100 melhores filmes de todos os tempos

Alejandro Jodorowsky Prullansky, o famoso cineasta chileno-francês, poeta, dramaturgo e compositor musical, disse uma vez: “Sempre achei que, de todas as artes, o cinema é a arte mais completa.” Concordo. Em muitos aspectos, o cinema é, na verdade, um amálgama de todas as outras formas de arte importantes: pintura, escrita e música. Não pode ser por acaso que o cinema é também a mais moderna das formas de arte. Afinal, a evolução de outras formas de arte foi necessária para que o cinema surgisse. O fato de que continua a ser a forma de arte mais popular quase desde o momento em que passou a existir revela sua força e sua fraqueza: é facilmente acessível e, portanto, mais comercializável.

Com isso em mente, estou animado para apresentar a você a lista de The Cinemaholic's 100 melhores filmes de todos os tempos . Antes de começar a explorar nossa lista dos 100 melhores filmes já feitos, vamos nos lembrar novamente, que listas por natureza nunca são perfeitas. Portanto, não reivindicamos que este seja o Santo Graal da lista dos melhores filmes do mundo. Mas o que posso garantir é que muitas pesquisas foram feitas para montar essa lista. Milhares de títulos de filmes foram considerados e cada escolha final foi debatida. Tenho certeza que você encontrará muitos de seus filmes favoritos faltando na lista. Muitos dos meus favoritos também estão faltando! Mas em vez de ficar frustrado com isso, aproveite esta oportunidade para ver os filmes que você ainda não viu. Quem sabe, você pode acabar descobrindo seu (s) novo (s) favorito (s)!

100. The Umbrellas of Cherbourg (1964)

Jacques Demy coloriu sua ópera romântica com uma sofisticação desmedida e desordenada que parece um pouco hipster. Mas essa cor não é apenas a das paredes, das roupas e dos guarda-chuvas. Também está nas bochechas de uma jovem incrivelmente apaixonada enquanto ela atravessa a rua para cumprimentar seu amante e sua ausência quando vemos aquele rosto com um véu, a jovem agora noiva de outra pessoa. Também há cor na maneira como as pessoas falam ou, para ser mais preciso, cantam umas para as outras. Mas suas conversas líricas não rimam como a maioria das músicas. Quando tudo, desde profissões de amor a preocupações com dinheiro, é misturado com paixão indistinguível, não faria muito bem para você ir pescar por rima ou razão. Embora o filme e todas as suas revelações melódicas, reforçadas pela música sobrenatural de Michel Legrand, sejam profundamente românticos, todas as decisões que nossos personagens tomam são, como tudo na vida, decididamente não.

Para um enredo tão tediosamente conhecido, tendo sido a base de inúmeras canções pop e novelas, cada quadro de 'Os guarda-chuvas de Cherbourg', explodindo em melancolia, é atraente e novo, até desconhecido. Você pode atribuir isso à autenticidade das emoções e à sinceridade de suas expressões. Operando em uma escala tão humilde quanto, 'Guarda-chuvas' devasta você com o menor dos reflexos. Fiquei pasmo com o quão substancial o impacto de duas cadeiras vazias, uma vez ocupadas pelos dois amantes, poderia ser. Na iguaria carinhosamente confeccionada por Demy, marchamos em carnavais recheados de fitas e confetes, decoramos árvores de natal e damos presentes uns aos outros, guardando todos os nossos sentimentos em algum canto do nosso coração, porque por mais difícil que seja a ausência de alguém ou a passado é esquecer, tudo o que podemos fazer é viver a fantasia de hoje.

99. Trainspotting (1996)

É um pouco difícil explicar os cinéfilos como nós sobre o fanatismo de ‘Trainspotting’. Chegou a hora em que a realidade das drogas apenas começava a penetrar. Alguém diria que isso glamorizou o uso de drogas e, até certo ponto, é verdade. O fato que resultou disso foi a tentativa de Danny Boyle de mostrar os altos e baixos do uso de drogas, sem tomar partido. ‘Trainspotting’ é um filme cult que conta a história de quatro amigos e seu encontro com o vício. Ultrajante e bizarro são as únicas duas palavras para descrevê-lo. Um viciado em drogas que quer ficar limpo, apenas para vacilar a cada passo devido ao seu desejo mais profundo de ficar chapado. Com uma overdose generosa de humor, o filme tenta sublinhar um fato com seriedade absoluta: apesar dos luxos que a vida oferece, a juventude os nega com muita altivez. E os motivos? Não há motivos. “Quem precisa de motivos quando você tem heroína?”

98. The Graduate (1967)

Ah, os dias da juventude! Despreocupado e alegre. Diversão cheia de nada para se preocupar. Nenhum cuidado com o passado, que foi deixado para trás, e nenhuma preocupação com o futuro, que ainda está por vir. Benjamin Braddock levou uma vida despreocupada, depois de se formar na faculdade. E quando ele finalmente voltou para sua cidade natal, lá ele conheceu a Sra. Robinson. A chama de um caso começa a arder. A vida dá uma virada tortuosa quando o jovem Ben confunde sexo com companheirismo. Ele fica de pernas para o ar, quando ele se apaixona pela filha dela. Um filme instigante, vestido de comédia, ‘The Graduate’ é um dos filmes mais engraçados de todos os tempos. Estrelado por Dustin Hoffman, apresenta a linha icônica - 'Sra. Robinson, você está tentando me seduzir?'

97. The Double Life of Veronique (1991)

Talvez nenhum outro cineasta tenha entendido as mulheres em profundidades emocionais tão profundas quanto Krzysztof Kieslowski. O homem simplesmente os amou e demonstrou isso com tanta paixão e intimidade que você não pode deixar de se sentir apaixonado por seu poder emocional bruto. ‘The Double Life of Veronique’ pode ser apenas sua maior realização artística. O filme é sobre uma mulher que começa a sentir que não está sozinha e que há uma parte dela vivendo em algum lugar do mundo com uma alma diferente. Veronique e Weronika são as duas mulheres idênticas que não se conhecem e ainda compartilham uma conexão emocional misteriosamente íntima entre elas. A cinematografia altamente estilizada de Slawomir Idziak pinta o filme com uma sensação ternamente melancólica que o envolve e não deixa passar. Há sentimentos e emoções que achamos muito difíceis de expressar em palavras e o filme dá vida a esses sentimentos inexplicáveis ​​de tristeza e solidão pensativas. ‘The Double Life of Veronique’ é uma obra de arte impressionante que retrata a alma humana em todas as suas belas fragilidades e ternura.

96. Cinema Paradiso (1988)

Muitas pessoas consideram o cinema uma indulgência, uma atividade de lazer, uma diversão que não tem qualquer consequência na vida. Mas eu, com um exército de cinéfilos ardentes para me apoiar com fervor, posso afirmar com absoluta convicção que o cinema é tão necessário para a vida quanto a vida é para o cinema. E ‘Cinema Paradiso’ é uma bela, embora irônica, maneira de apresentar meu ponto de vista. O cineasta de sucesso Salvatore volta para casa um dia com a notícia da morte de Alfredo, na qual ele volta para sua cidade natal na Sicília dos anos 1950. O jovem e travesso Salvatore (apelidado de Toto) descobre um amor duradouro por filmes que o atrai para o cinema da vila, Cinema Paradiso, onde Alfredo é projecionista. Depois de se interessar pelo menino, o velho se torna uma figura paternal para ele, enquanto ensina meticulosamente a Toto as habilidades que seriam o trampolim para seu sucesso no cinema.

Assistir Toto e Alfredo discutindo cinema com reverência e ver Alfredo dar conselhos para a vida por meio de citações clássicas de filmes é pura alegria. Através da história de maioridade de Toto, ‘Cinema Paradiso’ lança luz sobre as mudanças no cinema italiano e o comércio moribundo do cinema tradicional, edição e exibição, enquanto explora o sonho de um jovem de deixar sua pequena cidade para se aventurar no mundo exterior. Um dos melhores ‘filmes sobre filmes’ que já existiu.

95. Um Voou Sobre o Ninho do Cuco (1975)

Uma daquelas raras experiências cinematográficas que faz você sentir uma infinidade de emoções ao mesmo tempo. É engraçado em algumas partes, edificante em algumas e direto e destrutivo em outras. É também um dos outros feitos raros na narrativa simplista e eficaz, contando sobre Randle McMurphy, um criminoso que na esperança de fugir da prisão, finge ser doente mental e se declara inocente com base em insanidade. Ao chegar a uma instituição psiquiátrica, ele se rebela contra a autoritária Enfermeira Rached (interpretada por uma Louise Fletcher de aço) em um cenário clássico de ordem versus caos. O filme estabelece que realmente não há ninguém melhor para interpretar personagens com golpe e charme em igual medida do que o próprio Jack Nicholson, que lhe rendeu o merecido Oscar por sua atuação no filme. O que começa como um filme duradouro e comovente, chega a um final trágico, embora esperançoso, após cenas perturbadoras envolvendo um suicídio e terapia eletroconvulsiva em pacientes. O filme, ainda, nunca abandona a atenção e o pathos do espectador pelos personagens na tela, evocando emoção genuína e alegria para o espírito humano que emana mesmo em face de autoridade não correspondida.

94. Pyaasa (1957)

Denso com ideias de mudança social e comentários mordazes sobre a malícia e estigmas da sociedade, ‘Pyaasa’ não apenas sintetizou a era de ouro do cinema indiano, mas também foi um reflexo da própria burguesia indiana. É um filme que tem uma qualidade sutil sobre si mesmo, onde todas as verdades descaradas e duras realidades da sociedade estão fervendo sob a superfície, esperando para serem exploradas e extrapoladas pelo público atento. ‘Pyaasa’ é um clássico atemporal não sem razões. Mesmo após 60 anos de seu lançamento, ele permanece relevante nos tempos modernos, porque a Índia continua a ser atormentada pelas mesmas maldições sociais - corrupção, misoginia, materialismo - que ‘Pyaasa’ aborda direta ou indiretamente.

93. Modern Times (1936)

‘Modern Times’ é um filme humorístico com uma mensagem poderosa. Levando os temas da marca registrada de Chaplin de esperança e pobreza, esta imagem enfoca os efeitos adversos que as máquinas e outras formas de avanços tecnológicos têm sobre o povo, puxando para o centro das atenções um operário cuja vida passa por muitas reviravoltas enquanto ele tenta lidar com o novo mundo. Embora a palhaçada seja extremamente engraçada, está tudo contido em um recipiente de tristeza. ‘Modern Times’ utiliza elementos inteligentes e sutis para fazer perguntas filosóficas importantes de vez em quando. O clímax é um dos mais tocantes de todos os tempos, envolvendo uma forma triste de felicidade e nenhuma resposta ou resolução real. Este filme pode muito bem ser o trabalho mais bem escrito de Chaplin, e é surpreendente como as ideias apresentadas aqui são relevantes até hoje. Tendo, sem dúvida, resistido ao teste do tempo, o caminho que os Tempos Modernos percorrem para compartilhar seus pensamentos é provavelmente o melhor aspecto desse triunfo cinematográfico.

92. The Thin Red Line (1998)

Terrence Malick O retorno ao cinema de um hiato de 20 anos foi marcado por este drama de guerra deslumbrante que explora, não a guerra, mas a emoção de lutar na guerra. O filme é verdadeiramente de natureza malicka, com mais ênfase nos visuais do que na história, permitindo que você mergulhe na experiência. A genialidade do filme reside na visão de Malick de ver beleza em algo tão escuro e sangrento como a guerra. É preciso ser um gênio absoluto para transformar algo tão brutal e sangrento como a guerra em uma experiência hipnótica que transcende as realidades da guerra e, em vez disso, permite que você mergulhe nas emoções de seus personagens. É uma experiência tão envolvente que pede que você sinta os seres humanos por trás de armas e bombas. São almas devastadas como nós, ansiando por um toque delicado, sentindo falta do calor do hálito de seus amantes e esposas ao mesmo tempo que têm que lidar com a realidade mais feia que está longe deles. ‘The Thin Red Line’ é simplesmente uma experiência como nenhuma outra; um que deve ser visto, sentido e refletido.

91. Blade Runner (1982)

A versão final de 'Blade Runner' de Ridley Scott, acredito que seja o maior filme distópico já feito. Embora Metrópolis seja uma escolha discutível, é preciso observar os visuais inautênticos associados ao Cinema Expressionista Alemão. ‘Blade Runner’, por outro lado, é mais do que perfeito na construção de um mundo que sofre de desigualdade financeira, crescimento populacional, deficiência em qualquer coisa natural, porque até mesmo a carne não é confiável aqui. A iluminação cintilante é contextualmente natural, porque é um mundo eletrônico e Jordan Cronenweth a usa de forma semelhante aos objetos iluminadores do dia a dia no filme noir. Embora possa não representar questões tão abrangentes como 'Uma Odisséia no Espaço', nos faz pensar se 'andróides sonham com ovelhas elétricas'.

90. Fargo (1996)

Violento, engraçado, caloroso e brutalmente intenso, ‘Fargo’ é um dos melhores filmes americanos dos anos 90 e um dos maiores dramas policiais já feitos. O filme é sobre um homem que contrata dois homens para sequestrar sua esposa e extorquir dinheiro de seu sogro rico. O uso brilhante de humor negro dos Coen Brothers impregna o filme com um ar caloroso que dá um tom muito distinto ao filme. É esta mistura magistral de comédia, drama e violência que torna 'Fargo' uma experiência cinematográfica memorável. Aquela cena de abertura deslumbrante de um Minnesota cheio de neve, lindamente complementado por uma trilha sonora assustadora dá o tom para o filme e estabelece um sentimento de profunda tristeza que está por trás da violência e do humor que o filme contém. Frances McDormand é claramente a estrela do filme e rouba a cena, retratando uma chefe de polícia grávida presa em um mundo de maldade e brutalidades, mas consegue encontrar luz e esperança. ‘Fargo’ é uma peça emocionalmente crua, brutalmente intensa, cativantemente engraçada e dolorosamente realista de puro cinema fascinante.

