até hoje. Seu retrato de um asilo carece da nuance ou profundidade de algo como Titucut Follies ou mesmo a humanidade de Um Voou Sobre o Ninho do Cuco em forma fictícia, no entanto, o caminho transcendente deste marco de 1926 é uma apreciação ampliada do cinema japonês antes da guerra, além de titãs dramáticos como Ozu, Mizoguchi, Yamanaka e Shimizu. O que temos aqui é a fonte de seu rio ainda corrente de peças de trabalho cinematograficamente desafiadoras, estilisticamente provocantes e intencionalmente perigosas que é ainda mais fascinante com esse bando de artistas trágicos em mente.

41. A Fortaleza Oculta (1959)

A pequena e infame franquia de George Lucas, Star Wars, foi construída na parte de trás de The Hidden Fortress, com A New Hope roubando tudo, mas está resolvendo a partir deste conto de aventura excepcional. É uma pena ver este 'remake não oficial' escapar impune, esmagando o filme de Kurosawa sob o peso de seus seguidores colossais - porque The Hidden Fortress é um filme clássico muito mais valioso do que a série de Lucas poderia alegar ser. Repleto de ação emocionante, caracterização hilariante e um forte talento visual, habitual até mesmo dos esforços mais medianos de Akira Kurosawa. Com tudo isso em mente, não invejo Star Wars por isso - só queria que o trabalho brilhante de Kurosawa fosse preso no mesmo fôlego.

40. A condição humana ponto 2: The Road to Eternity (1960)

A peça mordida pela batalha da trilogia épica de Masakai Kobayashi, A estrada para a eternidade serve como um épico épico de guerra japonês considerável para contestar qualquer Salvando o Soldado Ryan , se não tão perigoso como algo como Sam Fuller O grande vermelho ou mesmo Capacete de Aço . Ele mantém a complicada obsessão ética de A condição humana parte 1: Não há maior amor mas consegue construir sobre ele com experiência de combate visceral e uma abordagem medida e consistente de seus personagens, que é sublinhada por sua vida e morte em uma parte mortal da história humana. Tal como acontece com cada segmento de processo, A condição humana chega cada vez mais perto de alcançar seu homônimo e, embora a parte 2 não concretize essa ambição, pelo menos tenta. Mais do que podemos dizer sobre qualquer filme da época.

39. Purgatório Heroico (1970)

Imediatamente incompreensível, expressivo e visualmente desconcertante: Purgatório Heroico é uma cartilha perfeita para a filmografia excepcional de Yoshishige Yoshida. Sua estética maravilhosamente alienígena é muitas vezes desorientadora - cada cena distorce nossa relação com o espaço, cada corte fragmentando o tempo não muito diferente da narrativa frenética de Alain Resnais, inspirada na memória - e com toda a honestidade fazendo o enredo de Purgatório Heroico em particular, genuinamente difícil de seguir e entender. Sua técnica de narrativa fragmentada coloca ainda mais pressão sobre o desejo do público menos aberto por uma experiência narrativa totalmente coesa - mas os prazeres indefiníveis que residem no mundo distorcido de Yoshida fazem justiça ao seu precedente sobre histórias bem estruturadas. Descrever Purgatório Heroico seria impossível. Não recomendá-lo puramente por causa de sua própria impossibilidade - seria um crime.

38. Intenções de assassinato (1964)

O tríptico sombrio de Shohei Imamura de Porcos e navios de guerra, intenções de assassinato e Os pornógrafos atingiu seu ponto culminante incontestável com um filme que observa com detalhes perigosos a situação de uma mulher flertando entre um relacionamento degradante com seu marido e um caso aflito com seu estuprador. O primeiro encontro do último e a cena que o segue diretamente são exemplos lindamente sucintos de como os mundos de Imamura podem ser sublimemente feios - e como o contato humano muitas vezes pode levar seus personagens a extremos que muitos podem tentar desacreditar como inaceitáveis. Em verdade, Intenções de assassinato O estudo cruel mas honesto da opressão e alguma liberdade doentia por meio da expressão carnal consegue refletir um retrato tão preciso de qualquer um de nós na mesma situação que seus melhores filmes.

37. Assassinato (1964)

O ano de duplo lançamento de Masahiro Shinoda em 1964 previsivelmente viu dois dos melhores filmes que o país já produziu, o último dos quais foi Assassinato . Um exemplo brilhante de conforto em escala, Assassinato tece um drama tematicamente pouco ambicioso que extrai o suficiente de sua história simples para ser considerado entre os melhores filmes desta lista: Tão maravilhosamente iluminado e fotografado como qualquer filme de meados dos anos 60, com ação tão precisa e poderosa quanto você esperaria dos estábulos de Shinoda. É uma imitação subestimada do estado mental à medida que rumores selvagens sobre o alvo são reprimidos e sufocados por toda parte, formando uma narrativa que se revela em seus momentos de incompreensibilidade imprevisível - mudando rapidamente da realidade para o passado para deixar o público e vários grupos apreensivos de aspirantes a assassinos no fio da navalha da vitória triunfante e derrota certamente mortal.

