100 melhores filmes de todos os tempos

Alejandro Jodorowsky Prullansky, o famoso diretor de cinema, poeta, dramaturgo e compositor chileno-francês, disse uma vez: Sempre achei que, de todas as artes, o cinema é a arte mais completa. Concordo. Em mais de um sentido, o cinema é, na verdade, um amálgama de todas as outras formas de arte importantes: pintura, escrita e música. Não pode ser coincidência que o cinema seja também a mais moderna das formas de arte. Afinal, a evolução de outras formas de arte foi necessária para que o cinema surgisse. O fato de permanecer a forma de arte mais popular quase desde o momento em que surgiu mostra sua força e sua fraqueza: é facilmente acessível e, portanto, mais comercializável.

Com isso em mente, estou animado para apresentar a você, a lista de The Cinemaholic's 100 melhores filmes de todos os tempos . Antes de começar a explorar nossa lista dos 100 melhores filmes já feitos, vamos nos lembrar novamente que as listas, por sua natureza, nunca são perfeitas. Portanto, não afirmamos que este seja o Santo Graal da lista dos melhores filmes absolutos do mundo. Mas o que posso garantir é que muitas pesquisas foram feitas para montar essa lista. Milhares de títulos de filmes foram considerados e cada escolha final foi debatida. Tenho certeza de que você encontrará muitos de seus filmes favoritos faltando na lista. Muitos dos meus favoritos estão faltando também! Mas em vez de ficar frustrado com isso, aproveite esta oportunidade para ver os filmes que você não viu. Quem sabe, você pode acabar descobrindo seu(s) novo(s) favorito(s)!

100. Os guarda-chuvas de Cherbourg (1964)

Jacques Demy colore sua ópera romântica com uma sofisticação suave e desordenada que parece um pouco hipster. Mas essa cor não é apenas a das paredes, das roupas e dos guarda-chuvas. Está também nas bochechas de uma jovem impossivelmente apaixonada enquanto atravessa a rua para cumprimentar seu amante e sua ausência quando vemos aquele rosto de véu, a jovem agora noiva de outra pessoa. Há cor, também, na maneira como as pessoas falam, ou para ser mais preciso, cantam umas para as outras. Mas suas conversas líricas não rimam como a maioria das músicas. Quando tudo, desde profissões de amor a preocupações com dinheiro, está misturado com uma paixão indistinguível, não adiantaria muito pescar rima ou razão. Enquanto o filme e todas as suas revelações melódicas, reforçadas pela música sobrenatural de Michel Legrand, são dolorosamente românticas, todas as decisões que nossos personagens tomam são, como tudo na vida, decididamente não.

Para um enredo tão tediosamente conhecido, tendo visto ser a base de inúmeras canções pop e novelas, cada quadro de ‘Os Guarda-Chuvas de Cherbourg’, repleto de melancolia, é sedutoramente fresco, até mesmo desconhecido. Você pode atribuir isso a quão genuínas são as emoções e quão sinceras são suas expressões. Operando em uma escala tão humilde quanto, 'Umbrellas' devasta você com o menor dos reflexos. Fiquei pasmo com o quão substancial o impacto de duas cadeiras vazias, uma vez ocupadas pelos dois amantes, poderia ser. Na iguaria feita com carinho de Demy, marchamos em carnavais cheios de fitas e confetes, decoramos árvores de Natal e damos presentes uns aos outros, guardando todos os nossos sentimentos em algum canto do coração, porque por mais difícil que seja a ausência de alguém ou a passado é esquecer, tudo o que podemos fazer é viver na fantasia de hoje.

99. Trainspotting (1996)

É um pouco difícil explicar aos cinéfilos como nós sobre o fanatismo de 'Trainspotting'. Chegou em uma época em que a realidade das drogas estava apenas começando a afundar. Pode-se dizer que glamourizou o abuso de drogas e, até certo ponto, é verdade. O fato que saiu disso foi a tentativa de Danny Boyle de mostrar os altos e baixos do abuso de drogas, sem tomar partido. 'Trainspotting' é um filme cult que conta a história de quatro amigos e seu encontro com o vício. Ultrajante e bizarro são as duas únicas palavras para descrevê-lo. Um viciado em drogas que quer ficar limpo, apenas para vacilar a cada passo devido ao seu desejo mais profundo de ficar chapado. Generosamente sobrecarregado de humor, o filme tenta sublinhar um fato com absoluta seriedade: apesar dos luxos que a vida oferece, o jovem os nega com muita desenvoltura. E os motivos? Não há razões. Quem precisa de razões quando você tem heroína?

98. O Graduado (1967)

Ah, os dias da juventude! Despreocupado e alegre. Diversão cheia de nada para se preocupar. Nenhum cuidado com o passado, que foi deixado para trás e nenhuma preocupação com o futuro, que ainda está por vir. Benjamin Braddock levou essa vida despreocupada, depois de se formar na faculdade. E quando ele finalmente voltou para sua cidade natal, lá ele conheceu a Sra. Robinson. A chama de um caso começa a queimar. A vida toma um rumo tortuoso quando o jovem Ben confunde sexo com companheirismo. Torna-se de pernas para o ar, quando ele se apaixona por sua filha. Um filme instigante, com aparência de comédia, 'The Graduate' é um dos filmes mais engraçados de todos os tempos. Estrelado por Dustin Hoffman, apresenta a linha icônica - 'Mrs Robinson, você está tentando me seduzir?'

97. A Dupla Vida de Veronique (1991)

Talvez nenhum outro cineasta tenha entendido as mulheres com uma profundidade emocional tão profunda quanto Krzysztof Kieslowski. O homem simplesmente os amava e os exibia com tanta paixão e intimidade que você não pode deixar de se sentir apaixonado por seu poder emocional bruto. 'The Double Life of Veronique' pode ser apenas sua maior realização artística. O filme é sobre uma mulher que começa a sentir que não está sozinha e que há uma parte dela vivendo em algum lugar do mundo em uma alma diferente. Veronique e Weronika são as duas mulheres idênticas que não se conhecem e ainda compartilham uma conexão emocional misteriosamente íntima entre elas. A cinematografia altamente estilizada de Slawomir Idziak pinta o filme com uma sensação ternamente melancólica que envolve você e não consegue deixar passar. Há sentimentos e emoções que achamos muito difíceis de colocar em palavras e o filme dá vida a esses sentimentos inexplicáveis ​​de tristeza e solidão pensativas. 'The Double Life of Veronique' é uma obra de arte impressionante que retrata a alma humana em todas as suas belas fragilidades e ternura.

96. Cinema Paraíso (1988)

Muitas pessoas consideram o cinema uma indulgência, uma atividade de lazer, uma diversão que não tem qualquer consequência na vida. Mas eu, com um exército de cinéfilos ardentes que me apoiam fervorosamente, posso afirmar com absoluta convicção que o cinema é tão necessário à vida quanto a vida é para o cinema. E ‘Cinema Paradiso’ é uma maneira bonita, embora irônica, de mostrar meu ponto de vista. O bem-sucedido diretor de cinema Salvatore volta para casa um dia com a notícia de que Alfredo morreu, na qual ele volta para sua cidade natal na Sicília dos anos 1950. O jovem e travesso Salvatore (apelidado de Toto) descobre um amor duradouro por filmes que o atrai para o cinema da vila Cinema Paradiso, onde Alfredo é projecionista. Depois de se apaixonar pelo menino, o velho menino se torna uma figura paterna para ele enquanto ensina meticulosamente a Toto as habilidades que seriam o trampolim para seu sucesso no cinema.

Ver Toto e Alfredo discutindo cinema com reverência, e ver Alfredo dando conselhos de vida através de citações clássicas de filmes, é pura alegria. Através da história de amadurecimento de Toto, ‘Cinema Paradiso’ lança luz sobre as mudanças no cinema italiano e o comércio moribundo do cinema tradicional, edição e exibição enquanto explora o sonho de um menino de deixar sua pequena cidade para explorar o mundo lá fora. Um dos melhores ‘filmes sobre filmes’ que já existiu.

95. Um voou sobre o ninho do cuco (1975)

Uma daquelas raras experiências cinematográficas que fazem você sentir uma infinidade de emoções ao mesmo tempo. É engraçado em algumas partes, animador em alguns e de partir o coração em outros. É também um dos outros feitos raros na narrativa simplista e eficaz, contando sobre Randle McMurphy, um criminoso que na esperança de fugir da prisão, finge estar mentalmente doente e se declara inocente por insanidade. Ao chegar em uma instituição mental, ele se rebela contra a autoritária Nurse Ratched (interpretada por Louise Fletcher) em um cenário clássico de ordem versus caos. O filme estabelece que, de fato, não há ninguém melhor para interpretar personagens com pancada e charme em igual medida do que o próprio Jack Nicholson, trazendo-lhe uma merecida vitória no Oscar por sua atuação no filme. O que começa como um filme duradouro e emocionante, se transforma em um final trágico, embora esperançoso, após cenas perturbadoras envolvendo um suicídio e terapia eletroconvulsiva em pacientes. O filme, ainda assim, nunca deixa de lado a atenção e o pathos do espectador pelos personagens na tela, evocando genuína emoção e ânimo para o espírito humano que emana mesmo diante de uma autoridade não correspondida.