89. Eraserhead (1977)

‘Eraserhead’ é um livro didático sobre terror atmosférico. Contando a história de um homem com cabelos estranhos que tenta criar uma espécie de família sozinho, este filme se torna mais um pesadelo surreal a cada minuto que passa. Usando som e close-ups para oferecer uma sensação de medo claustrofóbico e alinhando isso com uma trama que faz pouco sentido em uma primeira exibição, a estreia de David Lynch prova ser uma das melhores do diretor mestre, o que por si só é um grande elogio. O que ‘Eraserhead’ faz é criar um mundo distópico - salpicado de edifícios feios e engenhocas mecânicas mergulhadas em preto-e-branco vicioso - e jogar nele personagens que estão mais ou menos confusos com o ambiente. Embora descobrir o “significado” dessa imagem seja quase impossível, é preciso perceber que essa nunca é a intenção. ‘Eraserhead’ coloca na mente de seu público uma sensação de total desconforto, usando tanto seu visual quanto seu estilo surreal, e encontra uma maneira de manipular seus pensamentos. Apenas algumas fotos são tão lindamente estruturadas, mas inegavelmente ameaçadoras, como esta, e isso é algo que apenas alguém como Lynch poderia fazer.

88. Boyhood (2014)

A 'infância' é uma lembrança carinhosa dos anos passados ​​de alegria desinibida, otimismo inabalável e borbulhante inocência. Baseia-se em derivar beleza, alegria e emoção da vida normal das pessoas e não de qualquer ato dramático intensificado (pão com manteiga para a maioria dos filmes). É fascinante ver como, de cena em cena, não só há mudanças na fisicalidade dos personagens, mas também você vai notar a transformação em sua moda, penteado, gosto musical e, em geral, perspectivas sobre a vida. ‘A infância’, de uma forma que poucos filmes fazem, transcende as fronteiras do cinema e se torna uma pequena parte de nossa própria existência e experiência. Linklater nos lembra novamente por que ele é o melhor nos negócios quando se trata de contar histórias simples sobre pessoas comuns.

87. Dias do Céu (1978)

A evolução de Terrence Malick para um visionário cinematográfico autorizado e totalmente controlado é uma das melhores coisas que já aconteceram ao cinema americano. Está claro desde seus primeiros trabalhos que ele estava desesperado para pular fora das fronteiras convencionais do cinema. Filmes como ‘Badlands’ e ‘Days of Heaven’ tinham narrativas aparentemente diretas, mas esses eram filmes que tentavam ser algo mais. Algo mais do que apenas uma história. Uma experiência. ‘Days of Heaven’ alcança isso de maneira mais brilhante do que ‘Badlands’. Muitas pessoas costumam criticar o filme por seu enredo fraco. Eu não poderia dizer que eles estão totalmente errados, mas a história, de qualquer forma, não é o aspecto mais importante de um filme. O que Malick faz aqui é usar a visualidade do cinema, que enfatiza o clima da história, e não a própria história. Suas intenções não são deixar você emocionado com a situação dos personagens, mas permitir que você os observe, sinta a beleza das paisagens e a fragrância de seu lugar. E criar esse tipo de experiência visceralmente comovente é nada menos que um milagre.

86. Grave of the Fireflies (1988)

Um filme comovente e comovente que está em pé de igualdade em todos os aspectos que você possa imaginar, com os outros filmes de ação real destacando os despojos da guerra. Este filme de animação japonês centrou-se nos horrores da Segunda Guerra Mundial ao focar na vida de um casal de irmãos, partiu meu coração de uma maneira que nenhum outro filme conseguiu, e ainda continuou pisando nas peças até o final. Por ser um filme de guerra, ele também faz maravilhas na frente humana, percebendo e desenvolvendo lindamente a relação terna entre Seita e Setsuko em face da adversidade que foi a Segunda Guerra Mundial. A mensagem é alta e clara. Nenhuma guerra é vencida de verdade, e toda a glória que envolve vitórias também é acompanhada por lamentos de vidas inocentes destruídas na guerra. Eu aplaudiria o filme por não ser abertamente emocionalmente manipulador em nos fazer torcer por seus personagens; mas não se engane, seu ponto de vista poderoso e intransigente sobre a guerra e as travestis sofridas pelo casal de irmãos o reduzirá a uma confusão de soluços. É TÃO triste. Dito isso, não há outra maneira que eu queira. É perfeição, em sua forma mais dolorosa.

85. Manhattan (1979)

O romance nos filmes de Woody Allen sempre foi dolorosamente verdadeiro e deprimente realista, apesar do senso de humor deliciosamente comovente com que ele os envolve. Enquanto ‘Annie Hall’ continua sendo seu filme mais ousado, ‘Manhattan’ surge como uma obra mais madura, artisticamente. O filme tem Allen no papel de um nova-iorquino entediado e confuso, recém-divorciado, que está namorando uma garota do ensino médio, mas acaba se apaixonando pela amante de seu melhor amigo. Allen suavizou ligeiramente o humor para este filme, a fim de nos permitir sentir verdadeiramente a tristeza envolvendo seus personagens, o que o torna uma experiência emocionalmente desgastante. É apenas um retrato profundamente comovente de relacionamentos fracassados ​​e seres humanos imperfeitos lutando consigo mesmos e com sua existência, em busca desesperada da felicidade que nunca reconheceriam e atingiriam. E é essa compreensão docemente delicada e comovente da condição humana que torna 'Manhattan' um filme tão poderoso.

84. Marketa Lazarova (1967)

A paisagem de sonho incorpórea do ícone tcheco Franti & scaron; ek Vláčil, Marketa Lazarová, é simplesmente uma das obras de arte mais incríveis que surgiram dos 20^ºSéculo. Sua abordagem de vanguarda à linguagem cinematográfica mal se encaixa nos limites daquela frase freqüentemente contundente - pois é algo mais. Uma fusão estonteante de imagem e som, livre de convenções, estruturas ou qualquer regra escrita que os turbulentos estudiosos do cinema impuseram à forma do filme ao longo dos anos. Em comparação, todo o resto parece tão rigidamente controlado - tão antinatural e artificial na execução. Marketa Lazarová é crua, visceral e surpreendentemente dinâmica. Resumindo: é livre - um verdadeiro pináculo das possibilidades de explorar cada centímetro do meio cinematográfico. Por isso, está entre os maiores filmes já feitos.

83. Cantando na chuva (1952)

Singin ’In The Rain é o musical mais marcante da Idade de Ouro de Hollywood. É impossível esquecer a imagem de Gene Kelly dançando ao lado do poste, quando falamos sobre os momentos brilhantes do cinema. O filme não apenas celebra sua própria proficiência de forma encantadora, mas também a passagem do cinema de um meio visual para um meio ressoante e estimulante. Uma conquista monumental no cinema Technicolor, o esforço de direção de Kelly foi divertidamente descartado pela crítica e pelo público, inicialmente. Acredito que a relevância deste clássico cresce a cada dia, à medida que aumenta a distância entre os períodos de tempo cobertos pelo filme (vida real e bobina) e o presente. Estamos perdendo o contato com uma época importante, e este filme te envolve com sua nostalgia.

82. Não olhe agora (1973)

É muito difícil encontrar uma obra de arte visual que seja tão hipnótica quanto ‘Dont Look Now’ de Nicolas Roeg. Em muitos aspectos, esta obra-prima é como o anão hediondo no final. É lindamente envolto em cores extáticas, mas abriga a pior parte da vida: a morte. Não importa o quão eficaz seja o personagem de Sutherland, acredito que este é um filme movido pela emoção, já que Roeg coloca a busca do amor perdido em uma história conclusiva. A fundação gótica é um instrumento muito poderoso para exaltar a importância dos laços de que depende, o do amor paterno e familiar, bem como para dar uma forma vaga aos fantasmas que assombram o protagonista. “Alguns lugares são como pessoas, alguns brilham e outros não”.

81. Fight Club (1999)

De vez em quando, chega uma obra de arte que define a psique de uma geração. No que diz respeito ao cinema, os anos 50 tiveram ‘Rebel Without A Cause’, os anos 60 tiveram ‘The Graduate’ e os 70 tiveram ‘American Graffiti’. E mesmo duas décadas depois, o ‘Clube da Luta’ se encaixa como uma luva no etos taciturno, descontente e anti-estabelecimento de nossa geração. Como tantos grandes filmes, ‘Clube da Luta’ é muito divisionista e pode ser interpretado filosoficamente de muitas maneiras distintas - alguns acham que define a masculinidade contemporânea, enquanto outros pensam que glorifica a violência e o niilismo.

Essencialmente um thriller, o filme é contado a partir do ponto de vista de um protagonista sem nome sofrendo de insônia e descontente com seu trabalho monótono, que cruza com um impetuoso fabricante de sabão chamado Tyler Durden. Durden e o protagonista logo iniciam um 'Clube da Luta' underground como uma forma de membros descontentes da sociedade expressarem sua raiva. Mas logo os planos de Tyler e os relacionamentos do narrador saem de seu controle, levando a um clímax explosivo (literalmente!)

Junto com a atitude despreocupada que ele propaga, 'Fight Club' também é uma marca registrada de alguma direção de craque da lenda contemporânea David Fincher. A paleta de cores sombrias, edição precisa e trabalho de câmera habilidoso inspirou uma horda de thrillers sombrios após o filme. Um filme divisor de águas dos anos 1990.

80. Before Sunset (2004)

Aqui está a verdade sobre a evolução humana que ninguém vai dizer a você: a humanidade logo vai perder a arte da conversação. Os avanços tecnológicos têm um grande efeito colateral: as pessoas estão cada vez menos interessadas em iniciar uma conversa real - porque têm tecnologia para se esconder. E é exatamente por isso que a série Before vai durar décadas. Uma série de filmes sobre duas pessoas em uma conversa real é uma raridade mesmo para esta geração. No futuro, esses filmes não serão feitos de forma alguma. É por isso que as gerações futuras olharão para trás, para a trilogia Before, com admiração e admiração. E não ficarei surpreso se a trilogia encontrar o seu lugar merecido não apenas na história do cinema, mas também na biblioteca de todas as escolas de cinema.

Entre os três filmes Before, ‘Before Sunset’ se destaca por ser o mais dolorosamente bonito. Um filme que é inerentemente sobre o desejo humano mais forte: o desejo de estar com alguém com quem você poderia passar o resto de sua vida. Se você olhar de perto, ‘Before Sunset’, em última análise, torna-se um espelho, ao olhar para ele, você pode julgar seus próprios relacionamentos: Onde você errou? Quem foi realmente 'o único' para você? Que oportunidades você perdeu? O que poderia ter sido? É um dos raros filmes raros em que sua própria experiência de vida enriquecerá e nutrirá sua experiência com o filme.

79. The Matrix (1999)

Uma ideia engenhosa e inteligente apresentada na tela pelos Wachowskis, resultando em um filme que fez muitos espectadores ficarem desconfiados da realidade em que se encontravam. É verdade, uma vez que 'Matrix' foi feito, não havia como voltar atrás, mudou coisas. O filme não apenas abriu novos caminhos em sua história, mas também revolucionou a forma como a ficção científica e os filmes de ação passaram a ser concebidos a partir de então. O sucesso de 'The Matrix' como filme também reside em como ele se envolve com maestria entre temas, incluindo filosofia, existencialismo e até religião, o tempo todo usando o disfarce de um filme de ação e ficção científica. A capacidade de Neo de manipular a realidade simulada para realizar feitos aparentemente impossíveis e o uso de 'tempo de bala', uma técnica de ação que agora é nada menos que icônica, adiciona à engenhosidade do filme. O gênero pode ser exagerado agora, mas quando foi lançado pela primeira vez, é seguro dizer que o público não tinha visto nada parecido.

78. O Sétimo Continente (1989)

Chamar de 'O Sétimo Continente' de Michael Haneke um filme de terror parece muito errado para mim, mas é assim que a maioria das pessoas que o viram o chamam. É difícil discutir com eles, porque assistir a este filme deixa a pessoa sem esperança, deprimida e assustada. Tratando-se de uma família que odeia o mundo e a vida em geral, este clássico de 1989 assume uma postura fria e distante para isolar ainda mais os três jogadores do resto da sociedade, o que lenta mas seguramente faz com que o público sinta profundamente por eles como seus a existência dá uma guinada sombria. Sendo um dos filmes mais perturbadores a enfeitar a tela de prata, a obra de estreia de Haneke provoca o espectador e nunca desiste. Se o público o chama de filme de terror, eles o fazem referindo-se a um filme de terror diferente de qualquer outro. Coberto de ambigüidade e realismo, O Sétimo Continente é uma releitura pessoal, íntima e aterrorizante de uma história verdadeira que o deixa em silêncio, porque por pelo menos alguns minutos após o término, você se torna incapaz de pronunciar uma única palavra.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ não é um thriller convencional; é lento e se concentra mais no humor e nos personagens do que no enredo. Há uma aura que David Fincher constrói tanto que você pode sentir o clima do filme em seus ossos. Não é um filme que te deixará feliz quando acabar. É também um filme em que o bandido vence, os bons perdem. E é por isso que é tão bom. Não apenas bom, mas uma obra-prima moderna. Quando um filme consegue te incomodar por duas horas e meia inteiras e te deixar pensando por dias, ele deve ter acertado muitas coisas que os thrillers rotineiramente feitos não fazem. Na minha opinião, ‘Zodíaco’ é o melhor filme de Fincher, onde ele, com sua disciplina e gama de habilidades, mostra por que às vezes 'menos é mais'.

76. Magnolia (1999)

‘Magnolia’ é, sem dúvida, o trabalho mais pessoal de Paul Thomas Anderson. A vibração histérica que Anderson infunde no filme traz uma certa fluidez emocional ao melodrama que é tão incrivelmente viciante e catártico em sua energia. O filme se passa inteiramente no Vale de San Fernando, com vários personagens inter-relacionados passando por diferentes fases de suas vidas, lutando para lidar com seus próprios demônios internos e conflitos emocionais. Anderson ama essas pessoas, ele as conhece e as entende, mas as apresenta como quem elas são; seres humanos totalmente nus, crus e puros, enfrentando e superando seus medos e fragilidades mais profundos. O que torna ‘Magnolia’ tão especial é que é um filme que fala muito sobre seu cineasta. Damos uma olhada na vida de Anderson, o lugar ao qual ele pertence e as pessoas em sua vida. Há muito de Anderson em todo o filme. Um filme como ‘Magnolia’, se tivesse sido dirigido por qualquer outro cineasta, teria parecido datado e pareceria muito um produto de seu tempo, mas com Anderson isso só aumenta o apelo do filme.