36. A Ilha Naked (1960)

O exame estóico de Kaneto Shindo de uma vida tranquila no campo, The Naked Island contém quase nenhum diálogo falado - mudando o foco inteiramente para suas imagens para contar sua história ou, mais precisamente, para criar seu _sentimento_. A abordagem iconoclasta de Shindo ao cinema leva a algumas imagens lindamente ressonantes ao longo de sua filmografia, mas enquanto as imagens de Onibaba e Kuroneko realçam sua narrativa em pequenos bolsões de inspiração visual - The Naked Island tem 96 minutos de fotografia essencial. Ele se mistura de uma maneira que faria Bergman corar, cultivando um clima e permitindo que ele desabrochasse em algo universal e comovente. A tranquilidade e a tribulação que a pequena família de ilhéus de Kaneto enfrenta todos os dias, quase como um inverso estranhamente otimista de O Cavalo de Turim de Béla Tarr. O que falta no poder esmagador do filme, Shindo se desenvolve em uma celebração ritualística da resistência humana e da beleza natural que tal esforço pode conceder. Cativante, esclarecedor - e uma pequena experiência impossivelmente absorvente.

35. Branded to Kill (1967)

Se o supracitado Sejiun Suzuki atingisse seu pico estilístico em 1966 Tokyo Drifter , um filme tão criticado por seus produtores que condenaram suas fotos posteriores a orçamentos mais apertados e tiraram qualquer chance de ele usar cores, então Marcado para Matar se tornaria seu apogeu criativo e um exemplo perfeito de arte através da adversidade. A magnum opus eletrizante do homem, Marcado para Matar segue um assassino contratado que tenta iludir um assassino ainda mais mortal enquanto explode seu caminho através de legiões de capangas e um romance relâmpago. É sempre afiado sem perder sua força, tenta alcançar um território mais dramaticamente ambicioso e ainda consegue embalar configurações cheias de vilões sem rosto para nosso anti-herói atirar em massa. Marcado para matar estilo ainda conseguindo buscar sentido, seja qual for o resultado, é o que o distingue do resto do pacote.

34. The Sword of Doom (1966)

O piloto estiloso do maestro Kihachi Okamoto para uma trilogia tristemente cancelada, The Sword of Doom é a catarse cinematográfica definitiva. É uma demonstração habilmente coreografada de espadas diabólicas enquanto a lenda Tatsuya Nakadai enfrenta Toshiro Mifune e uma horda infinita de capangas sem nome, todos decididos a demonstrar o quão mortal a arma titular pode ser. Dezenas caem diante da lâmina, mais notavelmente na cena final gloriosamente imprudente e não resolvida do filme, e embora sua devoção à narrativa e ao personagem sejam tangenciais, na melhor das hipóteses - a atmosfera e a bravata na direção evitam que se torne apenas mais um rolo de destaque de ação. Vale a pena ver até o final amargo e sangrento.

33. Hausu (1977)

O mais alto elogio que alguém pode pagar a um filme estranho é que ele continua estranho. Muitos de nós apelidamos algo estranho porque não somos iniciados - apenas para descobrir que a suposta estranheza empalidece em comparação com descobertas cinematográficas posteriores. Esse é o nosso caminho através do filme - como é uma forma muito prolixa de afirmar que Hausu é totalmente mental. Constantemente atormentado por uma trilha sonora de fundo às vezes inspirada, muitas vezes áspera, mas sempre insana, e repleta de cenas de colegiais lutando contra melancias possuídas, sendo comidas por pianos assassinos e escapando de um gato fantasma macabro determinado a amaldiçoar cada alma que cruza seu limiar. Basicamente, é Ju-On mas com a autoconsciência e a criatividade estonteante para percorrer todo o caminho com o estilo sozinho - deixando de lado o enredo do mythos que tantas vezes estraga as histórias de casas mal-assombradas com uma devoção absoluta ao artifício estonteante. A experiência resultante é uma gloriosa fornalha de diversão.

32. Ikiru (1951)

O muito elogiado retrato da velhice de Akira Kurosawa, Ikiru funciona como um paralelo fiel ao próprio trabalho de Ozu sobre as pessoas em seus anos de inverno - perdendo sua direção minimalista para o trabalho muito mais direto e intenso de Kurosawa. O resultado é um golpe: várias cenas lambendo com feedback cinético apenas através da força de suas imagens e do silêncio ou ondas de som que as acompanham. Acho que a voz de Kurosawa contribui com poucas novidades para o cânone excepcionalmente forte do cinema sobre o envelhecimento e geralmente falha em atingir as alturas reveladoras de Morangos Silvestres ou A Vida e Morte do Coronel Blimp apesar de sua falta comparativa de imediatismo cinematográfico - no entanto, nada disso diminui a ressonância impressionante do trabalho de AK aqui.

31. Blind Beast (1969)

Uma exploração incomparável de sensualidade e essência física, Besta Cega rastreia a relação entre um homem cego e uma mulher que ele leva cativa, preso em um labirinto laboriosamente desenhado e acarpetado em esculturas de formas humanas - com paredes cobertas de olhos e lábios, enquanto o chão é coberto por um emaranhado inavegável de membros. É surrealidade e premissa intrigante que não são janelas para nenhum terreno temático verdadeiramente denso, embora o diretor Yasuzo Masumura consiga externar a relação entre desejo e desejo muito melhor do que o consistente fio de faca do fracasso que Nagisa Oshima tantas vezes desliza e se corta. Para peças mais contemplativas sobre a sexualidade, Yoshishige Yoshida é um artista essencial - mas negar a visão totalmente única de Masumura aqui seria um crime - independentemente de sua falta de substância. Em vez disso, ele preenche seu filme com cenários lindos e sentimentos doloridos que arranham os personagens. Em uma frente estilística, Besta Cega absolutamente sobe.