94. Pyasa (1957)

Repleto de ideias de mudança social e comentários mordazes sobre a malícia e os estigmas da sociedade, “Pyaasa” não apenas resumia a era de ouro do cinema indiano, mas também era um reflexo da própria burguesia indiana. É um filme que tem uma qualidade sutil sobre si mesmo, onde todas as verdades descaradas e duras realidades da sociedade estão fervendo sob a superfície, esperando para serem exploradas e extrapoladas pelo público atento. 'Pyaasa' é um clássico atemporal não sem razões. Mesmo após 60 anos de seu lançamento, continua relevante nos tempos modernos, porque a Índia continua a ser atormentada pelas mesmas maldições sociais – corrupção, misoginia, materialismo – que ‘Pyaasa’ aborda direta ou indiretamente.

93. Tempos Modernos (1936)

‘Tempos Modernos’ é um filme humorístico com uma mensagem poderosa. Carregando os temas de esperança e pobreza da marca registrada de Chaplin, esta imagem foca nos efeitos adversos que as máquinas e outras formas de avanços tecnológicos têm sobre as pessoas comuns, trazendo para o centro das atenções um operário cuja vida passa por muitas reviravoltas enquanto tenta lidar com o novo mundo. Embora a palhaçada seja incrivelmente engraçada, tudo está contido em um recipiente de tristeza. 'Tempos Modernos' utiliza elementos inteligentes e sutis para fazer perguntas filosóficas importantes de vez em quando. O clímax é um dos mais tocantes de todos os tempos, envolvendo uma forma triste de felicidade e nenhuma resposta ou resolução real. Este filme pode muito bem ser a obra mais bem escrita de Chaplin, e é surpreendente a relevância das ideias aqui apresentadas até hoje. Tendo, sem dúvida, resistido ao teste do tempo, o caminho que Modern Times percorre para compartilhar seus pensamentos é provavelmente o melhor aspecto desse triunfo cinematográfico.

92. A Fina Linha Vermelha (1998)

O retorno de Terrence Malick ao cinema após um hiato de 20 anos foi marcado por este drama de guerra maravilhosamente impressionante que explora não a guerra, mas a emoção de lutar na guerra. O filme é verdadeiramente Malick-ian por natureza, com mais ênfase nos visuais do que na história, permitindo que você mergulhe na experiência dele. A genialidade do filme está na visão de Malick de ver a beleza em algo tão sombrio e sangrento quanto a guerra. É preciso um gênio absoluto para transformar algo tão brutal e sangrento quanto a guerra em uma experiência tão hipnótica que transcende as realidades da guerra e, em vez disso, permite que você mergulhe nas emoções de seus personagens. É uma experiência tão imersiva que pede que você sinta os seres humanos por trás de armas e bombas. São almas devastadas como nós, ansiando por um toque delicado, sentindo falta do calor da respiração de seus amantes e esposas enquanto têm que lidar com a mais feia das realidades distantes deles. 'The Thin Red Line' é simplesmente uma experiência como nenhuma outra; um que deve ser visto, sentido e refletido.

91. Blade Runner (1982)

O corte final de ‘Blade Runner’ de Ridley Scott, acredito ser o maior filme distópico já feito. Embora Metropolis seja uma escolha discutível, é preciso observar os visuais inautênticos associados ao cinema expressionista alemão. ‘Blade Runner’, por outro lado, é mais do que perfeito na construção de um mundo que sofre de desigualdade financeira, boom populacional, deficiência em qualquer coisa natural porque nem a carne pode ser confiável aqui. A iluminação cintilante é contextualmente natural, porque é um mundo eletrônico e Jordan Cronenweth a usa de forma semelhante aos objetos iluminantes cotidianos do filme noir. Embora possa não apresentar questões tão abrangentes quanto 'A Space Odyssey', mas nos faz pensar se os andróides sonham com ovelhas elétricas.

90. Fargo (1996)

Violento, engraçado, caloroso e brutalmente intenso, ‘Fargo’ é um dos melhores filmes americanos dos anos 90 e um dos maiores dramas criminais já feitos. O filme é sobre um homem que contrata dois homens para sequestrar sua esposa e extorquir dinheiro de seu sogro rico. O uso brilhante de humor negro dos irmãos Coen permeia o filme com um ar de calor que dá um tom muito distinto ao filme. É essa mistura magistral de comédia, drama e violência que torna ‘Fargo’ uma experiência cinematográfica tão memorável. Aquela linda cena de abertura de um Minnesota cheio de neve, lindamente complementada por uma trilha sonora assombrosa, dá o tom do filme e estabelece uma sensação de profunda tristeza que está por baixo da violência e do humor que o filme está repleto. Frances McDormand é claramente a estrela do filme e rouba a cena, retratando uma chefe de polícia grávida apanhada em um mundo de maldade e brutalidades, mas consegue encontrar luz e esperança. ‘Fargo’ é uma peça emocionalmente crua, brutalmente intensa, cativantemente engraçada e dolorosamente realista de puro cinema fascinante.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' é um livro didático sobre horror atmosférico. Contando a história de um homem com cabelos estranhos que tenta criar uma espécie de família sozinho, este filme se torna mais um pesadelo surreal a cada minuto que passa. Usando som e close-ups para oferecer uma sensação de medo claustrofóbico e alinhando isso com um enredo que faz pouco sentido à primeira vista, a estreia de David Lynch prova ser uma das melhores do diretor mestre, o que por si só é um grande elogio. O que ‘Eraserhead’ faz é criar um mundo distópico – salpicado de prédios feios e engenhocas mecânicas mergulhadas em preto e branco vicioso – e jogar nele personagens que estão mais ou menos confusos com o ambiente. Embora descobrir o significado dessa imagem seja quase impossível, é preciso perceber que essa nunca é a intenção. 'Eraserhead' coloca na mente de seu público um sentimento de total desconforto, usando tanto seu visual quanto seu estilo surreal, e encontra uma maneira de manipular seus pensamentos. Apenas um punhado de fotos são tão lindamente estruturadas, mas inegavelmente ameaçadoras como esta, e isso é algo que apenas alguém como Lynch poderia fazer.

88. Infância (2014)

‘Boyhood’ é uma lembrança carinhosa dos anos passados ​​de alegria desinibida, otimismo inabalável e inocência borbulhante. Baseia-se em derivar beleza, alegria e emoção da vida comum das pessoas e não de qualquer ato de drama elevado (pão com manteiga para a maioria dos filmes). É fascinante ver como de cena para cena, não apenas há mudanças na fisicalidade dos personagens, mas também você notará a transformação em sua moda, penteado, gosto musical e, em geral, perspectivas sobre a vida. ‘Boyhood’, de uma forma que poucos filmes fazem, transcende as fronteiras do cinema e se torna uma pequena parte de nossa própria existência e experiência. Linklater nos lembra novamente por que ele é o melhor nos negócios quando se trata de contar histórias simples sobre pessoas comuns.

87. Dias do Céu (1978)

A evolução de Terrence Malick para um visionário cinematográfico totalmente controlado e autoritário é uma das melhores coisas que já aconteceram ao cinema americano. Está claro desde seus primeiros trabalhos que ele estava desesperado para sair dos limites convencionais do cinema. Filmes como 'Badlands' e 'Days of Heaven' tinham narrativas aparentemente diretas, mas eram filmes que tentavam ser algo mais. Algo mais do que apenas uma história. Uma experiência. 'Days of Heaven' alcança isso de forma mais brilhante do que 'Badlands'. Muitas pessoas muitas vezes criticaram o filme por seu enredo fraco. Eu não poderia dizer que eles estão totalmente errados, mas a história, de qualquer maneira, não é o aspecto mais importante de um filme. O que Malick faz aqui é usar a visualidade do cinema que enfatiza o clima da história e não a história em si. Sua intenção não é emocioná-lo com a situação dos personagens, mas deixá-lo observá-los, sentir a beleza das paisagens e a fragrância de seu lugar. E criar esse tipo de experiência visceralmente emocionante é nada menos que um milagre.