75. Rosemary’s Baby (1968)

‘Rosemary’s Baby’ é uma obra de arte obscura e distorcida que brinca com a inocência para criar uma sensação de horror. Tratando-se de uma mulher que passa por complicações durante a gravidez, o filme segue um caminho completamente novo com sua trama, permitindo que elementos ritualísticos desempenhem um papel importante. Há muito para amar neste filme, começando com os personagens bem escritos até o ambiente distante e taciturno que cerca cada incidente que ocorre. Há sempre uma sensação de tensão em toda a imagem, e isso se deve em parte à cinematografia silenciosa e prolongada executada com o estilo de direção rígido de Polanski. Mia Farrow tem o melhor desempenho de sua carreira aqui como Rosemary Woodhouse, uma mulher que fica mais fraca enquanto luta com as dores que vêm junto com o parto. No geral, a atmosfera capturada por este filme é comparada por poucos outros, e a maneira como ela penetra em sua pele é realmente outra coisa.

74. O bom, o mau e o feio (1966)

Personagens arrebatadores interpretados por atores lendários, ação desenfreada e brutal de atirar, música viciante e cinematografia intensa - a terceira parte da Trilogia 'Dólares', que se diz ser o nascimento dos faroestes espaguete, é um cinema indulgente, cativante e divertido no seu melhor. Blondie or No Name (The Good), um pistoleiro profissional e Tuco (The Ugly), um fora da lei procurado, formam uma aliança contra a vontade quando cada um deles descobre um detalhe importante sobre um esconderijo de ouro escondido por um confederado fugitivo. que Angel Eyes (The Bad), um assassino, é contratado para matar. A jornada do trio é o ponto crucial de um enredo fascinante que termina em um olhar fixo de estilo ocidental clássico. Clint Eastwood as Blondie é a imagem do machismo, Lee Van Cleef como Angel Eyes é a personificação do mal e Eli Wallach como Tuco adiciona uma complexidade de personagem de impulso e raiva aos atos mais simples e mais vistosos de Good Vs Evil das duas estrelas maiores. Mas as rédeas são o diretor para sempre nas mãos de Sergio Leone - ele usa planos gerais extensos e intensa cinematografia em close-up, conforme necessário para criar uma tensão no processo. Um filme que define o gênero Quentin Tarantino, um dos maiores expoentes do faroeste moderno, outrora chamado de “O filme mais bem dirigido do mundo”.

73. The Traveling Players (1975)

Por muito tempo, o épico íntimo e delicadamente montado de Theo Angelopoulos foi conhecido por poucos entusiastas do cinema e, talvez, apreciado por ainda menos. Sua construção majestosa e gradual de um monumento cinematográfico à nossa relação esotérica e enigmática com o tempo é compreensivelmente, não para todos. Mas para os curiosos entre nós, é conhecido por fornecer consolo, emprestar sabedoria e dar uma percepção que ajuda a encontrar constantes para se agarrar neste mundo universal e cruelmente dinâmico. Entre as muitas coisas que este filme acerta está sua compreensão primitiva das revelações do conto de ‘Orestes’. A mitologia associada à figura trágica é capturada com uma humildade entorpecente e, ainda assim, o filme consegue nos transportar através de sua visão flexível para uma visão melancólica e prolongada da Grécia de meados do século 20. Sua elegância temporal justifica ver a história ao ficar ao lado da trupe: de fora para dentro. Você tende a sentir a aspereza dela e refletir sobre sua criação. É uma rara lição de história antifascista porque nunca nos diz o que pensar. Só nos mostra o que sentir. Angelopoulos e o diretor de fotografia Giorgos Arvanitis nos colocam em locais de parar o coração e os eliminam com a violência devastadora do período. ‘The Traveling Players’ é uma joia humilde e rara que parece ter sido salva de ruas repletas de tumultos e sobreviveu à fome. Em termos mais simples, não merecemos.

72. Cache (2005)

Michael Haneke é freqüentemente acusado de sempre lidar com narrativas sombrias. Essa caracterização é completamente injusta porque o que ele essencialmente faz é fornecer percepções humanas sobre a escuridão que nos envolve a todos, como nossas percepções erradas levam a um isolamento agonizante e como nossos delírios reduzem nossas chances de superar esse isolamento. ‘Caché’ não é apenas um documento maciço e marcante que aponta para a maldade do Massacre do Rio Sena de 1961 e nossa desumanidade como sociedade, mas também um estudo de caráter poeticamente universal. Georges, nosso protagonista, percebe a vida e sua presença como um ser social em um sentido distorcido de alegria. Ele foge do conforto de confiar e se comunicar com os outros. Ele saboreia sua alienação, assim como afasta tantos que o amam tanto. Com isso, Haneke zomba da geração que deseja ficar sozinha. Sua câmera está às vezes incomumente distante, assim como muitos de nós estamos em relação ao que está ao nosso redor. Mas, sob seu controle, temos que enfrentar nossa indecência, nossa falta de consideração, nossa realidade. Uma das peças de cinema mais desafiadoras que você já viu.

71. Spirit of the Beehive (1973)

O mestre espanhol Victor Erice fez apenas três longas-metragens antes de se aposentar. Ainda vivo hoje, seus filmes como El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ e especialmente Spirit of the Beehive, sua estreia indefinível, fazem todos nós desejar que ele ainda estivesse fazendo filmes. Uma parábola de duas crianças, uma explorando sua existência com uma fascinação inocente, muitas vezes desconcertante, e a outra obcecada pelo filme 'Frankenstein', que foi exibido em seu teatro local. Seu retrato misterioso do coração espanhol é deixado em uma ambigüidade sedutora pela direção caracteristicamente neutra de Erice - raramente se aventurando no método cinematográfico em favor da observação silenciosa. O trabalho resultante é perplexo, envolvente e o deixará se perguntando sobre o enigma intrínseco da própria vida: suas perguntas irrespondíveis, seus grandes mistérios e sua indisponibilidade desconcertante. Para deixá-lo totalmente devastado ou incomparavelmente comovido, não há dúvida de que, para qualquer extremo, ‘Spirit of the Beehive’ será uma experiência importante.

70. Todos os homens do presidente (1976)

Watergate. Uma palavra que baixou as cortinas para a presidência de Richard Nixon e fez as pessoas perceberem que mesmo uma pessoa da estatura do presidente pode se rebaixar o mais baixo possível para fazer suas coisas. Enquanto os camaradas do presidente estavam ocupados limpando a bagunça que ele criou, dois repórteres sentiram o cheiro. Apesar das ameaças iminentes, eles trabalharam incansavelmente, perseguiram até mesmo a menor das pistas e, às vezes, trouxeram perigo para si mesmos no processo de levar os fatos às pessoas. Baseado no livro de mesmo nome, escrito pelos repórteres Bob Woodward e Carl Bernstein, ‘All the President’s Men’ é uma observação astuta do que o verdadeiro jornalismo deve ser. Dirigido por Alan J Pakula, este foi indicado a oito prêmios da academia, ganhando três e, aliás, perdendo o melhor filme para ‘Rocky’.

69. Army of Shadows (1969)

Acho que um excelente ponto de comparação a ser feito para os recém-chegados ao trabalho de Jean-Pierre Melville é o de Stanley Kubrick. Ambos praticam extrema precisão técnica e exalam confiança absoluta em cada rolo de trabalho que realizam ao longo de carreiras criativamente lucrativas. Dito isso, uma reclamação barata, mas desafiadora, que qualquer um pode apresentar ao diretor americano é sua 'falta de alma'. Um vazio de expressão humana. Esse não é o caso de Melville. Em 'Army of Shadows', os personagens de Melville queimam com uma faísca amarga alimentada pelo desespero que faz com que cada ação transborde com humanidade. No mundo mortal do movimento Wartime Resistance, um movimento em falso pode resultar em destruição total e é com a graça mencionada e o controle virtuoso sobre seu cinema que Melville semeia as sementes de um mundo totalmente crível e convincentemente morto. ‘Army of Shadows’ é uma das peças de trabalho mais silenciosas, intrigantes e monumentalmente emocionantes do cinema francês - e perder um clássico tão criminosamente esquecido seria prestar um péssimo serviço a si mesmo.

68. The Shining (1980)

Com sua adaptação do clássico de Stephen King, Stanley Kubrick criou em 1980 um filme que redefiniu o gênero de terror. Aqui, não é apenas a história ou os personagens que geram medo. O ambiente e a maneira como foi filmado ajudam maravilhosamente a permitir que uma tensão entorpecente penetre nas mentes do público. O filme segue Jack Torrence, um zelador recém-nomeado do The Overlook Hotel, e sua família enquanto passam um período de isolamento total no edifício misterioso. Por meio de performances impressionantes e excelente trabalho de câmera, Kubrick garante que o conteúdo do filme penetre profundamente em nosso subconsciente. A forma como ele manipula o som e a atmosfera é absolutamente incrível e cria para duas horas e meia inesquecíveis e arrepiantes. O mundo de ‘The Shining’ é lindamente escuro, agarrando-o com força pela gola durante todo o seu terceiro ato de tirar o fôlego.

67. Chinatown (1974)

Há filme noir e neo-noir e bem entre os dois, está Jake Gittes, vestido com capricho com um chapéu de feltro impecável para elogiar o sorriso em seu rosto. Apesar de ser um grande admirador de Polanki, sempre há algo que não corresponde ao produto final de seus filmes. Exceto Chinatown. Esta obra-prima seminal não apenas criou uma identidade para si mesma, mas sempre foi vista pelos cineastas que emprestaram seu estilo para criar uma identidade para seu filme. Polanski é um mágico no trabalho, enganando-nos com pistas distintas, bem como ritmo e configuração noir clássicos. Mas então vem o último ato de Chinatown, que rapidamente quebra todas as convenções que foram originalmente associadas a filmes de mistério semelhantes, que você fica com uma sensação esmagadora de choque e desespero. Seu fracasso em vencer o Padrinho II ainda me intriga, mas depois de meio século, as pessoas esqueceram a Sicília, mas nunca Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Confissão número um: quase nunca vi a obra-prima esparramada e prodigiosa de Béla Tarr. Seria de se supor seu status de favorito cinéfilo de todos os tempos e a excelente reputação que acumulou entre os círculos da arte americana e entre alguns dos críticos de cinema mais informados em todo o mundo me deixariam intrigado. Mas a imensidão de sua duração (cerca de 432 minutos) e o ritmo de lóris que tanto apreciei em ‘Werckmeister Harmonies’ de Tarr pareciam assustadores. Confissão número dois: eu vi ‘Sátántangó’, pela primeira vez, de uma só vez. Fiquei hipnotizado por seu senso pragmático do mundo real e seu senso de cinema paciente e prudente. Observou mais do que refletiu e contemplou mais do que proferiu declarações bem formuladas. Seu realismo mítico e sombrio era bom demais para ser verdade e brutal demais para ter sido realizado com tal olho para a beleza.

No final, tudo que eu queria fazer era fechar todas as janelas e me envolver na escuridão, porque o filme para mim tinha sido como aquele louco da igreja e seu lamento fazia muito sentido. Confissão número três: estou exultante em relatar que as sagazes reflexões sociais e políticas de ‘Sátántangó’ começaram a se tornar claras para mim à medida que voltei a ela repetidamente. Um verão passado devorando o romance de László Krasznahorkai, que atua como matéria-prima para o filme, foi especialmente memorável. Tudo o que posso fazer agora é esperar continuar colhendo os dividendos desse feliz acidente.

65. O Exorcista (1973)

‘O Exorcista’ de William Friedkin é perfeitamente dirigido. O homem é famoso por uma carreira errática que vê os clássicos caírem com shlock (e muitas vezes os dois grupos se cruzando para algumas explorações fascinantes da vergonha cinematográfica). Com seu melhor filme, Friedkin decidiu filmar um drama que por acaso era sobre possessão demoníaca: costurando pathos para seus personagens complexos e traduzindo visceralmente o texto do autor original William Peter Blatty preso entre a crença e a dúvida paralisante. O resultado final de dois artistas maravilhosos trabalhando no auge de seu jogo para entregar um clássico cintilante do cinema americano: um que eclipsa quase todos os filmes de seu gênero (exceto, talvez, o horripilante 'Wake in Fright' ou o inesperado tour-de de Tobe Hooper -força O massacre da Serra Elétrica do Texas ) Simplesmente deslumbrante.

64. Suspiria (1977)

“Pois em nossos sonhos, entramos em um mundo que é inteiramente nosso” - J.K.Rowling. E se uma das mentes mais distorcidas do cinema decidisse borrifar seu subconsciente em um pedaço de filme. Suspiria de Dario Argento é considerada um desafio à lógica cinematográfica com sua história estranhamente estruturada. Mas acredito que é uma obra-prima neo-expressionista que captura a verdadeira essência do cinema, que é nos fazer sentir verdadeiramente, verdadeiramente vivos. Argento entende o valor do espaço e, portanto, mostra um maior enfoque na cinematografia e na cenografia, que são os habitantes dominantes de seu filme. ‘Suspiria’ não representa apenas o estilo de Argento, mas todo o terror italiano, um gênero estimulado pela estética da arte.