30. A condição humana ponto 3: Oração de um soldado (1961)

A conclusão devastadoramente poderosa de Masakai Kobayashi para sua trilogia de dez horas, A condição humana parte 3: Oração de um soldado serve como o culminar de tudo o que Kobayashi tem desenvolvido ao longo, partes iguais impactantes e exageradas - como com as outras peças. É uma pena que a série nunca tenha superado o comprimento flácido do livro, nem o humanismo forçado que pode ocasionalmente prejudicar a forma forte de seu diretor: No entanto, sem esses momentos afetados, nunca teríamos sido presenteados com uma coleção avassaladora de belamente realizados cenas que poderiam ter feito uma obra-prima por conta própria. Oração de um soldado não é mais delicado do que seus antecessores - no entanto, essa sensação de um final paira sobre o trabalho de Kobayashi como um amanhecer cansado - ansioso para assumir o novo dia com um estoque renovado na indústria cinematográfica japonesa. Ao mesmo tempo, um triunfo imponente do cinema épico e, mais importante, aquele passo final através do portal da fama que proporcionou a Kobayashi liberdade artística abundante na década seguinte. O resultado, como veremos, vale mais do que algumas horas de prática & hellip;

29. Double Suicide (1969)

Uma exploração assustadoramente misteriosa do processo criativo, Suicídio Duplo vê uma peça de bonecos de madeira encenada com a intenção de seus dois protagonistas terminando em si mesmos trazidos à vida - com figuras sombrias rondando os palcos para progredir em sua narrativa simulada. Um conto febrilmente assustador quando a fachada cai e seus marionetes de pesadelo executam seus próximos movimentos - muitas vezes transformando os cenários em conjunto com a câmera móvel de Masahiro Shinoda para formar uma sensação horrivelmente contorcida de espaço. Fora de seu dispositivo artístico multifacetado, a trama de Suicídio Duplo é relativamente convencional e não consegue encontrar qualquer fundamento profundo - mas isso é talvez o que garante seu sucesso: a sondagem cuidadosa de Shinoda em seu próprio bloqueio criativo enquanto as mãos demoníacas intrometidas puxam as bordas de sua visão para torná-la mais precisa - bem como descarrilam seu intenções inteiramente. Sejam eles uma representação de suas lutas internas ou uma força de trabalho que o diretor está falhando em coordenar - o duplo conceito de Suicídio Duplo transcende sua fábula medíocre para uma experiência cinematográfica merecedora dos 50 melhores e mais do que exemplar dos talentos colossais de Masahiro Shinoda como cineasta.

28. Ring (1998)

Considerando que o algo semelhante Ju-On sufoca sob a pressão de seu próprio tédio vazio, Ringu's o vazio é sua arma mais mortal. O mar de silêncio do diretor Hideo Nakata permeia e invade cada cena que passa, destacando cada ruído com a intensidade elevada de uma pessoa movida pelo medo e pulsando de adrenalina - não importa quão mundana seja a cena. E contadores de som tão relevantes como o toque do telefone cortam o silêncio com ferocidade intransigente. Não há como escapar de O anel em qualquer canto da sua mente. Não importa para onde você corra - assim que começar a tocar, você estará apenas prolongando o inevitável. Afinal, o que poderia ser mais assustador do que a morte confirmada por nossa inescapável curiosidade?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo 's Kuroneko parece uma miragem de filmes de terror misturados juntos para uma visão perfeitamente demoníaca de pesadelo absoluto. O complexo dilema moral que fervilha abaixo da superfície é uma nova abordagem sobre os espíritos imparáveis ​​que a mídia japonesa de terror tem apostado desde o início - forjando uma narrativa intrínseca que supera a aspereza do anterior de Shinoda Onibaba para formar algo especial. É um trabalho sedutoramente filmado e esteticamente envolvente que preenche a lacuna entre a realidade e a fantasia sinistra com um olhar distintamente compassivo - apesar da raiva arrepiante de seus temas. Não apenas um filme definitivo de J-Horror - mas também um clássico do drama mundial no final dos anos sessenta.

26. Spirited Away (2001)

Há pouca animação que possa competir totalmente com Spirited Away , pelo menos em um sentido criativo. O filme está sobrecarregado com um mar impressionante de designs únicos e personagens memoráveis ​​que se movem e falam tão expressivamente quanto os protagonistas. O universo detalhado que Hayo Miyazaki conseguiu criar, na minha opinião, supera amplamente a narrativa e o ritmo caracteristicamente estranhos de seu trabalho - não muito diferente de Akira na medida em que salta para a frente e para trás em progressão em intervalos aleatórios com o propósito de extrair o valor de outro ato de material; embora o perigo apático Spirited Away se encontra em, pelo menos nos permite mergulhar em suas criações vívidas por um pouco mais de tempo.