86. Túmulo dos Vagalumes (1988)

Um filme comovente e tocante que está no mesmo nível em todos os aspectos que você pode imaginar, com os outros filmes de ação ao vivo destacando os despojos da guerra. Este filme de animação japonês centrado nos horrores da Segunda Guerra Mundial, concentrando-se na vida de um par de irmãos, partiu meu coração de uma maneira que nenhum outro filme conseguiu e ainda continuou pisando nos pedaços até o final. Sendo um filme de guerra, também faz maravilhas na frente humana, realizando e desenvolvendo lindamente a relação de ternura entre Seita e Setsuko diante da adversidade que foi a Segunda Guerra Mundial. A mensagem é alta e clara. Nenhuma guerra é realmente vencida, e toda glória que envolve vitórias também é acompanhada por lamentos de vidas inocentes destruídas na guerra. Eu aplaudiria o filme por não ser abertamente emocionalmente manipulador em nos fazer torcer por seus personagens; mas não se engane, seu ponto de vista poderoso e intransigente sobre a guerra e as caricaturas sofridas pelo par de irmãos o reduzirão a uma bagunça soluçante. É TÃO triste. Dito isto, não há outra maneira que eu teria. É a perfeição, na sua forma mais dolorosa.

85. Manhattan (1979)

O romance nos filmes de Woody Allen sempre pareceu dolorosamente verdadeiro e deprimentemente realista, apesar do senso de humor deliciosamente pungente com que ele os envolve. Enquanto 'Annie Hall' continua sendo seu filme mais ousado, 'Manhattan' sai como um trabalho mais maduro, artisticamente. O filme mostra Allen interpretando um nova-iorquino entediado e confuso, recém-divorciado, namorando uma colegial, mas acaba se apaixonando pela amante de seu melhor amigo. Allen diminuiu um pouco o humor para este filme para nos deixar realmente sentir a tristeza que envolve seus personagens, o que o torna uma experiência emocionalmente desgastante. É apenas um retrato profundamente comovente de relacionamentos frágeis e seres humanos falhos lutando consigo mesmos e com sua existência, buscando desesperadamente a felicidade que nunca reconheceriam e alcançariam. E é essa percepção docemente delicada e pungente da condição humana que torna ‘Manhattan’ um filme tão poderoso.

84. Marketa Lázarova (1967)

A paisagem onírica incorpórea do ícone tcheco František Vláčil, Marketa Lazarová, é simplesmente uma das obras de arte mais inacreditáveis ​​que saíram dos 20 anos.^ºSéculo. Sua abordagem de vanguarda para a linguagem cinematográfica mal se encaixa nos limites dessa frase muitas vezes condenatória - pois é algo mais. Uma fusão impressionante de visão e som, livre de convenções, estrutura ou qualquer regra escrita que estudiosos de cinema desordeiros colocaram na forma do filme ao longo dos anos. Em comparação, todo o resto parece tão rigidamente controlado - tão artificial e artificial na execução. Marketa Lazarová é crua, visceral e surpreendentemente dinâmica. Resumindo: é gratuitamente – um verdadeiro pináculo das possibilidades de explorar cada polegada de meio cinematográfico. Por isso, está entre os maiores filmes já feitos.

83. Cantando na Chuva (1952)

Singin’ In The Rain é o musical mais marcante da Era de Ouro de Hollywood. É impossível esquecer a imagem de Gene Kelly dançando ao lado do poste de luz, quando falamos sobre os momentos de brilho no cinema. O filme não só celebra deliciosamente sua própria proficiência, mas também a passagem do cinema de um meio visual para um meio ressonante e estimulante. Uma conquista monumental no cinema Technicolor, o esforço de direção de Kelly foi divertidamente descartado pela crítica e pelo público, inicialmente. Acredito que a relevância desse clássico se fortaleça a cada dia, à medida que cresce cada vez mais a distância entre os períodos do filme (real e carretel) e o presente. Estamos perdendo o contato com uma era importante, e este filme enche você de nostalgia.

82. Não olhe agora (1973)

É muito difícil encontrar uma obra de arte visual que seja tão hipnótica quanto 'Don't Look Now' de Nicolas Roeg. De muitas maneiras, esta obra-prima é como o anão hediondo no final. Está lindamente envolto em cores extáticas, mas abriga a pior parte da vida: a morte. Não importa o quão eficaz seja o personagem de Sutherland, acredito que este é um filme movido a emoção, pois Roeg coloca a busca do amor perdido em uma história conclusiva. A fundação gótica é um dispositivo muito poderoso para proclamar a importância dos vínculos em que se baseia, o amor paterno e familiar, bem como para dar uma forma vaga aos fantasmas que assombram o protagonista. Alguns lugares são como pessoas, alguns brilham e outros não.

81. Clube da Luta (1999)

De vez em quando, chega uma obra de arte que define a psique de uma geração. No cinema, os anos 50 tiveram ‘Rebelde Sem Causa’, os anos 60 tiveram ‘The Graduate’ e os anos 70 tiveram ‘American Graffiti’. E mesmo duas décadas depois, ‘Fight Club’ se encaixa como uma luva no ethos melancólico, descontente e anti-establishment de nossa geração. Como tantos grandes filmes, ‘Clube da Luta’ é muito divisivo e pode ser interpretado filosoficamente de muitas maneiras distintas – alguns acham que define a masculinidade contemporânea, enquanto outros pensam que glorifica a violência e o niilismo.

Essencialmente um thriller, o filme é contado a partir do ponto de vista de um protagonista sem nome que sofre de insônia e descontente com seu trabalho monótono que cruza o caminho de um impetuoso saboneteira chamado Tyler Durden. Durden e o protagonista logo começam um 'Clube da Luta' clandestino como uma forma de membros descontentes da sociedade desabafarem sua raiva. Mas logo os planos de Tyler e os relacionamentos do narrador saem de seu controle, levando a um clímax explosivo (literalmente!)

Juntamente com a atitude despreocupada que propaga, ‘Fight Club’ também é uma marca registrada de alguma direção ás da lenda contemporânea David Fincher. A paleta de cores sombria, a edição nítida e o bom trabalho de câmera inspiraram uma horda de thrillers sombrios após o filme. Um filme divisor de águas dos anos 1990.

80. Antes do pôr do sol (2004)

Aqui está a verdade sobre a evolução humana que ninguém lhe contará: a humanidade logo perderá a arte da conversa. Os avanços tecnológicos têm um grande efeito colateral: as pessoas estão ficando cada vez menos interessadas em conversar de verdade – porque elas têm tecnologia para se esconder. E é exatamente por isso que a série Before se manterá nas próximas décadas. Uma série de filmes sobre duas pessoas envolvidas em uma conversa real é uma raridade mesmo para esta geração. No futuro, esses filmes não serão feitos. É por isso que as gerações futuras vão olhar para a trilogia Before com admiração e admiração. E não ficarei surpreso se a trilogia encontrar seu lugar merecido não apenas na história do cinema, mas também na biblioteca de todas as escolas de cinema.

Entre os três filmes Before, ‘Before Sunset’ se destaca por ser o mais dolorosamente belo. Um filme que é inerentemente sobre o desejo humano mais forte: o desejo de estar com alguém com quem você poderia passar o resto de sua vida. Se você olhar de perto, 'Before Sunset', em última análise, torna-se um espelho, olhando para o qual você pode julgar seus próprios relacionamentos: onde você errou? Quem era realmente a pessoa certa para você? Quais oportunidades você perdeu? O que poderia ter sido? É um dos mais raros filmes raros em que sua própria experiência na vida enriquecerá e nutrirá sua experiência com o filme.

79. A Matriz (1999)

Uma ideia engenhosa e inteligente apresentada na tela pelos Wachowskis, resultando em um filme que fez muitos espectadores desconfiarem da realidade em que se encontravam. É verdade, uma vez que 'Matrix' foi feito, não havia volta, mudou coisas. O filme não apenas inovou em sua história, mas também revolucionou a forma como os filmes de ficção científica e de ação passaram a ser concebidos a partir de então. O sucesso de ‘Matrix’ como filme também está em como ele lida magistralmente entre temas como filosofia, existencialismo e até religião, enquanto usa o disfarce de um filme de ação e ficção científica. A capacidade de Neo de manipular a realidade simulada para realizar feitos aparentemente impossíveis e o uso do bullet time, uma técnica de ação que é nada menos que icônica agora, contribui para a ingenuidade do filme. O gênero pode estar sobrecarregado agora, mas quando foi lançado pela primeira vez, é seguro dizer que o público não tinha visto nada parecido.