63. A Man Escaped (1956)

Impecavelmente preciso e inspiradoramente econômico, o alvo raro de Robert Bresson foi atingido com 'A Man Escaped' de 1956. O ápice dos poderes mercuriais do homem como cineasta, segue as tentativas do agente da resistência francês Fontaine de escapar de uma prisão nazista cada vez mais perigosa e encontra significado em cada quadro. Do retrato incrivelmente humano do protagonista pelo não ator François Letterrier, cujas bochechas encovadas e olhos arregalados expressaram de forma tão convincente o peso esmagador de viver em tempos de guerra, ao minimalismo de Bresson conseguindo cultivar uma intimidade abrasadora entre o público e o homem desesperado do dito : De pontos de vista freqüentes e composições elegantes que não abusavam das técnicas, o trabalho de Bresson às vezes se afogou. Eu não cortaria um único quadro - e, portanto, o filme serve como um modo absolutamente vital de educação para cineastas iniciantes: Para pinte algo tão vívido e denso sem nunca parecer arrogante.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

Em tempos como estes, não há melhor filme do que 'To Kill A Mockingbird' para explicar aos neo-nazistas sobre o verdadeiro significado de casta, credo e raça. Situado na linha do tempo de uma América racialmente dividida, um homem afro-americano é acusado de violar a modéstia de uma mulher branca. No auge das injustiças raciais, quando um tribunal cheio de brancos clama por seu sangue, cabe a um homem lutar por seu caso. Um homem branco, chamado Atticus Finch. Ele lutou bravamente para apresentar o fato de que todos os homens são criados iguais no tribunal, sejam de cor ou não. Seus esforços vão em vão, já que o tribunal declara o homem culpado. Mas o que fica para trás com o espectador é a lição que Atticus Finch inculca em seus filhos. Ou seja, ‘você nunca realmente entende uma pessoa até que considere as coisas do ponto de vista dela’. Baseado no best-seller de Harper Lee de mesmo nome, ‘To Kill A Mockingbird’ é um dos melhores filmes de todos os tempos.

61. Janela Traseira (1957)

O que distingue um filme de suspense de obra-prima do esgoto comum que se acumula regularmente sobre nós é que, neste último, as reviravoltas chegam em um flash, repousando mais em nosso choque do que na veracidade da reviravolta para causar impacto. Mas em filmes como ‘Janela Indiscreta’, coisas mínimas são evidentes desde a época em que o fotógrafo profissional em cadeiras de rodas L.B. 'Jeff' Jeffries olha pela janela traseira se acumulando gota a gota até inundar, fazendo o inofensivo Jeff suspeitar que um homem que vivia do outro lado do pátio cometeu um assassinato. Hitchcock usa sua câmera com maestria como as ferramentas de um ilusionista para manter seus espectadores tensos, enganados e adivinhando até a revelação de cair o queixo. Por meio da perseguição obsessiva de Jeff de seu assunto de interesse, Hitchcock comenta sobre as falácias do voyeurismo, como pode ser atraente e a escuridão do estilo de vida urbano solitário que leva a ele. Ainda mais incrível, é tanto um comentário sobre o voyeurismo do espectador quanto o de Jeff; pois somos cativados pela cativação de Jeff. Assistir quando não está sendo observado é uma alegria perversa; Hitchcock sabe disso, admira isso e nos atrai com ele.

60. 4 meses, 3 semanas e 2 dias (2007)

Alguns filmes emocionam você; alguns fazem você rir; alguns partem seu coração. ‘4 meses, 3 semanas e 2 dias’ pertencem a uma categoria especial de filmes: aqueles que o deixam ansioso e nervoso. Como você deve ter adivinhado, esses filmes são provavelmente os mais raros de uma raça rara. O filme segue dois amigos que tentam fazer um aborto no brutal regime comunista de Ceausescu, na Romênia. Visceral e intransigente, o filme agarra você pela nuca e nunca o deixa ir. Assistir a este filme é como experimentar a sensação dolorosa que você tem quando está nervosamente esperando que um de seus entes queridos saia de uma sala de operação após uma cirurgia. Não é apenas o melhor cinema realista; é também um dos filmes de mudança de vida que você verá.

59. Ano passado em Marienbad (1961)

Filme de Alan Resnais de 1961 ‘Last Year At Marienbad’ é o mais perto que chegamos de visualizar um sonho, e isso é feito da maneira mais estranha possível. A música que ocupa a maior parte do tempo de execução funciona como um sedativo que coloca o público em estado de sonolência. Apesar disso, é praticamente impossível manter nossos olhos fora da tela, porque há muito acontecendo ao longo da imagem, embora apenas pouco seja mostrado. Gosto de pensar em ‘Último ano em Marienbad’ como um filme imaginado do subconsciente, devido ao seu caráter repetitivo e confuso. Os personagens também estão confusos sobre o mundo bizarro em que foram colocados. É uma peça madura e sofisticada, e acho que a trama central - envolvendo um homem e sua relação com uma mulher estranha que ele se lembra nitidamente de ter conhecido no ano anterior, embora ela não se lembre do mesmo sobre ele - muito envolvente, original, apaixonado, romântico, onírico e, claro, brilhante.

58. Morangos Silvestres (1957)

Já esteve em uma viagem em que não havia nada melhor do que olhar pela janela? Por um certo tempo, você olha para a vista de fora, antes que seus pensamentos entrem correndo e o que está de fora agora seja apenas um modelo - não prende mais sua atenção. O mesmo acontece com Isak Borg, o protagonista da obra clássica de humor de Bergman que encontrou seu lugar em inúmeras listas de melhores filmes de todos os tempos, incluindo uma compilada por Stanley Kubrick em 1963. Ele está viajando com sua nora para receber o diploma de “Doctor Jubilaris” de sua alma mater. Ela não gosta dele e está planejando deixar seu filho. Mas nosso professor, interpretado pelo brilhante Victor Sjöström, não está muito interessado no futuro. O seu pensamento e, por consequência, o filme, catapultado pelas tantas pessoas com que se depara ao longo do seu percurso, apenas iluminam o seu passado. Visto através das lentes indulgentes e garantidas de Bergman, suas memórias são simples, familiares e humanas. Eles não glorificam sua vida ou rejeitam suas realizações. Eles são bagunçados, como a maioria dos nossos, e deliberadamente distorcidos. Quando ele finalmente chega ao local para receber a homenagem, percebemos que ele nunca precisou de uma recompensa. Já conseguiu naqueles morangos que colecionou com a namorada de infância, o comerciante que se lembrava dele, a relação conturbada com a esposa, o bom e o mau, o redentor e o imperdoável. Assim como nós, na forma deste filme misterioso e inexplicavelmente comovente.

57. As regras do jogo (1939)

A engenhosa e mordaz comédia de maneiras de Jean Renoir consegue se manter surpreendentemente bem depois de todos esses anos, enquanto permanece lúdica e assustadora como sempre. Foi evitado na época de seu lançamento pela crítica e pelo público, resultando em Renoir cortando uma parte significativa do filme após a estréia desastrosa - uma parte que apresentava principalmente o personagem Octave, interpretado pelo próprio Renoir. Pouco surpreendente é seu crescimento em estatura desde então. O filme, em seu malabarismo astuto e autoritário de personagens, temas, tons e cenários, é sempre delirantemente divertido, mas nunca menos diligente ou menos suntuosamente elaborado do que o melhor do cinema mundial da época. Seus visuais escrupulosamente forjados pulsam com sofisticação, mas o esforço nunca é visto e o filme deixa você boquiaberto e maravilhado com o quão profundamente enredado você estava em sua atmosfera habilmente construída. O cineasta Jean Bachelet e Renoir brincam com a câmera de uma maneira que confere um ar leve ao filme, mas seu controle implacável é o que o torna um empreendimento constantemente intrigante. Se tudo isso não bastasse, você deve saber que Alain Resnais disse uma vez que o filme foi a experiência mais avassaladora que já teve no cinema. Seria difícil encontrar uma recomendação mais brilhante.

56. O Terceiro Homem (1949)

Film-noir é um gênero associado a filmes que exibem becos escuros luxuosos, personagens secretos e sedutores, uma sensação de mistério e um preto e branco cremoso para cobrir tudo. Embora muitas dessas fotos sejam intrigantes e proporcionem bons momentos, poucas tentam algo inovador e diferente. O Terceiro Homem é um dos maiores filmes noir já feitos, porque conta sua estonteante história excepcionalmente bem, fazendo uso de impressionantes inclinações holandesas, luz marcante e bela música. O filme tem a ver com um homem e sua investigação sobre o assassinato de seu amigo financeiramente próspero. O enredo de O terceiro homem é repleto de romance, humor negro, reviravoltas e suspense. Em seu cerne, o filme pode ser chamado de uma doce história de amor, mas com tudo o mais incluído, essa paixão é deixada em dúvida. Jogando com um roteiro escrito com maestria, a magnum opus de Carol Reed é aquela que o mantém na ponta do seu assento desde seu humilde e alegre primeiro ato até um final que pode muito bem ser o final mais inteligente para qualquer filme que você ' Eu sempre verei.

55. Cries and Whispers (1972)

O trágico drama familiar de Ingmar Bergman trata de uma tristeza que é tanto imaculadamente desesperada quanto febrilmente urgente. Não é construído pacientemente cena por cena e entregue em uma bandeja no final. Você é levado a inalar desde a abertura do filme, que apresenta os atores principais e sua dor dura e inflamável com belos closes que tornam seu desconforto sufocante vividamente evidente. Tudo isso é coberto por uma implacável pletora de vermelho, na forma do carmesim com que as paredes da casa em que a história se passa são pintadas. Bergman nos torna conscientes do fedor da morte que envolve as mulheres com uma direção tão imponente que uma morte real não é motivo para alarme. O desejo inerentemente violento das mulheres fez de tudo no filme uma memória assombrosa e encharcada de sangue em minha mente. Os visuais consistentemente fascinantes de Sven Nykvist são temperados pela escrita sutil de Bergman e pelas performances magistrais dos atores. A luminosa Liv Ullman parece mistificar e encantar todas as vezes que a câmera está voltada para ela, enquanto as incrédulas Ingrid Thulin e Harriet Andersson são tão imaculadas em seu trabalho que parece invasivo entrar em contato com seus sentimentos. Bergman não nos dá ideias claras para levar para casa, mas nos nega todas as outras sensações além daquelas que seus personagens experimentam. Nós nos perguntamos até onde vai seu acesso às nossas emoções e ele o estende a cada passo. Em última análise, 'Gritos e sussurros' não é para ser acreditado, é para ser vivido.

54. Era uma vez no oeste (1968)

Talvez seja a trilha sonora de Morricone ou talvez a visão de Delli Colli que é tão vasta quanto o Ocidente ou talvez a coragem inflexível agitada nos olhos de Bronson e Fonda e talvez seja a culminação de todos esses aspectos em quase todos os quadros pelo maestro, Sergio Leone . Se você precisa de um faroeste que tenha a beleza de John Ford e a crueldade implacável de Sam Peckinpah, simplesmente não há ninguém próximo a Leone. Em sua magnum opus, ele realiza o que o levou 3 filmes anteriormente, para criar um mundo místico no meio do nada. Embora possa não haver nada espiritual na superfície, o filme tem deuses. Deuses ostentando coroas cheias de 10 galões de pólvora e areia que eles engolem com água. Além disso, o elenco de Henry Fonda como um antagonista foi provavelmente a decisão daquela década, já que seus olhos azuis gelados eram diferentes de tudo que o Ocidente já havia testemunhado.

53. Annie Hall (1977)

Ninguém pode alegar que entende o enigma confuso e devastador que é o amor como Woody Allen. E nenhum filme de Woody Allen chega perto de exibi-lo em sua glória genuína e peculiar do que esta história de Alvy Singer, um comediante niilista neurótico de Nova York que se apaixona 'mais do que amor' pela estúpida, avoada e alegre Annie Hall, e então cai fora dele. O filme também explora as diferenças de gênero na sexualidade por meio do relacionamento entre Alvy e Annie ‘Yin e Yang’. No final, até Alvy aceita o amor como sendo “irracional e louco e absurdo”, mas necessário na vida. O uso de várias técnicas narrativas inovadoras, como o rompimento improvisado da quarta parede, a rápida alternância do passado e do presente por meio de cortes suaves, exibindo nas legendas como Alvy ou Annie se sentem enquanto falam algo totalmente diferente e o acréscimo de um ' história dentro de uma história 'como o clímax, eleve a história já envolvente. ‘Annie Hall’ é provavelmente o primeiro romance verdadeiramente modernista em celulóide e inspirou uma geração de comédias românticas em seu lugar. Porém, nenhum é tão charmoso quanto aquele que procuram imitar.

52. M (1931)

O início da tecnologia de gravação de voz, um fenômeno para o qual o cabeçalho se destacava como ‘The Jazz Singer’ de 1927, levou a uma saturação absurda de diálogos nos filmes. A tecnologia foi considerada uma atualização direta, ao invés de uma ferramenta a ser usada em conjunto com a linguagem cinematográfica estabelecida. Fritz Lang, um homem que começou sua carreira no cinema mudo com uma série de obras magistrais, incluindo Destiny, Dr. Mabuse, o Jogador, Die Nibelugen e a excepcional Metropolis. Sua migração para o som atingiu seu pico em 'M' de 1931 - um filme que, ao contrário de todas as fontes circundantes, eliminou quase todo o ruído ambiente. O resultado é um talkie silencioso com uma atmosfera esmagadoramente sem vida: uma que sustenta de forma tão eficaz sua narrativa. A história em questão atinge o assassino de uma criança e a incompetência do governo alemão em capturá-lo - formando seu próprio tribunal canguru para punir o assassino. O que Lang comunica aqui é de uma maturidade inacreditável na mensagem: A justiça que merece ser servida totalmente minada pelo contexto político da época - com a política de eutanásia registrada do Partido Nacional Socialista e ideais cada vez mais violentos se manifestando como um tumor maligno nas acusações do povo . O desempenho de Peter Lorre, rico em pathos e humanismo torturado, ajuda a martelar o profundo engano de ‘M’ - aquele que permanece incomensuravelmente comovente até hoje.

51. 12 Angry Men (1957)

A resposta se o menino era culpado ou não, nunca saberemos. Mas uma coisa que 12 Angry Men afirma é que a lógica sempre prevalecerá sobre a intuição, se houver um homem são no meio de um mundo de tolos. E a tolice é uma doença ou apenas um subproduto da ignorância? O drama de Sidney Lumet não pede que você use seu cérebro sobre o coração, mas se esforça para chegar a um ponto onde você possa tomar uma decisão, com os dois trabalhando em conjunto. Junto com seu roteiro fascinante, que se encontra orgulhosamente no currículo de todas as escolas de cinema ao redor do mundo, o trabalho de câmera e a encenação são saídos de um clássico japonês da New Wave. Com uma atuação inesquecível do elenco, 12 Angry Men é um monumento do cinema americano.