25. Morte por enforcamento (1968)

Eu fiz comentários mesquinhos para a aclamada diretora Nagisa Oshima ao longo desta lista e entendo a infantilidade de tal postura: Mas eu só faço isso porque este cineasta genuinamente talentoso costuma se afogar em uma produção cinematográfica obsessivamente supersexualizada. A sequência comparativamente conflituosa de trabalhos iniciais de Imamura é eficaz em seu comentário subjacente sobre as emoções humanas, mas com Oshima tão pouco é deixado para a imaginação que começo a acreditar que não há nada por trás é um trabalho frustrantemente inepto. Isto é, com exceção da brilhantemente bizarra Death by Hanging de 1968. A história de um executor que se recusa a morrer, Oshima usa suas lentes crassas, mas ainda assim perceptivas, para destacar uma série de questões sociais, falhas governamentais e expressões humanas - tudo envolvido em uma comédia farsesca constantemente hilariante com uma autoconsciência confiante de um cineasta com frequência suja como Oshima parecia anteriormente tão distante. Nem antes nem desde então ele conseguiu igualar esse tiro inspirado na pena de morte, o que é uma pena - mas pelo menos pudemos vê-lo voar alto pelo menos uma vez.

24. A Fugitive from the Past (1965)

De Tomu Uchida Um Fugitivo do Passado é, em uma palavra: excepcional. Os filmes sobreviventes de seu diretor competente são simplesmente incomparáveis ​​com o trabalho em exibição aqui, falando a algum tipo de relâmpago fortuito em uma garrafa, já que Uchida foi presenteado com a história certa para cumprir sua promessa como artista. Um Fugitivo do Passado olha para a violência e a dor autoinfligida de uma forma que poucos filmes podem - medindo tanto contra a areia do tempo conforme ele se esgota e mais personagens chegam perto de entregar uma retribuição divina sobre nosso protagonista - um personagem excepcionalmente desafiador para torcer a favor ou contra como ele tenta escapar do caminho sangrento de violência que esculpiu no Japão em seus primeiros anos. eu acho que Um Fugitivo do Passado é tão singularmente poderoso e até possivelmente profundo em sua resolução que eu não diria mais que, é claro, vê-lo o mais rápido possível.

23. Pitfall (1962)

Estreia surpreendente de Hiroshi Teshigahara, Armadilha combina gêneros com a confiança e precisão de um mestre envelhecido - muito menos um diretor que só havia lidado com documentários antes. Embora ele se esforce um pouco para manter sua história convincente por 97 minutos completos - o que Armadilha ofertas superam quaisquer problemas com sua execução narrativa. Brincando com nossa percepção da realidade através da mistura de assassinos, fantasmas e imagens surreais- Armadilha é frequentemente aterrorizante, já que seus muitos personagens tentam desesperadamente se defender de seu invasor imparável: Um homem normal vestido com um terno branco brandindo um canivete. A humanidade do assassino macabro de Teshigahara atua como o primeiro de muitos comentários sociais que suas obras fazem apenas na imagem - nunca sacrificando tempo ou credibilidade para mostrar um ponto final. Ausente de suas inclinações esquerdistas, Armadilha mantém o seu poder como uma experiência cinematográfica angustiante: Apresentando várias cenas chocantes que falam com a clareza e habilidade do método de Teshigahara enquanto ele injeta até os momentos mais singulares com uma vasta gama de emoções que dançam livremente em torno umas das outras - combinando do humor ao horror em um batimento cardíaco. Poucos estreantes foram tão meticulosamente cientes da carreira de seu mestre.

22. Tokyo Twilight (1957)

O filme final em preto e branco de Yasujirō Ozu, Tokyo Twilight's tribula tanto como uma elegia contextual aos passeios monocromáticos do homem, quanto talvez como sua característica mais sombria. A notável mudança de Ozu para longe de sua própria regra de 360 ​​graus para sentar-se atrás dos personagens, seus rostos taciturnos substituídos por uma cabeça de cabelo completamente vazio e frio é um afastamento magistral de seu caracteristicamente envolvendo bloqueio e composição para um caso muito mais sombrio - um reflexo de seu difícil situação dos principais jogadores. Tokyo Twilight segue as dicas de Hollywood noir com suas sombras persistentes e estágios turvos e imperfeitos para criar um mundo cinematográfico universalmente implacável e sem objetivo que afeta em seus paralelos emocionais sombrios com nossa própria sociedade, em vez de uma distopia desproporcional que certamente perderia seu brilho com o tempo. Uma joia excepcional, gravemente marcada.

21. Eureka (2000)

O filme mais longo desta lista, S's Eureka se estende por s- e sinto que seria imperdoável divulgar qualquer um de seus enredos. Mesmo no ano mais rico da memória cinematográfica recente, Eureka ainda se classifica entre os melhores filmes de 2000 - e de fato da década como um todo: Um solene, visualmente impressionante e único & hellip; japonês retrato de luto. Somente em tal país poderia tal sobriedade e melancolia afetiva ser combinada com uma corrente tátil de humor, leviandade e absurdismo involuntariamente bem-vindo - tudo entrelaçado em uma trama de emoção humana que simplesmente tem que ser vista. Não leia nenhuma sinopse - Não dê uma olhada - Apenas veja Eureka .