78. O Sétimo Continente (1989)

Chamar o 'O Sétimo Continente' de Michael Haneke de filme de terror soa muito errado para mim, mas é assim que é referido pela maioria das pessoas que o viram. É difícil argumentar com eles, porque assistir a este filme deixa a pessoa sem esperança, deprimida e assustada. Tendo a ver com uma família que odeia o mundo e a vida em geral, este clássico de 1989 assume uma postura fria e distante para isolar ainda mais os três jogadores do resto da sociedade, o que lenta mas seguramente faz com que o público se sinta profundamente por eles como seus existência toma um rumo sombrio. Sendo um dos filmes mais perturbadores a enfeitar a tela de prata, a peça de estreia de Haneke provoca o espectador e nunca o deixa ir. Se o público o chama de filme de terror, então o faz referindo-se a um filme de terror que é diferente de qualquer outro. Coberto de ambiguidade e realismo, O Sétimo Continente é uma recontagem pessoal, íntima e aterrorizante de uma história verdadeira que deixa você em silêncio, porque por pelo menos alguns minutos após o término, você se torna incapaz de pronunciar uma única palavra.

77. Zodíaco (2007)

'Zodíaco' não é o seu thriller convencional; é lento e se concentra mais no humor e nos personagens do que no enredo. Há uma aura que David Fincher constrói tanto que você pode sentir o clima do filme em seus ossos. Não é um filme que vai te deixar feliz quando terminar. É também um filme onde o bandido vence, os mocinhos perdem. E por isso é tão bom. Não apenas bom, mas uma obra-prima moderna. Quando um filme consegue te emocionar por duas horas e meia inteiras, e te deixa pensando por dias, deve ter acertado muitas coisas que os thrillers feitos rotineiramente não fazem. Na minha opinião, ‘Zodíaco’ é o melhor filme de Fincher, onde ele, com sua disciplina e variedade de habilidades, mostra por que às vezes menos é mais.

76. Magnólia (1999)

'Magnolia' é, sem dúvida, o trabalho mais pessoal de Paul Thomas Anderson, de longe. A vibração histérica que Anderson infunde no filme traz uma certa fluidez emocional ao melodrama que é incrivelmente viciante e catártico em sua energia. O filme se passa inteiramente no Vale de San Fernando com vários personagens inter-relacionados passando por diferentes fases em suas vidas, lutando para lidar com seus próprios demônios internos e conflitos emocionais. Anderson ama essas pessoas, ele as conhece e as entende, mas as apresenta como quem elas são sem remorso; seres humanos totalmente nus, crus e puros, confrontando e superando seus medos e fragilidades mais profundos. O que torna ‘Magnolia’ tão especial é que é um filme que conta muito sobre seu cineasta. Nos é dado um vislumbre da vida de Anderson, o lugar ao qual ele pertence e as pessoas em sua vida. Há muito de Anderson em todo o filme. Um filme como 'Magnolia', se tivesse sido dirigido por qualquer outro cineasta, teria parecido datado e parecia um produto de seu tempo, mas com Anderson só aumenta o apelo do filme.

75. O Bebê de Rosemary (1968)

'Bebê de Rosemary' é uma obra de arte sombria e distorcida que brinca com a inocência para criar uma sensação de horror. Tendo a ver com uma mulher que passa por complicações durante a gravidez, o filme toma um rumo completamente novo com sua trama, permitindo que elementos ritualísticos tenham um papel importante. Há muito sobre este filme para amar, desde os personagens bem escritos até o ambiente distante e sombrio que envolve cada incidente que ocorre. Há sempre uma sensação de tensão em todo o filme, e isso se deve em parte à cinematografia silenciosa e persistente executada com o estilo de direção rígido de Polanski. Mia Farrow tem o melhor desempenho da carreira aqui como Rosemary Woodhouse, uma mulher que se torna mais fraca enquanto luta com as dores que acompanham o parto de um filho. No geral, a atmosfera capturada por este filme é igualada por poucos outros, e a maneira como ela se infiltra em sua pele é realmente outra.

74. O Bom, o Mau e o Feio (1966)

Personagens fascinantes interpretados por atores lendários, ação desenfreada e brutal de tiroteio, música cativante e cinematografia intensa – a terceira parte da trilogia ‘Dollars’, considerada o nascimento dos westerns spaghetti, é um cinema indulgente, cativante e divertido no seu melhor. Blondie or No Name (The Good), um pistoleiro profissional e Tuco (The Ugly), um bandido procurado, formam uma aliança involuntária quando cada um descobre um detalhe importante sobre um estoque de ouro escondido por um cúmplice fugitivo. quem Angel Eyes (The Bad), um assassino, é contratado para matar. A jornada do trio é o ponto crucial de uma trama fascinante que termina em um clássico estilo ocidental. Clint Eastwood como Blondie é a imagem do machismo, Lee Van Cleef como Angel Eyes é a personificação do mal e Eli Wallach como Tuco adiciona uma complexidade de caráter de impulso e raiva aos atos mais simples e vistosos de Good Vs Evil das duas estrelas maiores. Mas as rédeas são para sempre o diretor nas mãos de Sergio Leone – ele usa planos longos e intensos close-up cinematográficos conforme necessário para criar uma tensão nos procedimentos. Um filme definidor de gênero Quentin Tarantino, um dos maiores expoentes do western moderno, uma vez chamado O filme mais bem dirigido do mundo.

73. Os Jogadores Viajantes (1975)

Por muito tempo, o épico íntimo e delicadamente montado de Theo Angelopoulos era conhecido por poucos entusiastas do cinema e, talvez, apreciado por menos ainda. Sua construção majestosa e gradual de um monumento cinematográfico à nossa relação esotérica e enigmática com o tempo, compreensivelmente, não é para todos. Mas para os curiosos entre nós, é conhecido por proporcionar consolo, dar sabedoria e presentear uma percepção que ajuda a encontrar constantes para se agarrar neste mundo universal e cruelmente dinâmico. Entre as muitas coisas que este filme acerta está sua compreensão primitiva das revelações do conto de ‘Orestes’. A mitologia associada à figura trágica é capturada com uma humildade entorpecente e, no entanto, o filme consegue nos transportar através de sua visão flexível para uma visão melancólica e persistente da Grécia de meados do século XX. Sua elegância temporal justifica ver a história ao ficar ao lado da trupe: de fora para dentro. Você tende a sentir a dureza dela e refletir sobre sua criação. É uma rara lição de história antifascista porque nunca nos diz o que pensar. Só nos mostra o que sentir. Angelopoulos e o diretor de fotografia Giorgos Arvanitis nos colocam em locais de parar o coração e os lavam com a crueldade devastadora do período. 'The Traveling Players' é uma jóia rara e humilde que parece ter sido salva de ruas cheias de tumultos e sobreviveu à fome. Em termos mais simples, não merecemos.

72. Cache (2005)

Michael Haneke é frequentemente acusado de sempre lidar com narrativas sombrias. Essa caracterização é completamente injusta porque o que ele essencialmente faz é fornecer insights humanos sobre a escuridão que nos envolve a todos, como nossas percepções imperfeitas levam a um isolamento agonizante e como nossas ilusões reduzem nossas chances de superar esse isolamento. ‘Caché’ não é apenas um documento maciço e abrasador que aponta para a crueldade do Massacre do Rio Sena de 1961 e nossa desumanidade como sociedade, mas também um estudo de personagem poeticamente universal. Georges, nosso protagonista, percebe a vida e sua presença como um ser social em um sentimento distorcido de alegria. Ele foge do conforto de confiar e se comunicar com os outros. Ele aprecia sua alienação, assim como aliena tantos que o amam. Com isso, Haneke zomba da geração que deseja ser deixada em paz. Sua câmera às vezes está extraordinariamente distante, assim como muitos de nós estamos em relação ao nosso entorno. Mas sob seu controle, temos que enfrentar nossa indecência, nossa desconsideração, nossa realidade. Uma das peças mais desafiadoras do cinema que você já viu.

71. Espírito da Colmeia (1973)

O mestre espanhol Victor Erice fez apenas três longas-metragens antes de se aposentar. Ainda vivo hoje, seus filmes como El Sur, Quince 'Tree of the Sun' e especialmente Spirit of the Beehive, sua estreia indefinível, nos fazem desejar que ele ainda estivesse fazendo filmes. Um conto parabólico de duas crianças, uma explorando sua existência com um fascínio inocente, muitas vezes desconcertante, e a outra obcecada pelo filme ‘Frankenstein’, exibido em seu teatro local. Seu retrato mistificador do coração espanhol é deixado em uma ambiguidade sedutora pela direção caracteristicamente neutra de Erice - raramente se aventurando pelo método cinematográfico em favor da observação silenciosa. O trabalho resultante é desconcertante, cativante e vai deixar você imaginando sobre o enigma intrínseco da própria vida: suas perguntas sem resposta, seus grandes mistérios e sua inatacável desconcertante. Para deixá-lo totalmente devastado ou incomparavelmente emocionado, não há dúvida de que, para qualquer um dos extremos, ‘Spirit of the Beehive’ será uma experiência importante.