50. Luzes da cidade (1931)

Poucos cineastas antigos têm o reconhecimento e a popularidade na cultura de hoje que Chaplin desfruta. Isso pode ocorrer por vários motivos. Seus filmes falam com o homem comum e são hilários de destruir o estômago, mas mais do que isso, suas histórias olham para situações melancólicas sob uma luz humorística. Esse é o caso do que é provavelmente sua imagem mais pessoal, ‘Luzes da cidade’, que conta a história de um vagabundo e seus esforços para impressionar e ajudar uma pobre florista cega. Ele faz isso disfarçadamente, fingindo ser um homem rico para chamar a atenção dela, mas tem problemas ao fazer isso. Quando um filme continua a ser tão engraçado e comovente nos dias de hoje como era há mais de 75 anos, isso geralmente significa que há algo que está indo bem. 'City Lights' deixou sua marca no mundo com sua representação da pobreza e da vida durante os anos difíceis da Depressão, que é tão bem executada e sentida que nunca falha em comover o público, ao mesmo tempo dando-lhes esperança de um amanhã melhor.

49. Come & See (1985)

A última metade de uma equipe de cineastas incrivelmente habilidosa, o diretor Elem Kilmov era casado com Larisa Shepitko - a virtuose luminosa por trás de ‘Wings’ e ‘The Ascent’. Quando ela morreu tão tristemente em um acidente de carro, Kilmov terminou o trabalho em seu excepcional projeto inacabado 'Farewell' (que poderia facilmente ter tomado este lugar) - e eu acho que o que torna todo esse contexto tão poderoso é a maneira como a dor do homem se transforma em cada estrutura de seu trabalho. O cinema de Kilmov fervilha de raiva e desespero não expressos: Hulking em seu próprio peso avassalador de emoção - e poucos filmes já feitos pulsaram com um sentimento tão poderoso quanto Venha ver . Indiscutivelmente, o melhor filme de guerra já feito, sua representação infernal da invasão da Wehrmacht da Bielo-Rússia ecoa com explosões ensurdecedoras, visuais de pesadelo e um mundo sendo lentamente esvaziado de vida - suas cenas filmadas em uma luz deslumbrante e oca. Ainda assim, em toda essa angústia, Kilmov encontra seu caminho para a compreensão em sua conclusão transcendentalmente madura. Talvez, em seu compromisso de contemplar a transitoriedade da vida, ele finalmente esteja encontrando forças para enterrar os ossos de sua falecida esposa. Só podemos esperar.

48. O Sétimo Selo (1957)

Desde as primeiras imagens do documento icônico de Bergman sobre fé, medo e contentamento, há um feitiço lançado em você. O olhar severo e granulado para o mar, a costa e sobre ele um cavaleiro corajoso e seu encontro fatídico com a personificação da morte define a clareza de objetivo do filme, mesmo que deixe espaço para uma ambigüidade sedutora, quase assustadora, estar presente constantemente. Beneficiando-se de uma atuação magnética do incomparável Max von Sydow e de um grupo de atores que elevam o surpreendente material de Bergman, baseado em sua peça, “Wood Painting”, a níveis inesperados, 'O Sétimo Selo' em seus parcos 90 minutos tem a influência de uma velha fábula passada de geração em geração que impulsiona a imaginação muito mais expansiva do que ela própria pode esperar conter. O brilhante e nítido preto e branco de Gunnar Fischer garante que a intensidade angustiante se arraste sob nossa pele. A fluidez de fluxo é o resultado de uma narrativa desenrolada com confiança sublime e um equilíbrio tangível. Pode ser uma história totalmente simples, que, no entanto, guarda ideias valiosas em seu seio, mas é costurada com um tecido tão intrincado e ousado que você não pode deixar de olhar para ela repetidamente para que se traduza em uma memória duradoura.

47. La Dolce Vita (1960)

O virtuose de Fellini com cautela, paciência e poesia suavizado está em plena exibição em seu palme d'Or vencedor, que em seu glamour cheio de alma e sombrio captura uma forma de vida que parece muito evasiva e, em alguns aspectos, muito real. Seu ritmo sublinha a sensação de falta de objetivo do protagonista e nos obriga a nos banharmos no arranjo sinfônico da vibração da vida e como tudo é fugaz. Este protagonista é interpretado por Marcello Mastroianni, o melhor da carreira, que usa esse dom do tempo para encher seus olhos de um cansaço irresistível do mundo. Questionar o significado de certas seções de 'La Dolce Vita' que podem parecer desprovidas de importância filosófica ou relevância narrativa é rejeitar a possibilidade de deixar os detalhes picantes passarem por você e então contemplar as consequências. Conforme a partitura celestial de Nino Rota nos leva para o mundo vertiginoso de Roma, visto pelo olho ilusório de Fellini, você vê apenas o que ele quer que você veja e rapidamente se torna o que você quer ver também.

46. ​​Psicose (1960)

Os seres humanos, na melhor das hipóteses, podem ser descritos como peculiares. A mente humana, que é capaz de muitas coisas surpreendentes, também é capaz de degenerar para além da compreensão. 'Psicose' de Alfred Hitchcock não precisa de apresentações, pois mantém a cabeça erguida, no meio de cinemas atemporais. Além de ser um clássico, é também um comentário triste sobre a falha moral dos seres humanos. E não é Norman Bates, veja bem! O controle cáustico da Sra. Bates que deixou a vida de Norman em marasmo durante sua infância e, eventualmente, a idade adulta é um lembrete de como o amor pode ser sufocante. Notoriamente, o Sr. Hitchcock adotou políticas estranhas para 'Psicose', que incluíam não permitir entradas tardias no filme. Foi adotado para garantir total justiça à cena clímax pulsante do filme. Um thriller em sua forma mais verdadeira, 'Psycho' é a história de um filho, sua mãe e seu vínculo doentio de possessividade. Hitchcock estava tão ferozmente guardado sobre o final, que ele promoveu o filme com este slogan - “Não dê o final - é o único que temos!”

45. Solaris (1972)

O ‘Solaris’ de Tarkovsky é bastante parecido com os fenômenos retratados no filme. De me confundir com seu conceito profundamente enraizado, a evoluir para uma entidade da qual não posso me separar, é uma experiência que me faz pensar sobre a natureza inconsciente de cada molécula que constitui o universo. Podemos estar cientes das dimensões científicas, mas pode algum instrumento calcular a quantidade de amor ou tristeza que alguém guarda em um nanograma do coração? Alguma coisa pode encontrar a célula do cérebro onde reside uma memória inesquecível? Desde a música fascinante de Bach na sequência de abertura até a cena perene da estrada, o uso do tempo de Tarkovsky para separar o espectador do funcionamento de um mundo normal é magistral. Solaris é um reino onde as emoções o enviam para um giro de insanidade, mas que não se emocionaria quando a insanidade é bonita de se tocar e visceral o suficiente para absolvê-lo de si mesmo.

44. Lista de Schindler (1993)

Um filme importante que se beneficia muito do talento de Spielberg para o dramático, é uma experiência igualmente perturbadora e sensível em si mesma. O filme é, como muitos outros nesta lista, uma masterclass em algo que gosto de chamar de narrativa simplista e impactante. A narrativa segue Oskar Schindler, um empresário alemão que salvou a vida de mais de mil judeus, empregando-os em suas fábricas durante o Holocausto. Todos os três protagonistas, Liam Neeson como Oskar Schindler, Ralph Fiennes como Amon Goth e Ben Kingsley como Itzhak Stern estão em excelente forma, apresentando as mais sinceras performances. Uma cena em particular no final do filme, onde Schindler se desmancha considerando quantas vidas mais ele poderia ter salvo, é profundamente comovente e permanece gravada em minha mente como uma das mais poderosas cenas de renderização do coração do Cinema. O fato de o filme ter sido rodado em preto e branco, com uso raro e ocasional de cores para simbolizar ou destacar um elemento importante, potencializa a experiência. Facilmente, o melhor filme de Spielberg, continua sendo uma experiência essencial de visualização de filmes.

43. Lawrence da Arábia (1962)

O cinema como meio está cada vez mais grandioso. Com tecnologia de ponta à sua disposição, os cineastas de hoje nos oferecem algumas experiências cinematográficas viscerais. Mas existem alguns filmes feitos antes do CGI estar na moda, cuja escala absoluta e monumental não encontrou um igual. O drama histórico épico de David Lean baseado na vida de T. E. Lawrence , uma das figuras mais renomadas da Grã-Bretanha, é um desses filmes. É estrelado por Pater O’Toole como Lawrence e narra suas aventuras na Península Arábica durante a Primeira Guerra Mundial. Desde o início, David Lean pinta um filme resplandecente do deserto infinito em toda sua glória, auxiliado pelo cineasta Freddie Young e uma trilha sonora emocionante de Maurice Jarre. Mas de forma alguma sacrifica a emoção pela extravagância. Em seu cerne, 'Lawrence da Arábia' é um estudo de caráter impressionante de Lawrence - suas lutas emocionais com a violência pessoal inerente à guerra, sua própria identidade e sua lealdade dividida entre sua Grã-Bretanha nativa e seu exército e seus camaradas recém-encontrados dentro as tribos árabes do deserto. Essa qualidade saudável faz de 'Lawrence Of Arabia' um dos filmes mais influentes que já existiram.

42. The Searchers (1956)

Provavelmente o maior faroeste de todos os tempos, o melhor filme da grande carreira de John Ford, ‘The Searchers’ é um clássico americano, um dos melhores filmes que surgiram dos anos cinquenta. Embora admirado e respeitado na época, seu poder dilacerante e surpreendente não foi reconhecido por alguns anos, mas no início dos anos 70 foi aclamado como um clássico do gênero e talvez o melhor western já feito. Certamente o tempo corroeu parte do poder do filme, mas não aquele desempenho impressionante e violento de Wayne, nem o racismo dentro do filme que alimenta a raiva e a fúria. A narrativa motriz do filme, Ethan e sua busca é atemporal, tão poderosa hoje quanto era naquela época, talvez ainda mais porque muitos dos pontos sutis da história agora estão claros.

41. Pather Panchali (1955)

O filme que trouxe o cinema indiano para o mundo e deu ao cinema um dos melhores autores, Satyajit Ray. Baseado no romance de Bibhutibhusan Bandopadhay, ‘Pather Panchali’ conta a história de uma família empobrecida, tentando sobreviver através de muitas adversidades da vida. Pode-se argumentar que romantiza a pobreza, pois o espectador testemunha as muitas provações que a família enfrenta, ganhando seu sustento. Apesar disso, são os momentos, intercalados com a música do maestro Ravi Shankar, que ficam com o espectador. A relação afetuosa de Appu com a irmã Durga, a sequência do trem que é um dos destaques do filme leva o filme a um patamar totalmente diferente. ‘Pather Panchali’ ao longo dos anos se tornou um dos filmes de culto e aparece regularmente nas listas dos melhores filmes de todos os tempos, e merecidamente.

40. Casablanca (1942)

O filme clássico americano por excelência. Talvez haja algo tão contagiante em seu charme que você ainda se apaixona por ele, mesmo depois de tantos anos. Além de seu imenso fator de refexibilidade, sua pontuação memorável (As Time Goes By!) E o diálogo supremamente citável constituem um caso forte. Simplificando, é um prazer quando todos os elementos de uma grande experiência cinematográfica estão presentes nas quantidades certas!

O enredo é simples para dizer o mínimo, quase quase banal às vezes. Um homem cínico e de coração partido que dirige a boate mais famosa de Casablanca se vê em uma encruzilhada quando a senhora que ele amava aparece com seu marido. Os dispositivos do enredo aqui são as famosas cartas de trânsito, mas a história é diretamente sobre os dois amantes ambientados nos primeiros estágios da Segunda Guerra Mundial e a difícil decisão enfrentada pelo personagem de Bogart, de se segurar ou deixar ir. No entanto, como acontece com muitos filmes desse gênero, a execução faz o truque, transformando 'Casablanca' em um dos dramas românticos mais convincentes de todos os tempos, que também é incrivelmente bem representado; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman são de primeira linha e são habilmente apoiados por jogadores como Paul Henreid, Claude Rains e Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Ao olhar para o cinema como uma forma de arte, não há como negar a perfeição de Barry Lyndon, desde a bela cinematografia, cenários hipnotizantes, música excelente e direção poderosa. Como uma história, ele fala sobre a vida de um jovem na Europa do século 18 enquanto ele sobe os degraus em direção à aristocracia, apenas para ser levado de volta por sua má sorte. A imagem tem em si algumas das melhores cenas já filmadas, fazendo uso de luz, cores, características físicas de cair o queixo, etc. Não há melhor maneira de resumir a vida de uma pessoa do que olhá-la objetivamente, e é isso que este filme foi feito usando um narrador não confiável. É frio e distante, raramente dando ao público a chance de sentir pelo protagonista. Desta perspectiva, Barry Lyndon é um estudo de personagem luxuoso, com personagens ricos, um toque realista e uma forma poética de comunicar emoções. É simplesmente o melhor do cinema.

38. O Geral

Um dos títulos mais antigos da lista, 'O General' serve como um lembrete de que muitas obras-primas de ação moderna estão sentadas em uma sombra muito longa lançada por ninguém menos que o gênio da comédia muda Buster Keaton. Ostentando uma obra tão impressionante quanto até mesmo Charlie Chaplin, o vagabundo adorável deste último artista troca de lugar com uma cavalgada de personagens deliciosamente patetas no caso de Keaton; tudo cercado por uma curiosa inquisição cinematográfica que estendeu os limites do meio em filmes como Sherlock Jr. e The Cameraman. Tudo isso sem nem mesmo mencionar sua magnum opus, The General: Seguindo um engenheiro confederado correndo para alertar seu lado sobre o avanço das tropas da União durante a Guerra Civil Americana. Sua narrativa forma um modelo para o recente 'Mad Max: Fury Road' de George Miller e praticamente todos os filmes de gato e rato já feitos, perdurando com sua comédia hilária, efeitos especiais impressionantes e manobras de bravata que mostram Keaton colocar sua vida em perigo ainda mais de uma vez para a adulação de seu público amoroso. O General continua sendo um dos, se não o, melhor filme de ação já feito - um que se diverte com cada grama de seu ser e consegue convocar tantos momentos soberbamente controlados de escala épica para rivalizar com qualquer travessura carregada de CG feito hoje.