20. Vengeance is Mine (1979)

O diretor Shohei Imamura é uma figura superlativa do cinema indecente. Seus personagens sombrios e danificados e situações carregadas de confronto articulam uma fascinação descarada com a corruptibilidade da alma humana. Vengeance is Mine transpõe o relato de Ryūzūo Saki sobre o assassino em série da vida real Akira Nishiguchi com uma sofisticação angustiante: Apresentando um ser humano profundamente violento, mas inconfundivelmente real com todas as nossas idiossincrasias em seu ninho de destruição amoral. O ritmo de Imamura entra em conflito com o fluxo, de acordo com, mas acho que, neste caso, a história garante um tempo de execução prolongado e, no final, oferece uma resolução metafísica única para um trabalho tão brutal - convocando o vento e a própria terra para lançar seu último julgamento.

19. Yojimbo (1961)

No reino do cinema de ação, pequenas batidas em nossos calcanhares, como Yojimbo . O uso cativante do leitmotif por Kurosawa dá um impulso ao passo de seus personagens e funciona tão bem para controlar a tensão quanto para qualquer partitura de Morricone. As sequências de ação nítidas são um tanto embotadas pelo design de som slappy e apreciação do escrúpulo do público - algo como filmes A Espada da Perdição e Assassinato não tenho problemas com, mas o que ele dá em troca é uma visão constantemente cômica sobre a base de Red Harvest- Mifune produzindo uma performance clássica que exala personalidade física e sagacidade, funcionando como a pedra angular para o que é indiscutivelmente o melhor direto filme de ação já feito.

18. Audição (1999)

Audição é um filme com controle preciso e febril de seu próprio tom. O caso contrário Takashi Miike fez seu nome por trás de uma carreira prolífica e ocasionalmente frutífera que deu vida a clássicos seminais como Visitante Q e Olho - mas pouco sobre seu estilo de direção transmite externamente a confiança e habilidade aguda necessárias para realizar algo tão audaciosamente distorcido como Audição . Muito mais maduro do que qualquer um de seus trabalhos envolventes, a obra de Miike explora uma premissa simples com eficiência brutal: contaminando cada momento de ternura com uma paleta sedutoramente sombria e um ritmo misterioso que coloca cada cena no fio da navalha de algo terrivelmente errado. Audição representa um pico hipnotizante daquele conforto japonês infinitamente admirável com a produção de filmes de gênero: desvendando seu enigma cristalino para um efeito transcendentalmente chocante. Ver é Acreditar.

17. Ran (1985)

A adaptação de Shakespeare mais famosa de Kurosawa - se uma que na minha mente cede muito terreno à sua inspiração. King Lear é uma obra de escrita impecável - mas na tela ela se atrasa para uma rotina lenta que não consegue recuperar a sensação estonteante dos primeiros 85 minutos. Do início até a sequência de cerco insondável e profunda- Correu é uma obra-prima: uma fatia da arte cinematográfica sem paralelo na obra mais do que impressionante de Kurosawa - e sem dúvida um lugar para o Top 10. Mas, após essa construção e recompensa magistralmente administrada, Kurosawa continua a história do Rei Lear de uma forma que vaza ao longo de tediosamente - apático e monótono, apesar dos esforços da vilã Lady Kaede perfeitamente interpretada. É uma verdadeira vergonha que Correu esbanja tanto potencial, pelo menos na minha mente, em fidelidade - mas pelo menos a chama incandescente da primeira metade brilha forte o suficiente para garantir seu lugar no top 20.

16. Princess Mononoke (1997)

O fascínio da fantasia sombria de Hayo Miyazaki nunca foi particularmente complexo. Qualquer filme com uma mensagem geralmente falha em comunicá-la de forma sofisticada e como Orson Welles tão apropriadamente disse: “Pode ser escrito na cabeça de um alfinete”. A mensagem contundente e flagrante de Princesa Mononoke , entretanto, soa um pouco mais verdadeiro no coração do que na mente. A divisão cuidadosamente construída de Miyazaki entre homens e monstros leva a uma comparação fascinante de como os antigos viam nosso mundo - e como o colapso inevitável de suas civilizações pode um dia espelhar a nossa. A mística e o misticismo de seus personagens é o cerne que permite Mononoke para transcender as armadilhas tradicionalmente enfadonhas do filme de mensagem - deslizar sua linha onipresente sem uma palavra, cada ação dotando-o de seriedade e, ao fazê-lo, reforçando o impacto cinematográfico do que está na tela. A relação mutualística em exibição aqui fala do profundo talento de Hayo Miyazaki como cineasta - e que seu trabalho é mais do que uma criatividade estonteante descontrolada.

15. Uma tarde de outono (1962)

Eu acho, para eu comentar sobre Uma tarde de outono , seria perder o fôlego que já passei examinando o filme que Ozu fez mais de uma década antes que ele efetivamente refez aqui para ser seu filme final. Uma tarde de outono é tão elegíaco, sutil e melancólico - consegue desenvolver vários conceitos expostos no primeiro filme e expandi-los. Ele se afasta de alguns elementos do original para se concentrar em outras ideias - permitindo uma rara oportunidade para um grande artista inserir profundidades semelhantes no mesmo molde. Ozu passaria toda a sua carreira fazendo filmes muito semelhantes, mas conseguindo explorar novas áreas de interação humana a cada vez - produzindo alguns dos melhores filmes já feitos. Deixando um legado tão venerável em seu rastro, o homem poderia ter encerrado sua corrida da maneira que quisesse. Uma tarde de outono é o par perfeito para sua obra cintilante.