70. Todos os Homens do Presidente (1976)

Watergate. Uma palavra que derrubou as cortinas da presidência de Richard Nixon e fez as pessoas perceberem que mesmo uma pessoa da estatura do presidente pode se rebaixar ao mínimo possível para fazer suas coisas. Enquanto os comparsas do presidente estavam ocupados limpando a bagunça que ele criou, houve dois repórteres que sentiram o cheiro. Apesar das ameaças iminentes, eles trabalharam incansavelmente, perseguiram até mesmo as pistas mais ínfimas e, às vezes, trouxeram perigo para si mesmos no processo de levar os fatos ao povo. Baseado no livro de mesmo nome, escrito pelos repórteres Bob Woodward e Carl Bernstein, ‘All the President’s Men’ é uma observação astuta do que o verdadeiro jornalismo deve ser. Dirigido por Alan J Pakula, este foi indicado a oito prêmios da Academia, vencendo três e, incidentalmente, perdendo o melhor filme para 'Rocky'.

69. Exército das Sombras (1969)

Acho que um excelente ponto de comparação a ser feito para os recém-chegados ao trabalho de Jean-Pierre Melville é o de Stanley Kubrick. Ambos praticam extrema precisão técnica e exalam confiança absoluta em cada rolo de trabalho que realizam ao longo de carreiras longas e criativamente lucrativas. Dito isto, uma reclamação barata, mas desafiadora, que qualquer um pode apresentar ao diretor americano é sua “falta de alma”. Uma vacância de expressão humana. Esse não é o caso de Melville. Em ‘Army of Shadows’, os personagens de Melville queimam com uma amarga faísca alimentada pelo desespero que faz com que todas as suas ações transbordem com a humanidade. No mundo mortal do movimento Wartime Resistance, um movimento em falso pode resultar em destruição total e é com a graça mencionada acima e o controle virtuoso sobre seu cinema que Melville costura as sementes de um mundo totalmente crível e convincentemente morto. 'Army of Shadows' é uma das obras mais silenciosas, intrigantes e monumentalmente comoventes do cinema francês - e perder um clássico tão criminalmente esquecido seria um grave desserviço.

68. O Iluminado (1980)

Com sua adaptação do clássico de Stephen King, Stanley Kubrick criou em 1980 um filme que redefiniu o gênero de terror. Aqui, não é apenas a história ou os personagens que nascem com medo. O ambiente e a maneira como foi filmado ajudam maravilhosamente a permitir que uma tensão entorpecedora penetre nas mentes do público. O filme segue Jack Torrence, um zelador recém-nomeado do The Overlook Hotel, e sua família enquanto eles passam um período de isolamento absoluto no misterioso edifício. Através de performances impressionantes e excelente trabalho de câmera, Kubrick garante que o conteúdo do filme penetre profundamente em nosso subconsciente. A maneira como ele manipula o som e a atmosfera é absolutamente incrível e cria duas horas e meia inesquecíveis e arrepiantes. O mundo de 'O Iluminado' é lindamente escuro, segurando você com força pela gola durante todo o seu terceiro ato de tirar o fôlego.

67. Chinatown (1974)

Há filme noir e neo-noir e bem entre esses dois, está Jake Gittes, bem vestido com um chapéu de feltro para complementar aquele sorriso no rosto. Apesar de ser um grande admirador de Polanki, sempre há algo que não combina com o produto final de seus filmes. Exceto Chinatown. Esta obra-prima seminal não apenas criou uma identidade para si mesma, mas é sempre vista por cineastas que emprestam seu estilo para criar uma identidade para seu filme. Polanski é um mágico no trabalho, nos enganando com pistas distintas, bem como com ritmo e cenário noir clássico. Mas então vem o último ato de Chinatown, que quebra tão rapidamente todas as convenções originalmente ligadas a filmes de mistério semelhantes, você fica com uma sensação avassaladora de choque e desespero. Seu fracasso em derrotar Godfather II ainda me intriga, mas depois de meio século, as pessoas esqueceram a Sicília, mas nunca Chinatown.

66. Tango de Satanás (1994)

Confissão número um: quase nunca vi a extensa e prodigiosa obra-prima de Béla Tarr. Alguém poderia assumir seu status de favorito cinéfilo de todos os tempos e a excelente reputação que acumulou entre os círculos de arte americana e entre alguns dos críticos de cinema mais informados do mundo me intrigariam. Mas a pura imensidão de sua duração (cerca de 432 minutos) e o ritmo de loris que eu tanto gostava em Werckmeister Harmonies de Tarr pareciam assustadores. Confissão número dois: vi ‘Sátántangó’, pela primeira vez, de uma só vez. Fiquei hipnotizado pelo seu sentido pragmático do mundo real e pelo seu sentido paciente e prudente do cinema. Observou mais do que refletiu e contemplou mais do que emitiu declarações ordenadamente formadas. Seu realismo mítico e sombrio era bom demais para ser verdade e brutal demais para ter sido realizado com tal olho para a beleza.

Tudo o que eu queria fazer no final era fechar todas as minhas janelas e me envolver na escuridão porque o filme para mim tinha sido como aquele louco na igreja e seus lamentos fizeram muito sentido. Confissão número três: Estou exultante em relatar que as sagazes reflexões sociais e políticas de ‘Sátántangó’ começaram a se tornar claras para mim quando voltei a elas repetidamente. Um verão passado devorando o romance de László Krasznahorkai, que funciona como material de origem para o filme, foi especialmente memorável. Tudo o que posso fazer agora é esperar continuar colhendo os dividendos desse feliz acidente.

65. O Exorcista (1973)

O Exorcista, de William Friedkin, é perfeitamente dirigido. O homem é famoso por uma carreira errática que vê os clássicos cair com shlock (e muitas vezes os dois grupos cruzando para algumas explorações fascinantes de falta de vergonha cinematográfica). Com seu melhor filme, Friedkin decidiu filmar um drama que por acaso era sobre possessão demoníaca: costurando pathos para seus personagens complexos e traduzindo visceralmente o texto do autor original William Peter Blatty preso entre a crença e a dúvida incapacitante. O resultado final de dois artistas maravilhosos trabalhando no topo de seu jogo para entregar um clássico cintilante do cinema americano: Um que eclipsa quase todos os filmes de seu gênero (exceto talvez o horripilante 'Wake in Fright' ou o passeio fortuito de Tobe Hooper -força O massacre da Serra Elétrica do Texas ). Simplesmente deslumbrante.

64. Suspiria (1977)

Pois em nossos sonhos, entramos em um mundo que é inteiramente nosso – J.K.Rowling. E se uma das mentes mais distorcidas do cinema decidisse borrifar seu subconsciente em um pedaço de filme. Suspiria de Dario Argento é considerado um desafio à lógica cinematográfica com sua história estranhamente estruturada. Mas acredito que seja uma obra-prima neo-expressionista que capta a verdadeira essência do cinema, que é nos fazer sentir verdadeiramente, verdadeiramente vivos. Argento entende o valor do espaço e, portanto, mostra maior foco na cinematografia e na cenografia, que são os habitantes dominantes de seu filme. 'Suspiria' não representa apenas o estilo de Argento, mas todo o horror italiano, um gênero estimulado pela estética da arte.

63. Um homem escapou (1956)

Impecavelmente preciso e inspiradoramente econômico, o alvo tão raro de Robert Bresson foi atingido com “A Man Escaped” de 1956. O auge dos poderes mercuriais do homem como cineasta, segue as tentativas do agente da resistência francesa Fontaine de escapar de uma prisão nazista cada vez mais perigosa e encontra significado em cada quadro. Do retrato incrivelmente humano do protagonista pelo não-ator François Letterrier, cujas bochechas afundadas e olhos explodidos expressavam de forma tão convincente o peso esmagador de viver em tempos de guerra, ao minimalismo de Bresson conseguindo cultivar uma intimidade abrasadora entre o público e disse que o desespero homem: De POVs frequentes e composições elegantes que não exageraram nas técnicas, o trabalho circundante de Bresson às vezes se afogou. Eu não cortaria um único quadro - e, portanto, o filme serve como um modo absolutamente vital de educação para cineastas iniciantes: pintar algo tão vívido e denso sem nunca parecer arrogante.