37. Blow Up (1966)

A Hora ? Os oscilantes anos sessenta. O lugar? Londres. A cidade que deslumbra e arrasta. Vibrante e glamoroso. Sexo, drogas e rock n roll. Em suma, um dia na vida de Thomas, um fotógrafo de moda que vive uma vida de, digamos, moralidade duvidosa. Num dia repleto de acontecimentos, ao examinar as fotografias de um casal que capturou de forma bastante sub-reptícia num parque, descobre nele um cadáver. Ele vai ao mesmo lugar e encontra o corpo do homem do casal. Com medo, ele volta ao seu estúdio para encontrá-lo saqueado, mas com uma foto restante, a do cadáver. No dia seguinte, o corpo desaparece. Quem o matou? E por que o corpo desapareceu? Por que Thomas sentiu que está sendo seguido? ‘Blow Up’ é o ato de classe do diretor Michelangelo Antonioni que inspirou muitos cineastas ao longo dos anos, incluindo Brian De Palma e Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

A vertiginosa e surreal epifania de amor e desgosto nunca foi explorada da maneira e com o grau de sucesso com que 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind' faz. Exuberante com belas imagens e trilha sonora criativa semelhante à trilha sonora da era silenciosa, é impossível explicar tudo sobre 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Sem dúvida, o filme tem uma narrativa difícil de seguir - embora, na verdade, seja simples quando você começa a segui-lo - é um daqueles filmes que são ricamente recompensadores simplesmente porque você não consegue parar de desmaiar com o conceito altamente pensativo e profundamente comovente filme que é. Mas a verdadeira estrela do show é seu escritor, Charlie Kaufman , que na forma de 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', pode muito bem ter escrito o roteiro mais profundamente brilhante de todos os tempos na história do cinema. Um filme que não é apenas único em sua própria maneira, mas também infinitamente assistível com algo novo a ser encontrado em cada exibição.

35. Motorista de táxi (1976)

Em 'Taxi Driver', Martin Scorsese nos mostra um dos protagonistas mais perturbados, improváveis, mas excêntricos de nossos tempos em Travis Bickle. O filme o acompanha na medida em que ele se torna um taxista para lidar com sua insônia e o vê sendo lentamente vencido por toda a loucura da cidade ao seu redor. A verdadeira maneira pela qual Taxi Driver vence como filme é como ele consegue se aproximar de você, vagarosamente abrindo caminho através da sujeira e do horror que parece afrontar Travis Bickle. Nisso, ele merece sua distinção como um thriller psicológico mais do que um drama, muitas vezes trabalhando em mais níveis do que simplesmente os dois. O filme pode ser uma visão perturbadora para alguns, devido ao seu tema sombrio, um tratamento ainda mais sombrio e um punhado de violência, mas para os espectadores dispostos a olhar para o passado, é nada menos que uma tentativa brilhante de compreender a parte do psique humana que na maioria das vezes se origina na forma de vigilantismo. Quero dizer, quem não pensa em se levantar e retribuir o erro de nossos tempos? É aquela fantasia de realização de desejo profundamente arraigada que o 'taxista' brinca de maneira altamente eficaz. O filme é agora amplamente considerado um dos filmes mais importantes já feitos e apresentou ao mundo a força que era Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Antes de Stanley Kubrick marchar para explorar os aspectos inexplicáveis ​​da sociedade que não apenas transcendiam o tempo, mas também as expectativas dos espectadores em relação a eles próprios, ele fez esta fascinante peça de guerra que classifico ao lado de ‘Venha e veja’. Ao contrário deste último, Paths of Glory extrai sua versão comovente de WW da mesma superficialidade da humanidade que dominou as últimas obras de Kubrick. No mundo de Kubrick, os demônios não estão cobertos de sangue e lama, mas com medalhas e orgulho, e o inferno investiga o mais sagrado dos lugares, a corte. Em uma época em que a indústria havia adotado a atraente tira 3, o monocromático de Kubrick pintou a guerra com um único tom. Os corpos, os trapos, os quartéis, a fumaça, as cinzas, tudo camuflado com a visão comum de agonia angustiante.

33. Three Colors: Red (1994)

A parte mais triste da morte de um artista é quando você pensa que seu trabalho final é o melhor de todos. Foi o caso do autor polonês Krzysztof Kieslowski e seu último filme ‘Red’. Kieslowski já havia anunciado sua aposentadoria do cinema após a estreia do filme em Cannes em 1994, mas é sua morte trágica quase dois anos depois de anunciar sua aposentadoria que o torna ainda mais profundamente triste. ‘Red’ é a última parcela de sua aclamada trilogia ‘Three Colors’ e é sobre uma jovem que se depara com um homem idoso após bater acidentalmente em seu cachorro com o carro. O velho é um juiz aposentado, desligado da vida e de qualquer tipo de emoção e passa o tempo espionando outras pessoas. Um vínculo improvável com nuances românticas sutis se desenvolve entre os dois. ‘Vermelho’ é sobre chances e coincidências que nos atingem todos os dias e nossa incapacidade de reconhecer a beleza e o significado disso. Há uma sensação inexplicável de melancolia que percorre todo o filme sobre a tragédia do destino e do tempo humanos e como nós, como pessoas no mundo, estamos todos conectados de uma forma ou de outra. ‘Vermelho’ é uma façanha surpreendente no cinema e é simplesmente um dos melhores filmes já feitos.

32. O tesouro de Sierra Madre (1948)

Como o nome sugere, frequentemente associamos a caça ao tesouro com a aventura pulsante e a descarga de adrenalina associada a ela. Mas existem muito poucas histórias que falam sobre as emoções que as pessoas passam ao embarcar em uma jornada para obter esse ouro. Costuma-se dizer que a adversidade revela seu verdadeiro caráter. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ conta uma história em que o desejo pelo ouro traz mudanças desagradáveis ​​nos personagens, resultando em sua desolação individual. Enquanto o foco está na ganância corrompendo a consciência, é o estudo do caráter humano em situações adversas que fica com o espectador. Uma trágica história de ganância e traição, este filme ganhou o prêmio da academia de melhor diretor, melhor roteiro adaptado e melhor ator coadjuvante. Ao longo dos anos, este se tornou um clássico cult para os amantes do cinema em todo o mundo.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, termo que designa as revistas ou livros que destacam a violência, o sexo e o crime. Esses elementos fizeram as revistas venderem como panquecas quentes. Tarantino pegou esses elementos, mesclou-os em torno de três histórias e criou uma narrativa que foi nada menos que um gênio cinematográfico. Um dos filmes de cultura pop mais exclusivos de todos os tempos, o espectador é apresentado ao mundo do assassino da máfia Vincent Vega, seu parceiro no crime e fofoqueiro Jules Winnfield, a esposa do gângster Mia Wallace, o boxeador Butch Coolidge e fica maravilhado com seu tratamento elegante do crime e da violência. Um dos aspectos mais importantes do filme que contribuiu para seu sucesso foi a atuação de Samuel L Jackson. Como o assassino Jules Winnfield que cita versos da Bíblia como piadas, ele foi fenomenal. Um dos maiores filmes desta era, ‘Pulp Fiction’ se tornou um livro-texto para aspirantes a cineastas em todo o mundo.

30. A Batalha de Argel (1966)

Poucos filmes exerceram o fardo da política de uma forma que enriquecesse seu efeito cinematográfico, mas deixamos para o astuto maestro italiano incendiário Gillo Pontecorvo assumir o foco ainda fervente da opressão colonial francesa do final dos anos 50 sobre o povo argelino e transformá-lo em algo totalmente atraente. Os paralelos ainda prescientes da observação admiravelmente neutra de Pontecorvo do terror e do terrorismo cometido por ambos os lados desenham hoje em dia torna a experiência de 'A Batalha de Argel' um desafio intelectual fascinante à nossa compreensão da guerra em preto e branco, como a frieza impalante de Miklós Filmografia indelével de Jancsó. Além disso, suas técnicas de edição de cinejornais são um marco na comunicação cinematográfica e, em minha mente, fizeram um uso muito mais forte das técnicas de corte frenético da Nouvelle Vague do que muitos de seus mastheads exploradores. Uma vez visto, nunca esquecido - 'A Batalha de Argel' é simplesmente uma peça seminal do cinema mundial.

29. Goodfellas (1990)

O sonho de um diretor é criar um filme que remeta ao período em que é feito. Mas, para Martin Scorsese, é um hábito. A cada década que foi A-Lister, fez um filme considerado um dos maiores da época. Ele fez 'Taxi Driver' nos anos 1970, 'Raging Bull' nos anos 1980, 'Goodfellas' nos anos 1990, 'The Departed' nos anos 2000 e 'The Wolf Of Wall Street' nos anos 2010. E é o drama de gângster de 1990 baseado na história verídica do associado do mafioso Henry Hill que se tornou uma das referências no gênero. O filme, narrado na primeira pessoa por Hill, narra sua ascensão e queda como parte da máfia de Nova York de 1955 a 1980. Em contraste com toda a extravagância de gangster em 'Godfather' ou 'Scarface', 'Goodfellas' lida com o minúcias autênticas da vida diária de gangster, focando tanto no relacionamento de Hill com sua esposa Karen quanto em suas façanhas com seus companheiros de gangue. Mas Scorsese usa todas as flechas em sua aljava de truques para tornar este caso atraente, como este lendário tiro de rastreamento longo , alguns diálogos memoráveis ​​e um ato explosivo de Joe Pesci como Tommy DeVito, o tempestuoso associado de Hill. Quando se trata do gênero do crime, ‘Goodfellas’ é o melhor que existe.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese é conhecido por retratar em seus filmes histórias de protagonistas quebrados, imperfeitos e freqüentemente autodestrutivos. E ele sempre vasculhou os anais da história para encontrar seus heróis caídos em histórias verdadeiras. ‘Raging Bull’ é a história da vida do lendário boxeador Jake LaMotta, cuja raiva autodestrutiva e obsessiva, ciúme sexual e apetite animalesco, que o tornaram um campeão no ringue, destruíram seu relacionamento com sua esposa e família. O filme é inteiramente rodado em preto e branco, para retratar verdadeiramente a época em que foi ambientado e o clima sombrio e deprimente que definiu. Scorsese esperava que este fosse seu projeto final. Portanto, ele foi meticulosamente exigente em sua filmagem. Igualmente dedicado foi Robert De Niro, que protagoniza o papel titular. Ele ganhou 60 quilos e realmente treinou como boxeador. Ele absorve os maneirismos de fusão curta de LaMotta com perfeição ígnea enquanto ele submerge completamente no personagem. Ele recebeu um merecido por seus problemas. Este é o maior triunfo de Scorsese-De Niro. Uma magnum opus intensa e poderosa.

27. The Godfather: Part II (1974)

Na história da segunda parcela, poucos filmes foram conhecidos por viver à altura da glória da primeira, quanto mais superá-la em alguns aspectos. Se uma lista incluindo esses filmes for feita, ‘O Poderoso Chefão: Parte II’ será sua joia da coroa. Viver de acordo com o legado do primeiro foi uma tarefa gigantesca em si, mas esta continuação da saga 'O Poderoso Chefão' não apenas teve sucesso nisso, mas também expandiu seu legado para se tornar parte da maior história americana sobre o crime organizado já contada. O filme apresenta duas narrativas paralelas; um lidando com Michael Corleone como o novo chefe da ‘empresa familiar’ Corleone, o segundo apresentando um excelente Robert De Niro como um jovem Vito Corleone, e sua ascensão ao poder. As duas histórias são habilmente tecidas, fornecendo uma narrativa atraente que não afrouxa o controle do espectador uma única vez. Al Pacino faz alguns de seus melhores trabalhos aqui, seu olhar recém-descoberto virtualmente mastigando o cenário toda vez que ele aparece na tela. Um daqueles filmes quase perfeitos que podem ser assistidos independentemente do tempo, lugar e sua última exibição, e você ainda acaba em total submissão e admiração. Se a Parte I é o altar sagrado, a Parte II é o pão e o vinho.

26. A Clockwork Orange (1971)

A primeira coisa que provavelmente vem à mente quando pedimos para descrever este filme em uma palavra é ‘perturbador’. O único filme da lista que ouso revisitar, me peguei estremecendo várias vezes enquanto assistia a esse filme. ‘A Clockwork Orange’ é um comentário social em sua forma mais inflexível, fornecendo imagens nítidas das quais nunca se pode recuperar. É escuro, é distorcido e não oferece redenção para aqueles que o procuram em um filme com provavelmente a versão mais sombria de uma distopia em termos sociais. E é aí, acredito, que reside o sucesso do filme em transmitir uma mensagem perturbadora para casa. Não convencional de qualquer maneira que você possa imaginar, ele nos fornece protagonistas que são rancorosos até a medula e se entregam a atos de “ultraviolência” e estupro; comenta sobre o estado sócio-político das coisas da maneira mais dura que você pode imaginar, coloca você em um estado de confusão enquanto Alex DeLarge (interpretado pelo carismático Malcolm McDowell) é submetido a formas desumanas de recondicionamento e termina deixando o público em um farrago de todas as coisas que essa experiência perturbadora faz você sentir de uma vez. Na verdade, uma obra de proporções kubrickianas.

25. Vertigo (1958)

A história de ‘Vertigo’ é assim - o ex-detetive Scotty (James Stewart) sofre de acrofobia devido a um incidente que aconteceu no cumprimento do dever. Ele é abordado por um velho amigo para ficar de olho em sua esposa Madeleine, que ele acredita estar possuída. Inicialmente cético, Scottie logo se torna autodestrutivamente obcecado pela bela dama, que parece ser muito mais do que deixa transparecer. O brilhantismo de Alfred Hitchcock reside no fato de que seus maiores filmes, emocionantes de assistir pela primeira vez, parecem abrir uma nova camada de compreensão para o espectador a cada espiada sucessiva. Claro, em um olhar superficial, ‘Vertigo; é um mistério de assassinato psicológico bem elaborado. Mas enquanto você observa isso repetidamente, seus temas de agressão masculina e de construção da imagem feminina na mente de um homem começam a se desdobrar como uma caixa infinita e envolvê-lo. Provavelmente o filme mais envelhecido já feito, o brilho de queima lenta de Vertigo é atestado pelo fato de que, após ter recebido críticas mistas, o filme é amplamente considerado um dos maiores filmes já feitos. Uma obra-prima do mestre dos thrillers.