14. Trono de Sangue (1957)

Uma adaptação magistral, se é que alguma vez existiu , Trono de Sangue pega o incomparável Macbeth de Shakespeare e cria um texto artístico que se destaca por si só. A descida controlada e devastadoramente humana de Toshiro Mifune à loucura assassina continua sendo um dos melhores papéis do homem - e o próprio Kurosawa marca seu filme com imagens excepcionais que estão quase fora de lugar com um diretor dissociado da prática iconoclasta centralizada. No entanto, é a imagem de Trono de sangue isso o torna tão massivo. Tão cativante e sobrenatural. O ataque clímax vê uma das melhores conclusões de personagens já colocadas em filme e a cimenta como uma obra de arte que de alguma forma contorna a sombra imponente de sua peça original.

13. Tokyo Story (1953)

Falando em marcos da década de 1950, existem poucos filmes que conduzem tão indomavelmente suas aspirações como cineasta Tokyo Story . Um pico cintilante da filmografia impecável de Yasujirō Ozu, sempre no seu melhor, é um filme que exerce uma linguagem cinematográfica simples e desarmante para alcançar efeitos íntimos e penetrantes. O público está sentado com os personagens - voyeurs silenciosos para uma família que lentamente exclui a geração gradualmente degradante de suas vidas. Ozu dá voz a todos os seus personagens, compõe momentos elegantes e impactantes de revelação e só movimenta sua câmera uma vez por 136 minutos. Não existe um filme objetivo “melhor” ou mesmo “ótimo”, mas para aqueles de vocês que escolhem o que assistir com base em tais sites, devo acrescentar que Tokyo Story é O trabalho com maior pontuação no Rotten Tomatoes, com uma média de pontuação inacreditável de 9,7. É suficiente dizer que é paciente, o olhar reflexivo sobre a vida e a idade tocou muitos incomensuravelmente - e garante que qualquer um que leia esta lista dê uma chance por si mesmo.

12. Fires on the Plain (1959)

De Kon Ichikawa, indiscutivelmente a figura mais humanista do cinema japonês do pós-guerra, Incêndios na planície conta a história de um homem perdido em meio a uma batalha perdida no calor da Segunda Guerra Mundial. É um filme corajoso em sua solidão - retratando situações de guerra em uma paisagem vazia, ausente de vida e repleta do vazio do pavor, cada canto trazendo outra figura Odisséia definida para acompanhar ou destruir nosso herói envelhecido. E, como acontece com o poema épico de Homero, o domínio de Ichikawa sobre o quadro geral cria um mundo densamente emocional, no qual nosso herói é uma peça de quebra-cabeça sendo movida e motivada por generais distantes da linha de frente. É um filme que cheira a seu próprio isolamento, com saudades de casa e levado a atos amorais pelo terror da sobrevivência. Obra magistral de uma figura singular, mas vital, da indústria nos anos 1950.

11. Rebelião Samurai (1967)

Um ponto forte do drama de Masakai Kobayashi é que ele permite que ferva, quase que até o ponto final. Suas composições meticulosas e ações impecavelmente cronometradas circulam cada vez mais estreitamente em torno do conflito central - espremendo cada centímetro do espaço para respirar até que tudo o que resta é a necessidade de agir - um trunfo subjacente aos ideais sempre presentes de moralidade de seus personagens. Dentro Rebelião Samurai , o ato em si está à mão mesmo após a leitura do título, mas o homem joga nele para cada segunda audiência espetando com pequenas pontadas em direção à primeira espada sendo desembainhada antes de finalmente resolver em um caso amargo, brutal e finalmente sangrento que continua com o implacável rigor Kobayashi executa tão bem: uma capacidade incomparável de construir a inevitabilidade terminal da situação de seus personagens, bem como empatizar com eles a cada passo do caminho. É na Rebelião Samurai que este humanismo seletivo atinge seus patamares mais evocativos - e se casa com o culminar da carreira de um dos maiores artistas do Japão.

10. Eros + Massacre (1969)

De todos os diretores da New Wave que são sinônimos de psicossexualidade, nenhum jamais alcançou o labirinto emocionantemente seguro da criatividade diabólica de Yoshishige Yoshida. Em contraste, Oshima e Imamura meramente se debatem com os mesmos assuntos, um de forma mais convincente do que o outro, com apenas Kiju conseguindo perfurar o ponto crucial de sua contemplação existencial com uma bravata incrivelmente cinematográfica. Em nenhum lugar está esse domínio hipnotizante da narrativa psicossexual e da estética que ela convoca mais abundante do que em Eros + Massacre , A épica parábola da vanguarda de 215 minutos de Yoshida, uma euforia incompreensível de visão, som e toque palpável ...

9. Meu vizinho Totoro (1988)

Brilhando com a magia da infância, Meu Vizinho Totoro é um filme infinitamente alegre. Eu só finalmente descobri isso aos 18 anos, mas sua beleza inacreditável e capacidade de se maravilhar me convidaram para uma mente mais jovem mais uma vez - ou talvez apenas uma menos cínica. O fardo frequentemente pesado da experiência humana nos deixa exigindo escapismo ou ansiando por realismo contínuo, mas o que Totoro faz que o eleva acima de qualquer outro filme de animação já feito é ignorar totalmente os desejos de seu público e apresentar uma história que permite que você chegue a atraente com seu design visual exuberante, personagens saltitantes e descoberta dos tesouros escondidos da natureza ao lado de suas pistas. Em vez de apelar para a criança que um dia fomos - Totoro se permite explorar um sentimento mais amplo de aventura e esperança investido no mistério mais profundo de nosso planeta. A recompensa por tal fé é um diamante cintilante de Japanimation: Luminoso, universalmente movente e absolutamente quintessencial.