62. Para matar um sabiá (1962)

Em tempos como estes, não há filme melhor do que ‘To Kill A Mockingbird’ para explicar aos neonazistas sobre o verdadeiro significado de casta, credo e raça. Situado nas linhas do tempo de uma América racialmente dividida, um homem afro-americano é acusado de violar a modéstia de uma mulher branca. No auge das injustiças raciais, quando um tribunal cheio de brancos está latindo por seu sangue, cabe a um homem lutar contra seu caso. Um homem branco, chamado Atticus Finch. Ele lutou bravamente para apresentar o fato de que todos os homens são criados iguais no tribunal, seja ele de cor ou não. Seus esforços são inúteis, pois o tribunal declara o homem culpado. Mas o que fica para trás com o espectador é a lição que Atticus Finch inculca em seus filhos. Ou seja, “você nunca realmente entende uma pessoa até considerar as coisas do ponto de vista dela”. Baseado no best-seller de Harper Lee com o mesmo nome, ‘To Kill A Mockingbird’ é um dos maiores filmes de todos os tempos.

61. Janela Traseira (1957)

O que distingue um filme de suspense de obra-prima do esgoto comum empilhado regularmente sobre nós é que, neste último, as reviravoltas chegam em um flash, repousando mais em nosso choque do que na veracidade da reviravolta para causar impacto. Mas em filmes como 'Rear Window', coisas minuciosas evidentes desde a época em que o fotógrafo profissional em cadeira de rodas L.B. Jeff Jeffries olha pela janela traseira acumulando gota a gota até inundar, fazendo o inócuo Jeff suspeitar que um homem que mora do outro lado do pátio cometeu um assassinato. Hitchcock usa sua câmera com maestria como as ferramentas de um ilusionista para manter seus espectadores tensos, enganados e adivinhando até a revelação de cair o queixo. Através da perseguição obsessiva de Jeff sobre seu assunto de interesse, Hitchcock comenta as falácias do voyeurismo, como ele pode ser atraente e a melancolia do estilo de vida urbano solitário que leva a ele. Ainda mais incrível, é tanto um comentário sobre o voyeurismo do espectador quanto o de Jeff; como somos cativados pela cativação de Jeff. Observar quando não está sendo observado é uma alegria perversa; Hitchcock sabe disso, admira e nos atrai com isso.

60. 4 meses 3 semanas e 2 dias (2007)

Alguns filmes movem você; alguns fazem você rir; alguns partem seu coração. ‘4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias’ pertencem a uma categoria especial de filmes: aqueles que te deixam ansioso e nervoso. Como você deve ter adivinhado, esses filmes são provavelmente os mais raros de uma raça rara. O filme segue dois amigos que tentam arranjar um aborto no brutal regime comunista de Ceausescu da Romênia. Visceral e intransigente, o filme agarra-te pela nuca e nunca te larga. Assistir a este filme é como experimentar a sensação angustiante que você tem quando está esperando nervosamente que um de seus entes queridos saia de uma sala de operação após a cirurgia. Não é apenas o melhor do cinema realista; é também um dos filmes mais marcantes que você já viu.

59. Ano passado em Marienbad (1961)

Alan Resnais filme de 1961 'O ano passado em Marienbad' é o mais próximo que chegamos de visualizar um sonho, e é feito da maneira mais estranha possível. A música que ocupa o fundo durante a maior parte do tempo de execução funciona como um sedativo que coloca o público em estado de sonolência. Apesar disso, é praticamente impossível manter os olhos fora da tela, porque há muita coisa acontecendo ao longo da imagem, embora apenas pouco seja mostrado. Eu gosto de pensar em 'Ano passado em Marienbad' como um filme imaginado a partir do subconsciente, devido à sua natureza repetitiva e confusa. Os personagens estão confusos sobre o mundo bizarro em que foram colocados também. É uma peça madura e sofisticada, e acho o enredo central – envolvendo um homem e sua relação com uma mulher estranha que ele se lembra distintamente de ter conhecido no ano anterior, embora ela não se lembre o mesmo dele – muito envolvente, original, apaixonado, romântico, onírico e, claro, brilhante.

58. Morangos Silvestres (1957)

Já esteve em uma viagem onde você não tem nada melhor do que olhar pela janela? Por um certo período de tempo, você olha para a vista do lado de fora, antes que seus pensamentos cheguem e o que está do lado de fora agora seja apenas um modelo – não prende mais sua atenção. É o que acontece com Isak Borg, o protagonista do clássico humor de Bergman que encontrou seu lugar em inúmeras listas de melhores filmes de todos os tempos, incluindo uma compilada por Stanley Kubrick em 1963. Ele está viajando com sua nora para receber o diploma do Doutor Jubilaris de sua alma mater. Ela não gosta dele e está planejando deixar seu filho. Mas nosso professor, interpretado pelo brilhante Victor Sjöström, não está muito interessado no futuro. Seus pensamentos e, como consequência, o filme, catapultado pelas muitas pessoas com que se depara em sua jornada, lançam luz apenas sobre seu passado. Vistas através das lentes clementes e seguras de Bergman, suas memórias são simples, familiares e humanas. Eles não glorificam sua vida ou rejeitam suas realizações. Eles são confusos, como a maioria dos nossos e deliberadamente distorcidos. Quando ele finalmente chega ao local para receber a honra, percebemos que ele nunca precisou de uma recompensa. Ele já conseguiu naqueles morangos que colecionava com sua namorada de infância, o comerciante que se lembrava dele, o relacionamento conturbado com sua esposa, o bom e o ruim, o redentor e o imperdoável. Assim como nós, na forma deste filme misterioso e inexplicavelmente comovente.

57. As Regras do Jogo (1939)

A engenhosa e mordaz comédia de costumes de Jean Renoir consegue se manter surpreendentemente bem depois de todos esses anos, mantendo-se tão divertida e assustadora como sempre. Foi evitado na época de seu lançamento tanto pela crítica quanto pelo público, resultando em Renoir cortando uma parte significativa do filme após a estreia desastrosa – uma parte que apresentava principalmente o personagem Octave, que foi interpretado pelo próprio Renoir. Não surpreende o seu crescimento em estatura desde então. O filme, em seu malabarismo astuto e autoritário de personagens, temas, tons e cenários, é sempre delirantemente divertido, mas nunca menos diligente ou menos suntuoso do que o melhor do cinema mundial da época. Seus visuais escrupulosamente forjados pulsam com sofisticação, mas o esforço nunca é visto e o filme deixa você boquiaberto e maravilhado com o quão profundamente enredado você estava em sua atmosfera habilmente construída. O diretor de fotografia Jean Bachelet e Renoir brincam com a câmera de uma maneira que dá uma leveza ao filme, mas seu controle implacável é o que o torna um empreendimento constantemente intrigante. Se tudo isso não for suficiente, saiba que Alain Resnais disse uma vez que o filme foi a experiência mais avassaladora que ele já teve no cinema. Seria difícil encontrar uma recomendação mais brilhante.

56. O Terceiro Homem (1949)

Film-noir é um gênero associado a filmes que esbanjam becos escuros, personagens secretos e sedutores, uma sensação de mistério e preto e branco cremoso para revestir tudo. Embora muitas dessas fotos sejam intrigantes e ofereçam bons momentos, poucas tentam algo inovador e diferente. O Terceiro Homem é um dos maiores filmes noir já feitos, porque conta sua história surpreendentemente bem, fazendo uso de impressionantes inclinações holandesas, luz impressionante e bela música. O filme tem a ver com um homem e sua investigação auto-conduzida sobre o assassinato de seu amigo financeiramente abastado. O enredo de O Terceiro Homem é forrado com romance, humor negro, reviravoltas e suspense. No fundo, o filme pode ser chamado de uma doce história de amor, mas com todo o resto, essa paixão é deixada em dúvida. Jogando com um roteiro magistralmente escrito, o magnum opus de Carol Reed é aquele que mantém você na ponta de seu assento desde seu primeiro ato humilde e alegre até um final que pode muito bem ser o final mais inteligente para qualquer filme que você ' alguma vez verei.

55. Gritos e Sussurros (1972)

O trágico drama familiar de Ingmar Bergman trata de uma tristeza que é ao mesmo tempo imaculadamente desesperada e febrilmente urgente. Não é pacientemente construído cena por cena e entregue em uma bandeja até o final. Você é feito para inalá-lo desde a abertura do filme, que apresenta os principais atores e sua tristeza endurecida e combustível com lindos closes que tornam seu desconforto sufocante vividamente evidente. Tudo isso é coberto por uma infinidade implacável de vermelho, na forma do carmesim com que as paredes da casa em que a história se passa são pintadas. Bergman nos torna conscientes do fedor da morte que envolve as mulheres com uma direção tão imponente que uma morte real não é motivo de alarme. O desejo inerentemente violento das mulheres fez de tudo no filme uma memória assombrosa e encharcada de sangue em minha mente. Os visuais consistentemente fascinantes de Sven Nykvist são temperados pela escrita sutil de Bergman e pelas performances vividas com maestria pelos atores. A luminosa Liv Ullman parece mistificar e encantar toda vez que a câmera está sobre ela, enquanto as incrédulas Ingrid Thulin e Harriet Andersson são tão imaculadas em seu trabalho que parece invasivo entrar em contato com seus sentimentos. Bergman não nos dá ideias claras para levar para casa, mas nos nega todas as outras sensações além das que seus personagens experimentam. Nós nos perguntamos até onde vai seu acesso às nossas emoções e ele o estende a cada passo. Em última análise, 'Cries and Whispers' não é para ser acreditado, é para ser vivido.