24. Hiroshima, meu amor (1959)

Nascido da mente do visionário francês Alain Resnais da Margem Esquerda, ‘Hiroshima mon amour’ é um filme que chora com poder transcendental. Sua história de tempo entrelaçada com a memória e as cicatrizes de ambos que aconteceram em Hiroshima durante a Segunda Guerra Mundial, contada por duas pessoas - um francês, um japonês - enquanto tentam juntar as peças da mensagem prevalecente da devastação causada lá. Exceto que não há nada a ganhar, intelectual ou emocionalmente, com tal tolice. É um trabalho impregnado de luto internacional - indo além do próprio conflito e nas verdades e repressões que assombram os seres humanos todos os dias. Por meio das reverberações da explosão atômica, encontramos uma pequena parte do que há de tão errado conosco. O fato de Resnais simplesmente entender essa confusão intocável, em vez de tentar consertá-la, é o que torna 'Hiroshima mon amour' uma das grandes obras-primas do cinema.

23. Random Balthazar (1966)

A desolada obra-prima de Robert Bresson é um exercício de sentimento. Ele evita definir um protagonista claro ou um tema central, a menos que você conte a força milagrosa da natureza que é Balthazar e se você considera o filme pelo valor de face, não o faz. Mas se você permitir que ele seja o seu ponto de acesso à paisagem emocional e temática do filme, é difícil voltar dela sem recompensa. O estilo visual peculiar, esguio e legal de Balthazar parece quase glamoroso em retrospecto; sua fragilidade plácida envolta em um senso de controle resignado e singularmente sábio. Mesmo sua honestidade palpável esconde um esforço estudado para conter um pouco, para nutrir em sua simplicidade de cenário e caráter uma riqueza deixada para o público descobrir e, em alguns casos de tirar o fôlego, imaginar. Como os atores falam tão pouco sobre sua situação, vivenciamos os atos aleatórios e irracionais de crueldade e sentimos a tristeza sufocante para eles. De uma forma em que até mesmo os artistas mais talentosos visam apenas aumentar os sentidos dos espectadores, conformando-se com o que foi experimentado e testado, as imagens de Bresson forneceram-me um modelo lírico para basear a magnitude da minha compaixão, para até avaliar o quão consciente essa compaixão é .

Tudo isso me traz de volta ao meu pensamento original. Atribuir significado a cada momento em 'Balthazar' não depende de assumirmos que seus conteúdos sejam alegorias de natureza social ou mesmo política, mas da maneira como eles nos fazem sentir saboreando sua complexidade e quietude, em vez de depender da exposição estúpida a que a maioria dos filmes recorre. Faz todo o sentido, então, que o protagonista seja o burro homônimo.

22. Andrei Rublev (1966)

Acredito que ‘Andrei Rublev’ é o maior exemplo do conceito de escultura no tempo do autor russo Andrei Tarkovsky. Muito de seu último trabalho foi abstrato, já que ele lidou com temas e visualizações incrivelmente pessoais, que se espalharam por períodos de tempo. Com ‘Andrei Rublev’, Tarkovsky capturou o próprio tempo e, em seguida, acariciou-o com os tons mais profundos da alma de um artista. Tarkovsky é provavelmente o único cineasta que poderia escalar a maior conquista na representação da repressão de um artista. Ele explora os regimes opressores da Rússia que são tão nativos do país quanto sua literatura profunda que surpreendentemente questionou as questões mais convincentes sobre o espiritual e metafísico. Muitas das características posteriores de Tarkovsky, incluindo filmar o fluxo da natureza, podem ser observadas na jornada de Andrei Rublev. É um filme que te filma, te despedaça e te faz pensar - tanto durante o filme quanto muito depois de os créditos terem rolado.

21. The Adventure (1960)

Como você se sente sobre um mistério não resolvido? Ou uma história inacabada? Você busca um encerramento procurando desesperadamente por ele? Ou você aceita os fatos e depois segue em frente? Não é a vida que se trata? Ceder e seguir em frente? O filme que trouxe reconhecimento mundial a Michelangelo Antonioni, ‘L’Avventura’ é a história de uma jovem desaparecendo durante uma viagem de iate pela costa da Sicília. A busca por ela reúne seu ex-amante e melhor amigo e um relacionamento perturbador começa. Enquanto a história se tece em torno da busca por uma mulher desaparecida, seu verdadeiro propósito é construir uma narrativa, sem estar centrada em um grande acontecimento e ainda ser capaz de cativar o público. Os verdadeiros motivos dos personagens centrais nunca são totalmente explicados e, quando o filme termina, o espectador é forçado a aceitar que alguns eventos permanecem inexplicados, assim como a vida. Uma obra-prima inquestionável!

20. Breathless (1960)

Muito antes de Quentin Tarantino abrir caminho para a cena indie americana com sua abordagem radicalmente independente da produção cinematográfica que realçava o foco do estilo em vez da substância, houve um homem chamado Jean Luc-Godard que corajosamente assumiu as gramáticas cinematográficas tradicionais e as quebrou de forma imprudente para baixo, redefinindo e moldando os filmes da maneira como os vemos hoje com um filme chamado 'Breathless'. Talvez nenhum outro filme tenha conseguido capturar a loucura fugaz da juventude de uma forma que ‘Breathless’ consegue com sua energia imprudente e vibração inebriante. O uso bizarro de cortes em movimento anima a loucura inerente da premissa, conforme Godard o afasta de seus personagens com uma cotovelada feroz, pedindo que você se concentre nos aspectos fragmentados do enredo em vez da história como um todo. ‘Breathless’ é uma das estreias cinematográficas mais importantes da história do cinema e, embora continue a polarizar cinéfilos e críticos, não há como negar a influência que exerce no cinema moderno.

19. Seven Samurai (1958)

Akira Kurosawa é um dos diretores mais originais, influentes e referenciados que já existiu. Roger Ebert disse uma vez sobre Kurosawa 'Pode-se argumentar que este maior dos diretores deu emprego a heróis de ação pelos próximos cinquenta anos' e ele não poderia ter sido mais verdadeiro. ‘A Fistful Of Dollars’ de Sergeo Leone, que dizem ter dado origem ao gênero Spaghetti Western, foi inspirado em ‘Yojmbo’ de Kurosawa. Nossa entrada atual também é um divisor de águas técnico e criativo e inspirou inúmeras recontagens diretas, bem como muitos elementos visuais do cinema moderno . O drama épico narra a história de sete Ronin (samurai sem mestre) que pegam em armas para defender uma civilização pobre que não tem mais lugar para eles de assaltar bandidos no Japão do século 16, que culmina em uma violenta batalha climática. Mas o brilhantismo de ‘Seven Samurai’ reside no fato de que ele conta uma série de histórias bem elaboradas que variam entre gêneros dentro do drama principal. Há elementos de ação, aventura, romance e maioridade presentes em todo o filme. Também consiste em personagens tão ricamente desenvolvidos quanto um bife malpassado, que mais tarde se tornaria a base de vários gêneros. Verdadeiramente uma obra de arte inspiradora.

18. A Árvore da Vida (2010)

‘The Tree of Life’ é a forma mais elevada de cinema: ele simplesmente não conta uma história, mas visa mudar sua vida. É um filme que levará tempo para crescer e, quando isso acontecer, você terá dificuldade em não pensar constantemente nele. Um poema cinematográfico de alcance e ambição extraordinários, 'A Árvore da Vida' não pede apenas ao público para observar, mas também para refletir e sentir. Na sua forma mais simples, é uma história da jornada de se encontrar. Em sua forma mais complexa, é uma meditação sobre a vida humana e nosso lugar no grande esquema das coisas. Não importa em que fé você acredita ou se você acredita em uma entidade superior. A verdadeira sensação de admiração no filme surge da magia que a própria vida é. O mais bonito do filme é que vai melhorando com o tempo, como um bom vinho.

17. Close Up (1990)

O falecido grande autor iraniano Abbas Kiarostami freqüentemente via beleza e poesia nos episódios mais absurdamente mundanos da vida humana. Com enredos aparentemente simples e cenários naturalistas, Kiarostami explorou temas universais que transcenderam perfeitamente as barreiras culturais devido ao tipo de humanidade em que seu cinema estava inerentemente envolvido. 'Close Up' é indiscutivelmente seu trabalho mais realizado e um dos trabalhos mais originais e criativos da arte cinematográfica já produzida. O filme assume a forma de uma docu-ficção para narrar o julgamento na vida real de um homem que representou o cineasta iraniano Mohsen Makhmalbaf. O elenco inclui pessoas que realmente estiveram envolvidas no julgamento, interpretando a si mesmas no filme. 'Close Up' é uma exploração surpreendente da identidade humana vista através dos olhos de um homem comum que luta para lidar consigo mesmo e com sua vida e, por causa da tristeza desesperada e do amor genuíno pela arte do cinema, ele pisa no lugar de seu ídolo para saiba o que é estar verdadeiramente vivo, admirado e respeitado. Este é o cinema da mais alta ordem.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelas (1975)

Este filme de vanguarda francês, estrelado por Delphine Seyrig como personagem-título, não é uma mera experiência cinematográfica. É mais perto de um exercício - um teste, e afeta você de uma forma que poucos outros filmes fizeram antes ou depois. A peça independente enfoca três dias na vida de uma dona de casa solitária e problemática, enquanto ela cumpre sua agenda rígida repleta de tarefas domésticas mundanas. Ela é mãe e viúva que realiza trabalho sexual para cavalheiros à noite, a fim de ganhar a vida. Os problemas surgem quando, no segundo dia, sua rotina é ligeiramente perturbada, levando a uma espécie de efeito dominó que se reflete nas horas que se seguem. Jeanne Dielman puxa a pessoa para seu mundo lento e meditativo com a assinatura diretorial distintiva de Akerman, envolvendo atmosfera diegética e uma aura hipnótica provocada pela personalidade calma, sutil e paciente da obra-prima, que é uma celebração dolorosa da monotonia da existência.

15. Rashomon (1950)

Uma das peças mais não convencionais e experimentais do cinema para a época, ‘Rashomon’ observa o mestre trabalhando, extrapolando com suas habilidades de narrativa. Para simplificar, é o relato de um incidente que ocorreu por meio de quatro pontos de vista totalmente diferentes, os do acusado, as vítimas e aqueles que afirmam ser testemunhas oculares. Ele se destaca em todos os aspectos técnicos, com edição quase perfeita e direção magistral, mas o filme garante suas vitórias nas questões temáticas com as quais lida; as questões sobre a existência de uma verdade absoluta. A verdade é realmente tão objetiva e injusta quanto se faz parecer, ou há alguma subjetividade relacionada a ela? Normalmente, é objetivo, ou pelo menos é amplamente considerado, com aparentemente nenhuma outra versão dele. Este filme questiona de uma forma que o próprio espectador fica exasperado com perguntas, também frequentemente comentando sobre como as pessoas às vezes não são completamente honestas nem consigo mesmas. É o mais tematicamente complexo que pode parecer, mas aparentemente tão simples quanto você deseja.

14. Stalker (1979)

Mantendo seus descendentes menores, que incluem a série de televisão de enorme sucesso 'Westworld', sob controle, a colossal influência de 'Stalker' na narrativa visual não pode ser exagerada. Idéias - filosóficas, espirituais e científicas -, bem como sua hábil e gloriosa exploração cinematográfica em 'Stalker', encontraram suas impressões em muitas ficções científicas posteriores. Não é tanto o deslizamento, indução de transe e em pontos, ritmo abstrato ou o uso emocionante de sépia monocromática fora da 'Zona' e as cores de impressão das locações na Estônia, que foram espelhadas no trabalho de cineastas como Terrence Malick e Lav Diaz, para citar alguns, mas a paciência e humildade duradouras. Em grande parte entregando os reinados filosóficos ao público, Tarkovsky deixa tanto espaço para os espectadores descobrirem por si mesmos as múltiplas facetas metafísicas do filme, que mesmo sua poesia literal e visual incomparável parece tanto uma invenção de nossa fabricação quanto de sua e seus colaboradores. E, no entanto, o filme permanece indiferente, nos guiando pelos mistérios inescrutáveis ​​da mente e do coração, e nunca acabamos os desvendando, porque o caminho reto nunca é o certo.

13. Fanny e Alexander (1982)

Quase 35 anos após seu lançamento inicial, o filme final de Bergman na direção é tão fascinante de dissecar quanto era para os críticos de todo o mundo na época, que pareciam estar lutando para garantir que suas opiniões sobre ele fossem ouvidas. Essas opiniões eram muito mais controversas do que são hoje, mas o lugar do filme na filmografia de Bergman ainda parece difícil de definir. É diferente, em tom, estrutura e magnitude absoluta, qualquer coisa que Bergman tenha feito até aquele ponto. Mas também é um amálgama indubitável de todos os seus instintos temáticos e visuais entrecruzados nesta tapeçaria de afirmação da vida de uma família no início de 1900 na Suécia. Sua exuberância pitoresca parece comandar toda a sua atenção na primeira vista, com suas variações profundamente imersivas de vermelhos, verdes e amarelos suaves e quentes que formam uma paleta de cores tão inebriante que sua ausência - quando tudo é coberto por brancos, pretos e azuis fortes - parece punitivo. As crônicas meticulosamente elaboradas de Bergman irradiam a vivacidade de um piquenique em família e possuem a familiaridade de laços humanos mantidos juntos por décadas por afeto genuíno e frágil. Nessa representação generosa da vida, o nascimento e a morte são incidentais. No mundinho esses personagens, como a maioria de nós, habitam, alegrias circunferenciais são tudo que se pode esperar e são suficientes para eles, como deveriam ser para nós. É tudo uma ilusão? Assistir a este conjunto gigantesco operar tais maravilhas, pode-se pensar que sim. Se for, acredite em mim, você não quer que seja destruído.