8. O rosto de outro (1966)

Um diagnóstico assustadoramente épico da vida moderna através da mira silenciosamente treinada da fantasia sombria, o rosto de outro explora a experiência de um homem desfigurado depois que seu novo rosto milagroso começa a dominar sua antiga personalidade. O trabalho de Teshigahara é sempre nuançado o suficiente para aparecer à distância de um braço enquanto silenciosamente agarra por baixo com seus dedos esqueléticos e sua obra-prima de 1966 chega mais perto de revelar sua verdadeira natureza: Trazendo as composições sinistras do diretor e imagens de terror absoluto direto para a metrópole e contemplando seu abismo com a mesma visão imparcial que tão vividamente trouxe Travis Bickle à vida em Taxi Driver uma década depois. Um trabalho que rivaliza com Persona e eclipse Seconds no mesmo ano por sua provocação desafiadora de desejo, personalidade e identidade - o Rosto de Outro é o cinema vital: Um triunfo imponente do método de Teshigahara e trabalho tão fortemente envolvido em seu próprio impecável idéias e atmosfera seria um crime divulgar mais alguns de seus segredos. Veja por si mesmo…

7. Rashomon (1950)

Um dos meus portais pessoais para o cinema mundial, Akira Kurosawa Rashomon tornou-se tão parte integrante da cultura cinematográfica que foi iniciada na linguagem para descrever o efeito psicológico que seus personagens carregam: cada um deles fornecendo testemunho conflitante para um caso terrível de estupro / assassinato. A vitalidade de Kurosawa está em plena exibição, técnicas pioneiras de câmera como filmar diretamente para o sol e ocultá-lo por uma confusão de folhagens para que cada cena na floresta fosse tão abstrata quanto sua contraparte no tribunal. A desarmante simplicidade de Rashomon's O irresistível gancho da trama abre espaço para comentários sobre a verdade humana, moralidade e uma experiência ricamente cinematográfica com as famosas demonstrações de furiosa esgrima de Kurosawa. Há pouco a acrescentar ao diálogo em torno de Rashomon, exceto que ele continua a se sentir décadas à frente de seu tempo. Só podemos imaginar a sensação de ver este caminho ainda em 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri é tão forte quanto os filmes ficam. Começando com uma cena tão comovente quanto se poderia imaginar, o diretor Masakai Kobayashi cria um fenômeno que continua sendo um dos filmes mais universalmente elogiados de todos os tempos: classificado entre os filmes com melhor pontuação em uma vasta maioria de sites de usuários, apesar do que eu tinha primeiro presumido que estava diminuindo o apelo. É uma exploração meticulosamente paciente e tortuosamente inspirada no código de honra japonês - uma ferida ainda estremecida no pós-guerra de 1962 que Kobayashi aborda não apenas como um compatriota, mas como um ser humano. Cada gota de sangue derramado Harakiri fala com o ódio agonizante do artista pela morte e violência: Quase como se doesse para ele colocar tamanha brutalidade na tela. No mundo de hoje, essa direção fortemente humana é divina de se ver - e funciona como uma pedra angular para a conclusão do filme. Sem a devoção de todos os envolvidos, Harakiri teria sido esquecido como mais um drama enigmático, bem elaborado, mas humilde. Harakiri senta-se aqui hoje porque Masakai Kobayashi se preocupa mais do que você pode imaginar e eu acho que, em sua própria elegância afiada e feliz, o coloca entre os melhores filmes dos anos 1960.

5. Seven Samurai (1954)

O filme mais aclamado que já saiu do Japão, Seven Samurai queimou uma marca indelével no meio e ainda mantém raízes no cinema de ação de hoje. O clímax de múltiplas câmeras encharcado pela chuva de Kurosawa não chega a eclipsar a profundidade profética do cerco ao castelo de Ran, mas continua a informar a maneira como montamos as sequências de ação, mesmo que os editores contemporâneos não percebam sua influência. Muito acima de seu poder cultural duradouro está a caracterização convincente de Seven Samurai: a criação de um mundo inteiro de figuras ricas auxiliado tremendamente pela extensão do método meticuloso de Kurosawa até a menor parte para tornar sua visão do Japão Feudal o mais envolvente possível. Este cadinho intrinsecamente criado de ação magistral e narrativa luminosa resulta em uma peça seminal de cinema que afeta, eletrifica e, por fim, nos deixa com um final de filme tão corajoso e poderoso como eu já vi. Um marco merecido no panteão do cinema internacional.