54. Era uma vez no oeste (1968)

Talvez seja a trilha sonora assombrosa de Morricone ou talvez a visão de Delli Colli que é tão vasta quanto o Ocidente ou talvez a coragem inabalável nos olhos de Bronson e Fonda e talvez seja a culminação de todos esses aspectos em quase todos os quadros do maestro Sergio Leone . Se você precisa de um faroeste que tenha a beleza de John Ford e a selvageria implacável de Sam Peckinpah, então simplesmente não há ninguém perto de Leone. Em sua magnum opus, ele consegue o que levou 3 filmes anteriormente, para criar um mundo místico no meio do nada. Embora possa não haver nada espiritual na superfície, o filme tem deuses. Deuses ostentam coroas cheias de 10 galões de pólvora e areia que eles engolem com água. Além disso, a escolha de Henry Fonda como antagonista foi provavelmente a decisão daquela década, já que seus olhos azuis gélidos eram diferentes de tudo que o Ocidente já havia testemunhado.

53. Annie Hall (1977)

Ninguém pode afirmar que entende o enigma confuso e consumidor que é o amor como Woody Allen. E nenhum filme de Woody Allen chega perto de mostrá-lo em sua glória genuína e peculiar do que este conto de Alvy Singer, um comediante niilista e neurótico de Nova York que se apaixona 'mais do que amor' pela estúpida, volúvel e alegre Annie Hall e então cai fora dele. O filme também explora as diferenças de gênero na sexualidade através do tipo de relacionamento de Alvy e Annie 'Yin e Yang'. No final, até Alvy aceita o amor como sendo irracional, louco e absurdo, mas necessário na vida. O uso de várias técnicas narrativas inovadoras, como a quebra improvisada da quarta parede, a rápida alternância de passado e presente através de cortes suaves, exibindo em legendas como Alvy ou Annie se sentem enquanto falam algo totalmente diferente, e a adição de um ' história dentro de uma história' como o clímax, elevar a história já envolvente. 'Annie Hall' é provavelmente o primeiro romance verdadeiramente modernista em celulóide e inspirou uma geração de comédias românticas em seu lugar. Nenhum é tão charmoso quanto aquele que eles procuram imitar.

52. M (1931)

O surgimento da tecnologia de gravação de voz, um fenômeno para o qual o mastro ficou como 'The Jazz Singer' de 1927, levou a uma saturação absurda de diálogos nos filmes. A tecnologia foi tida como certa como uma atualização direta, ao invés de uma ferramenta a ser usada em conjunto com a linguagem cinematográfica estabelecida. Fritz Lang, um homem que começou sua carreira no cinema mudo com uma série de obras magistrais, incluindo Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen e a excepcional Metropolis. Sua migração para o som atingiu seu pico em 'M' de 1931 - um filme que, ao contrário de todas as fontes ao redor, eliminou quase todo o ruído ambiente. O resultado é um filme silencioso com uma atmosfera esmagadoramente sem vida: uma que sustenta tão efetivamente sua narrativa. A história em questão ataca um assassino de crianças e a incompetência do governo alemão em pegá-lo - formando seu próprio tribunal canguru para punir o assassino. O que Lang comunica aqui é de uma maturidade inacreditável na mensagem: A justiça que merece ser servida totalmente minada pelo contexto político da época - com a política registrada de eutanásia do Partido Nacional Socialista e ideais cada vez mais violentos se manifestando como um tumor vicioso nas acusações do povo . A performance de Peter Lorre, rica em pathos e humanismo torturado, ajuda a martelar o profundo engano de ‘M’ – um que permanece incomensuravelmente comovente até hoje.

51. 12 Homens Furiosos (1957)

A resposta sobre se o menino era culpado ou não, nunca saberemos. Mas uma coisa que 12 Angry Men afirma é que a lógica sempre prevalecerá sobre a intuição, se houver um homem são em meio a um mundo de tolos. E a tolice é uma doença ou meramente um subproduto da ignorância? O drama de Sidney Lumet não pede que você use seu cérebro sobre o coração, mas se esforce para chegar a um ponto em que possa tomar uma decisão, com ambos trabalhando em conjunto. Junto com seu roteiro fascinante, que está orgulhosamente no currículo de todas as escolas de cinema ao redor do mundo, o trabalho de câmera e a encenação são de um clássico japonês da New Wave. Com uma atuação inesquecível do elenco, 12 Angry Men é um monumento do cinema americano.

50. Luzes da cidade (1931)

Não são muitos os primeiros cineastas que têm o reconhecimento e a popularidade na cultura de hoje que Chaplin desfruta. Isso pode ser devido a muitas razões. Seus filmes falam com o homem comum e são hilariantes, mas mais do que isso, suas histórias olham para situações melancólicas sob uma luz humorística. Esse é o caso do que provavelmente é sua foto mais pessoal, 'City Lights', que conta a história de um vagabundo e seus esforços para impressionar e ajudar uma pobre florista cega. Ele faz isso sob uma fachada, fingindo ser um homem rico para chamar sua atenção, mas se depara com problemas ao fazê-lo. Quando um filme continua a ser tão engraçado e tocante nos dias de hoje quanto era há mais de 75 anos, isso geralmente significa que há algo que está fazendo certo. 'City Lights' deixou sua marca no mundo com sua representação da pobreza e da vida durante os anos difíceis da Depressão, que é tão bem executada e sentida que nunca deixa de emocionar o público, ao mesmo tempo em que lhes dá esperança de um amanhã melhor.

49. Venha e Veja (1985)

A segunda metade de uma equipe de cineastas inacreditavelmente habilidosa, o diretor Elem Kilmov era casado com Larisa Shepitko - a virtuosa luminosa por trás de 'Wings' e 'The Ascent'. Quando ela tão tristemente morreu em um acidente de carro, Kilmov terminou o trabalho em seu excepcional projeto inacabado 'Farewell' (que poderia facilmente ter tomado este lugar) - e eu acho que o que torna todo esse contexto tão poderoso é a maneira como a dor do homem sangra em cada quadro de sua obra. O cinema de Kilmov fervilha de raiva e desespero não expressos: Hulking em seu próprio peso esmagador de emoção - e poucos filmes já feitos pulsaram com um sentimento tão poderoso quanto Venha ver . Indiscutivelmente, o melhor filme de guerra já feito, sua representação infernal da invasão da Wehrmacht na Bielorrússia ecoa com explosões ensurdecedoras, visuais de pesadelo e um mundo sendo lentamente drenado de vida - suas cenas filmadas em uma luz linda e oca. No entanto, em toda essa angústia, Kilmov encontra seu caminho para a compreensão em sua conclusão transcendentalmente madura. Talvez, em seu compromisso de contemplar a transitoriedade da vida, ele esteja finalmente encontrando forças para enterrar os ossos de sua falecida esposa. Só se pode esperar.

48. O Sétimo Selo (1957)

Desde as primeiras imagens do documento icônico de Bergman sobre fé, medo e contentamento, há um feitiço lançado sobre você. O olhar austero e granulado sobre o mar, a costa e nele um cavaleiro corajoso e seu encontro fatídico com a personificação da morte definem a clareza de objetivo do filme, mesmo que deixe espaço para uma ambiguidade sedutora, quase aterrorizante, estar presente constantemente. Beneficiando-se de uma atuação magnética do incomparável Max von Sydow e de um bando de atores que elevam o surpreendente material de Bergman, baseado em sua peça, Wood Painting, a níveis inesperados, 'O Sétimo Selo' em seus escassos 90 minutos tem a influência de um velho fábula transmitida através de gerações que impulsiona a imaginação muito mais expansiva do que ela mesma pode esperar conter. O preto e branco brilhante e nítido de Gunnar Fischer garante que a intensidade angustiante rasteje sob nossa pele. A fluidez do fluxo é o resultado de uma narrativa desdobrada com confiança sublime e uma tangível sensatez. Pode ser uma história completamente simples, que, no entanto, abriga ideias valiosas em seu seio, mas é costurada com um tecido tão intrincado e ousado que você não pode deixar de olhar várias vezes para que se traduza em uma memória duradoura.