12. Apocalypse Now (1979)

Há filmes de guerra que mostram os meandros da guerra (como 'Enemy At The Gates'), alguns outros que repreendem e abominam a noção disso (como 'O Pianista') e há o audacioso 'Apocalypse Now', que não oferece opinião ou conclusão, mas, em vez disso, expõe uma representação gráfica dos horrores da guerra enquanto glorifica os soldados que dela participam. O debate continua se 'Apocalypse Now' é pró-guerra ou anti-guerra. Ame-o ou odeie-o; a coisa certa é que você vai se lembrar. Uma das produções mais problemáticas da história de Hollywood, a versão final do escritor e diretor Francis Ford Coppola acabou se tornando seu trabalho mais brilhante do ponto de vista técnico. A premissa básica é simples - o capitão Willard deve “encerrar com extremo preconceito” o coronel Kurtz que entrou em território inimigo e desapareceu. Mas é a jornada debilitante de Willard pelos campos de batalha angustiantes do Vietnã (elevada pela cinematografia de tirar o fôlego de Vittorio Storaro) que permanece gravada nas mentes muito depois dos créditos. Apresentando uma cena memorável após a outra e performances definitivas de Martin Sheen como Willard, Marlon Brando como Kurtz e Robert Duvall como ‘entusiasta do napalm’ Tenente Coronel Kilgore, ‘Apocalypse Now’ como Coppola corretamente afirmou “não é sobre o Vietnã. É o Vietnã ”.

11. Os 400 golpes (1959)

‘Os 400 golpes’ de François Truffaut é uma verdadeira obra de arte que se origina da dor real. Um trabalho verdadeiramente sincero e profundamente pessoal, Truffaut dedicou o filme ao seu pai espiritual e teórico do cinema internacionalmente aclamado André Bazin. De natureza distintamente autobiográfica, a própria infância de Truffaut foi conturbada, e isso se reflete de forma muito distinta no filme. Por fora, o filme é sobre a delinquência juvenil e adolescente, muitas vezes motivada pela negligência social e dos pais. Olhe um pouco mais fundo e encontrará um filme sobre esperança; espero que seja intenso e terapêutico. Antoine Doinel, o protagonista, é de alguma forma uma representação nítida da própria sociedade, uma sociedade que esconde suas próprias falhas por trás de regras, punições e julgamentos. O filme flui como um rio e leva o público por uma jornada de esperança, desespero, empatia e até mesmo raiva. Se você sempre quis ver como é uma obra-prima, não procure além de ‘The 400 Blows’.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch não é um cineasta. O homem é um sonhador. E ‘Mulholland Drive’ é o maior sonho que ele já sonhou. Um sonho que encapsula todas as emoções que envolvem a existência humana. É difícil explicar ou descrever um filme como ‘Mulholland Drive’ porque este é um filme sobre a experiência e o que você tira dela, em vez de um enredo baseado em uma narrativa convencional que o alimenta com respostas que você poderia facilmente levar para casa. Lynch sempre afirmou que sua visão de um filme é basicamente construída sobre inúmeras idéias e sentimentos. E isso se torna uma porta de entrada para a compreensão de um filme tão complexo e em camadas como ‘Mulholland Drive’. É um labirinto de sonhos, ambições, desejos e pesadelos. Lynch sabe o que mais nos apavora e o que nos leva à completa insanidade. E é esse reflexo perturbadoramente íntimo do subconsciente humano que torna 'Mulholland Drive' uma obra de arte profundamente angustiante. Aquele que o envolve com uma sensação de calor e ternura antes de cortar seu crânio.

9. Ladrões de bicicletas (1948)

“Simplicidade é a sofisticação final” - Leonardo Da Vinci. Uma das tarefas mais difíceis na produção de filmes é descobrir quando terminar seu filme. O final em Bicycle Thieves está tão em sincronia com o início, já que partimos de Antonio, um homem comum emergindo da multidão para Antonio, um homem comum, dissipando-se na multidão. A vida na Roma do pós-guerra havia se transformado todos os dias em uma luta, e quase ninguém saiu daquele pântano de miséria. Existem poucos filmes que fornecem uma introspecção tão profunda quanto Ladrões de bicicletas. É um filme que vai partir o seu coração em pedaços, mas vai inspirá-lo a viver a vida ao máximo. Raramente, um filme tão simples em sua premissa é tão brilhantemente eficaz em sua mensagem. É virtualmente impossível esquecer o filme depois de assisti-lo. Embora a maior conquista do filme esteja em quantos cineastas independentes ele inspirou, que até hoje citam ‘Ladrões de bicicletas’ como inspiração.

8. Tokyo Story (1953)

‘Tokyo Story’ é o que todo cineasta que deseja contar uma história significativa aspira. Obviamente, todos eles ficam aquém! Não há melhor exemplo de um filme que apresenta uma história épica de forma tão simples, mas magistral, eficaz e inesquecível. Com ‘Tokyo Story’, Yasujiro Ozu alcançou algo que é o sonho de todo cineasta vivo: residir para sempre no coração e na mente do público. Qualquer pessoa que tenha visto 'Tokyo Story' saberá do que estou falando. O filme conta a história de um casal tradicional japonês que está envelhecendo e que visita seus filhos em Tóquio para perceber que seus filhos estão muito ocupados com suas vidas para cuidar deles e que se distanciaram imensamente deles, tanto cultural quanto emocionalmente . O que também é tão bom no filme é seu tema universal com o qual qualquer pessoa, em qualquer lugar pode se identificar. O estilo de filmagem de Ozu também garante que você esteja absorvido em um conto que oferece percepções profundas sobre a mudança da psique humana com a mudança dos tempos. Simplesmente brilhante!

7. In the Mood For Love (2000)

‘In the Mood For Love’ é simplesmente a maior história de amor jamais colocada no cinema. Período. Poderia facilmente ter sido uma peça ou mesmo uma poesia. Com belas imagens cativantes e música requintada e penetrante, 'In The Mood For Love' conta a história complexa de dois indivíduos simples. Duas pessoas que passam pelo medo e pela tentação de se apaixonar; e uma vez apaixonado, a dor de deixá-lo incompleto. ‘In the Mood for Love’ retrata o amor em sua forma mais vulnerável. E, ao fazer isso, revela nossas próprias vulnerabilidades e como somos impotentes diante do amor. Raramente um filme tão discreto e tão reservado causa tanto impacto após a exibição.

Não tenho certeza se o diretor Wong-Kar-Wai pretendia fazer o filme que fez, considerando que a maior parte do tempo rodou sem roteiro. Se você olhar para a história, as peças de arte mais marcantes são acidentes felizes. Conte com ‘In the Mood For Love’ entre eles.

6. 8 1/2 (1963)

O número oito e meio na filmografia do maestro italiano, esta epopéia sufocante e exuberante de fantasias, pesadelos e uma realidade muito turva é como um biscotti - resolutamente absurdo em sua forma e cozido de uma maneira que não permite devorá-lo inteiramente em uma só vez. Seu trabalho de câmera assustador e inquieto complementa a visão consciente de Fellini de um cineasta tentando canalizar as muitas experiências de alteração que teve ao longo de sua vida complicada em seu novo filme. Por mais semiautobiográfico que seja, '8 1/2' passa por seu público com toda a sua complexidade arrebatadora intacta em um ritmo tão radical, que me peguei tentando desconstruir suas imagens astutamente compostas com o propósito de encontrar meu próprio lugar em A especificidade elevada de Fellini, mas nunca foi capaz de pousar firmemente no solo.

Explorando a gravidade sombreada de Marcello Mastroianni, a eletricidade absoluta de Fellini pode ser esmagadora. Você se apega à sua percepção de um momento específico e reconhece sua riqueza sensual apenas para descobrir que o cineasta passou para outra sequência vibrante e deliciosamente equilibrada. Suas idéias sobre artistas e sua obsessão ridícula e perplexa por si mesmos podem parecer antiquadas - ou pior, irrelevantes - mas a audácia de sua construção e expressão nunca se perde em nós. Ela nos enfeitiça e nos engana, nunca permitindo que tiremos nossos olhos dela e então escorregue por entre nossos dedos, pois percebemos que nunca a tivemos em nossas mãos. Fellini não é muito diferente da vidente Maya do filme, que parece saber o que todos estão pensando: uma habilidade atribuída por sua assistente à telepatia. Quando nosso protagonista, Guido, questiona a assistente sobre como ela faz isso, ele observa claramente: 'É em parte um truque e em parte real. Eu não sei, mas acontece. ” Nenhuma palavra poderia ser mais adequada para descrever o filme.

5. Pessoa (1966)

Acho que é seguro dizer que ‘Persona’ quebrou sozinho o cinema. Sendo um filme de terror na superfície, o clássico de 1966 de Ingmar Bergman é mais um estudo da identidade individual do que qualquer outra coisa. Utilizando técnicas de edição inovadoras, ângulos de câmera precisos, expressões frias, diálogos envolventes e direção esplêndida, este filme conta da forma mais ambígua possível a história de uma atriz famosa que perde a voz e a enfermeira que cuida dela em uma casa isolada, onde suas personalidades distintas lentamente começam a se fundir. Sendo o empreendimento mais 'cinematográfico' do diretor, ‘Persona’ certifica-se de torcer todas as regras convencionais do cinema para tentar trazer uma experiência nova e cativante. Com algumas das melhores atuações já apresentadas no celulóide, a atmosfera do filme nos ajuda a apreciar as perguntas que temos sobre ele, mudando de forma inteligente o nosso foco para a arte que está sendo colocada em jogo. Simplesmente não existe nada como 'Persona', e isso poderia muito bem ser um fato.

4. The Godfather (1972)

Possivelmente, o filme mais influente já feito. Uma das adaptações mais raras que é realmente melhor do que o material de origem - neste caso, o romance de Mario Puzo com o mesmo nome - o filme perdurou ao longo dos tempos e é um clássico no verdadeiro sentido da palavra que só fica melhor a cada visualização. O filme narra uma família mafiosa sob o comando de Don Vito Corleone e se concentra na transição de seu filho quando ele assume os negócios da família após a morte do patriarca. Sem dúvida, as performances são uma das maiores forças deste filme, com grandes nomes como Marlon Brando como Vito Corleone e Al Pacino como Michael Corleone redefinindo os padrões de atuação com suas performances. Todo o resto, especialmente o roteiro e a cinematografia e a trilha sonora que definem o clima, são esperados para definir o gênero e o roteiro. Com toda a razão, não existe um cinéfilo que não tenha visto esta obra-prima de um filme. É o altar onde vamos orar.

3. Cidadão Kane (1941)

O Santo Graal do cinema americano. ‘Cidadão Kane’ definiu quase todos os aspectos que abrangem a arte do cinema. Um filme que quebrou inúmeras convenções do cinema apenas para criar novas. Desde seus tecnológicos inovadores, incluindo a iluminação, o som e os visuais até seu estilo de narrativa altamente inovador, ‘Cidadão Kane’ mudou a forma como os filmes eram feitos. O filme é um estudo profundamente profundo do personagem que assume a forma de um drama de mistério ao desvendar as verdades da vida de um enigmático magnata da publicação, cuja última palavra despertou o interesse de um repórter. Ele sai em uma jornada, explorando um ser humano que uma vez começou sua vida com ambições e desejos crus, mas logo sucumbiria aos poderes sedutores da ganância e autoridade. ‘Cidadão Kane’ é uma obra de arte imensamente poderosa que é arrebatadora em sua exploração de temas profundos e captura as facetas emocionais infinitamente complexas de viver a vida como um ser humano.

2. The Mirror (1975)

Será que a arte pode ser tão pessoal que não seja possível distingui-la de seu criador? Esta é uma pergunta que me ocorreu quando vi pela primeira vez ‘The Mirror’ de Andrei Tarkovsky. Esta é uma obra de arte em que o artista se entrega completamente ao seu trabalho, que você não consegue distinguir entre ele e o trabalho que está fazendo. É quase como se Tarkovsky respirasse todo o filme. Auteurs fizeram suas obras-primas, mudando e moldando o cinema da maneira como o vemos hoje, mas Tarkovsky deu um passo além e alcançou o inatingível; dando vida à sua arte. ‘The Mirror’ é apenas a respiração do cinema. Você podia ver Tarkovsky, sua família, a cultura em que ele cresceu. Na verdade, você poderia conseguir se ver nela, sua mãe e há esse sentimento de Deja Vu que atinge sua mente, olhando para esses lugares. É quase como se você tivesse estado lá, talvez em vida ou em um sonho perdido em algum lugar. E para um artista, criar algo tão pessoal e íntimo é algo verdadeiramente além das palavras. É um filme que comprova o que sempre soubemos: o cinema é a maior forma de arte.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Como todas as outras entradas desta lista, ‘2001’ também é uma lição de cinema. Vários cineastas, incluindo nomes como Christopher Nolan e Denis Villeneuve, falaram sobre como o filme tem sido sua inspiração. Então, sim, o filme é uma maravilha técnica. Mas não é por isso que o filme está no topo desta lista de tantos grandes filmes. Fica no topo porque é um filme que ousou ir a um lugar onde nenhum filme jamais esteve. Inferno, ninguém sabia que existia tal lugar onde o cinema pudesse ir. E se alguma vez a arte do cinema exigiu uma razão ou uma prova para corroborar que seu propósito de existência é muito mais do que mero entretenimento, então aqui está: o totalmente atraente e supremamente mítico, ‘2001: Uma Odisséia no Espaço’.

Stanley Kubrick expandiu os horizontes do cinema com quase todos os seus filmes. Com ‘2001: A Space Odyssey’, ele também deu um novo significado ao que o cinema pode alcançar. A maioria dos cineastas usa o cinema como meio para contar uma história. Mas Kubrick usou o cinema para questionar. O que ele questionou? Tudo, desde Deus até o propósito de nossa existência. Embora '2001: Uma Odisséia no Espaço' seja um filme de ficção científica altamente inteligente por si só, também é muito mais. Eu acredito que é um filme que é mais uma busca filosófica para determinar se Deus existe. Fale sobre mirar alto!

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