4. Pale Flower (1964)

Não fosse por apenas duas palavras espalhadas em uma lista dos grandes filmes japoneses, o nome Masahiro Shinoda não teria aparecido a menos de três metros desta lista. Considerando suas contribuições para o grande cinema japonês, que é uma pena - e pensar que tal obra-prima quase escapou pela pesquisa é dizer algo de quantos filmes por aí estão implorando para serem redescobertos. Elogiado no lançamento e discretamente lançado pela Criterion Collection, Flor Pálida é um dos maiores filmes criminais de todos os tempos. Simplesmente assistir um jogador e seu amor recém-descoberto cair em uma espiral alimentada pelo desespero de degradação e desapego - continua sendo uma das peças de trabalho mais audaciosamente sombrias e visionárias para escapar dos lábios da Nova Onda Japonesa: Uma que é mortalmente afiada de enquadre um no final e isso proporciona um efeito cinematográfico tão transcendental quanto qualquer trabalho menos extremo de Ozu ou Kurosawa. Shinoda nunca será considerado um dos grandes, pelo menos pelo público em geral - mas espero pelo menos que as pessoas sejam levadas a descobrir seu cinema a partir deste cadinho de perfeição criminosa: uma obra tão crua e desencadeada quanto as travessuras superestimuladas da contracultura excessiva e, ao mesmo tempo, tão profundamente delicadas e controladas como qualquer filme que já vi. É meticuloso, milagroso e inconscientemente subestimado. Conserte isso.

3. Woman in the Dunes (1964)

Se Kiju Yoshida e seu Eros + Massacre é o campeão da psicossexualidade de alta arte - então Hiroshi Teshigahara Mulher nas Dunas é mítico em comparação. Transposto do famoso romance original do colaborador Kōbō Abe, o método quase malicioso de Teshigahara é mais rancoroso e torturantemente compassivo aqui. Luzes fracas da humanidade reprimida brilham através das areias movediças que cercam nossos dois protagonistas comprometidos - pessoas forçadas ao estado de ser mais primitivo por causa da sobrevivência amargurada. De fato em Mulher nas Dunas , resiliência é submissão. Nada é sagrado. Nenhum lugar está a salvo dos olhos cruéis dos aldeões quase oni-ausentes que condenam nossos heróis à sua cova infernal. É um conceito perfeito, impecavelmente executado cinematograficamente por Hiroshi Teshigahara, bem como produzindo o que eu diria que é a partitura mais eficaz do lendário compositor Toru Takemitsu. Reunindo três artistas incrivelmente confiantes na mesma linha de De Niro, Scorsese e Schrader em Taxista - Mulher nas Dunas é seu próprio, em partes iguais uma besta inescapavelmente aterrorizante. Uma obra de arte essencial e horripilante.

2. Final da primavera (1949)

Primavera tardia é uma revelação da monotonia moderna: um exorcismo de demônios que este lugar e tempo exige não apenas ser mantido trancado a sete chaves - mas escondido como se não existisse. Embora o desejo dolorido de expressar esses terrores nunca seja totalmente liberado, podemos detectar no canto de cada olho, entre as palavras de cada linha e muitas vezes zumbindo silenciosamente no centro de cada cômodo. E assim, para um mundo tão superficialmente saturado por sorrisos cheios de dentes e melodias ternas - Ozu's Primavera tardia também abriga uma atmosfera de desespero absoluto: Um medo de que não sejamos aceitos - de que toda expressão possa levar à derrota e, portanto, é melhor considerar o curso irrevogável em vez de arriscar e ficar no meio dos trilhos. Sua pedra de toque de retorno de gerações conflitantes é o núcleo para Final da primavera drama cuidadosamente tratado, mas acho que aqui, mais do que qualquer uma de suas outras obras (ou talvez qualquer filme que as décadas circundantes produziram): Ozu conseguiu encontrar um final perfeito. Alcançar um resumo claro de seus temas e sentimentos de seus personagens não é uma tarefa fácil, ainda mais encontrar um momento tão singularmente devastador como nasceu aqui, e assim sugiro a todos no swing da escrita dramática, direção, produção ou apenas bastões de interesse cinéfilo Primavera tardia bem no topo da lista de observação. Confie em mim: vai acabar com você.

1. High & Low (1963)

High & Low é um empreendimento cinematográfico inerentemente impossível. Ela se estende até um elemento elusivo com um núcleo tão conflitante que parece não haver nada para encontrar. Na superfície, falta o poder matizado, mas ainda assim opressor de Seven Samurai, bem como o inferno ardente lento que se enfurece em um silêncio mortificante no final de Late Spring. Na verdade, High & Low mesclam os dois: pisar de forma tão hesitante no meio de pessoas comuns por medo de encontrar mais doenças, depravação e vício - a mais ganância, ciúme e amoralidade impiedosa em torno do que escorre indefinidamente atrás de cada esquina. É um filme apavorado com o que vê na condição humana, algo que claramente dói Kurosawa colocar na tela - e é sua corrente flutuante de auto-repressão criativa que garante sua venerável importância. High & Low tem a audácia de enfrentar a crueldade banal e desesperada que se esconde em todos os nossos corações - o quão feio e opressor é o mundo inteiro em sua saturação de auto-serviço sem alma. Talvez, por finalmente mudar e reconhecer isso, nos tornemos pessoas melhores no processo. Capaz de entender que é bom ter medo, desde que você aceite a presença do inexplicável. O irreparável. Que no final, o único consolo que você pode encontrar é o perdão. Se você vai sair do seu caminho para assistir a qualquer filme desta lista: escolha este.

Copyright © Todos Os Direitos Reservados | cm-ob.pt