47. La Dolce Vita (1960)

O virtuoso cauteloso, paciente e poeticamente suavizado de Fellini está em plena exibição em seu vencedor da Palma de Ouro que, em seu glamour comovente e sombrio, captura um modo de vida que parece muito evasivo e, de certa forma, muito real. Seu ritmo sublinha a sensação de falta de objetivo do protagonista e nos obriga a mergulhar no arranjo sinfônico da vibração da vida e como tudo é fugaz. Este protagonista é interpretado por Marcello Mastroianni, o melhor de sua carreira, que usa esse dom do tempo para encher seus olhos com um irresistível cansaço do mundo. Questionar o significado de certas seções de 'La Dolce Vita' que podem parecer desprovidas de importância filosófica ou relevância narrativa é rejeitar a possibilidade de deixar os detalhes picantes passarem por você e depois contemplar as consequências. À medida que a partitura celestial de Nino Rota nos transporta para o vertiginoso mundo de Roma, visto pelo olho ilusório de Fellini, você vê apenas o que ele quer que você veja e rapidamente se torna o que você quer ver também.

46. ​​Psicopata (1960)

Os seres humanos, na melhor das hipóteses, podem ser descritos como peculiares. A mente humana que é capaz de muitas coisas surpreendentes, também é capaz de degenerar para além da compreensão. 'Psicose' de Alfred Hitchcock dispensa apresentações, pois mantém a cabeça erguida, em meio a cinemas atemporais. Além de ser um clássico, é também um comentário triste sobre a moral falha dos seres humanos. E não é Norman Bates, lembre-se! O domínio cáustico da Sra. Bates, que colocou a vida de Norman em crise durante a infância e, eventualmente, a idade adulta é um lembrete de como o amor pode ser sufocante. Notoriamente, Hitchcock adotou políticas estranhas para 'Psicose', que incluíam não permitir participantes atrasados ​​no filme. Foi adotado para garantir total justiça à pulsante cena clímax do filme. Um thriller em sua forma mais verdadeira, 'Psicose' é a história de um filho, sua mãe e seu vínculo doentio de possessividade. Hitchcock estava tão ferozmente cauteloso sobre o final, que promoveu o filme com este slogan – Não dê o final – É o único que temos!

45. Solaris (1972)

O ‘Solaris’ de Tarkovsky é bem parecido com os fenômenos retratados no filme. Desde me intrigar com seu conceito profundamente enraizado, até evoluir para uma entidade da qual não posso me separar, é uma experiência que me faz pensar sobre a natureza alheia de cada molécula que constitui o universo. Talvez estejamos cientes das dimensões científicas, mas algum instrumento pode calcular a quantidade de amor ou tristeza que se tem em um nanograma do coração? Alguma coisa pode encontrar a célula cerebral onde reside uma memória inesquecível? Da música fascinante de Bach na sequência de abertura à cena da estrada perene, o uso do tempo de Tarkovsky para separar o espectador do funcionamento de um mundo normal é magistral. Solaris é um reino onde as emoções o levam a dar uma volta com a insanidade, mas quem não se emocionaria quando a insanidade é bonita de tocar e visceral o suficiente para absolvê-lo de si mesmo.

44. A Lista de Schindler (1993)

Um filme importante que se beneficia muito do talento dramático de Spielberg, é uma experiência igualmente perturbadora e sensível. O filme é, como muitos outros nesta lista, uma masterclass em algo que gosto de chamar de narrativa simplista e impactante. A narrativa segue Oskar Schindler, um empresário alemão que salvou a vida de mais de mil judeus ao empregá-los em suas fábricas durante o Holocausto. Todos os três protagonistas, Liam Neeson como Oskar Schindler, Ralph Fiennes como Amon Goth e Ben Kingsley como Itzhak Stern estão em ótima forma, apresentando as performances mais sinceras. Uma cena em particular no final do filme, onde Schindler desaba considerando quantas vidas ele poderia ter salvado, é profundamente comovente e permanece gravada em minha mente como uma das cenas mais poderosas de renderização de coração no Cinema. O fato de o filme ter sido rodado em preto e branco, com uso raro e ocasional de cores para simbolizar ou destacar um elemento importante, aumenta a experiência. Facilmente, o melhor filme de Spielberg, continua sendo uma experiência essencial de visualização de filmes.

43. Lawrence da Arábia (1962)

O cinema como meio está cada vez mais grandioso. Com tecnologia de ponta à sua disposição, os cineastas de hoje nos oferecem algumas experiências cinematográficas viscerais. Mas há alguns filmes feitos antes do CGI estar em voga, cuja escala pura e monumental não encontrou um par. O drama histórico épico de David Lean baseado na vida de T. E. Lawrence , uma das figuras mais renomadas da Grã-Bretanha, é um desses filmes. É estrelado por Pater O'Toole como Lawrence e narra suas aventuras na Península Árabe durante a Primeira Guerra Mundial. Desde o início, David Lean pinta uma imagem em movimento resplandecente do deserto infinito em toda a sua glória, auxiliado pelo diretor de fotografia Freddie Young e uma trilha sonora emocionante de Maurice Jarre. Mas de forma alguma sacrifica a emoção pela extravagância. Em sua essência, 'Lawrence da Arábia' é um impressionante estudo de personagem de Lawrence - suas lutas emocionais com a violência pessoal inerente à guerra, sua própria identidade e sua lealdade dividida entre sua Grã-Bretanha natal e seu exército e seus novos camaradas dentro as tribos do deserto árabe. Essa qualidade saudável faz de Lawrence da Arábia um dos filmes mais influentes que já existiram.

42. Os Buscadores (1956)

Indiscutivelmente o maior western já feito, o melhor filme da grande carreira de John Ford, ‘The Searchers’ é um clássico americano, entre os melhores filmes que surgiram nos anos cinquenta. Embora admirado e respeitado na época, seu poder dilacerante e impressionante não foi reconhecido por alguns anos, mas no início dos anos setenta, foi saudado como um clássico do gênero e talvez o melhor western já feito. Certamente o tempo corroeu um pouco do poder do filme, mas não aquela performance imponente e furiosa de Wayne, nem o racismo dentro do filme que alimenta a raiva e a raiva. A narrativa condutora do filme, Ethan e sua busca, é atemporal, tão poderosa hoje quanto naquela época, talvez mais porque muitos dos pontos sutis da história agora estão claros.

41. Pather Panchali (1955)

O filme que trouxe o cinema indiano para o mundo e deu ao cinema um dos melhores autores, Satyajit Ray. Baseado no romance de Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' conta a história de uma família empobrecida, tentando prosperar através de muitas adversidades da vida. Pode-se argumentar que romantiza a pobreza, pois o espectador testemunha as muitas provações que a família enfrenta, ganhando seu sustento. Apesar disso, são os momentos, intercalados com a música do maestro Ravi Shankar que ficam com o espectador. A relação afetuosa entre Appu e sua irmã Durga, a sequência do trem, que é um dos pontos altos do filme, leva o filme a um nível totalmente diferente. 'Pather Panchali' ao longo dos anos tornou-se um dos filmes cult e aparece regularmente nas listas dos melhores filmes de todos os tempos, e merecidamente.

40. Casablanca (1942)

O filme clássico americano por excelência. Talvez haja algo tão infeccioso em seu charme que você ainda se apaixona por ele, mesmo depois de todos esses anos. Além de seu imenso fator de re-assistibilidade, sua pontuação memorável (As Time Goes By!) e diálogos extremamente citáveis ​​são um argumento forte. Simplificando, é um prazer quando todos os elementos de uma ótima experiência cinematográfica estão presentes nas quantidades certas!

O enredo é simples para dizer o mínimo, quase beirando o banal às vezes. Um homem cínico e de coração partido que dirige a boate mais famosa de Casablanca se encontra em uma encruzilhada quando a mulher que ele amava aparece com o marido. Os dispositivos da trama aqui são as famosas cartas de trânsito, mas a história é diretamente sobre os dois amantes tendo como pano de fundo os estágios iniciais da Segunda Guerra Mundial e a difícil decisão enfrentada pelo personagem de Bogart, de aguentar ou deixar ir. No entanto, como em muitos filmes desse gênero, a execução faz o truque, transformando 'Casablanca' em um dos dramas românticos mais convincentes de todos os tempos que também é incrivelmente bem interpretado; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman são excelentes, e são habilmente apoiados por jogadores como Paul Henreid, Claude Rains e Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Ao olhar para o cinema como uma forma de arte, não há como negar a perfeição de Barry Lyndon, da bela cinematografia, cenários hipnotizantes, música excelente e direção poderosa. Como história, fala sobre a vida de um jovem na Europa do século 18 enquanto ele sobe os degraus em direção à aristocracia, apenas para ser levado de volta por seu destino. A imagem contém em si algumas das melhores cenas já filmadas, fazendo usos de cair o queixo da luz, cores, características físicas, etc. Não há melhor maneira de resumir a vida de uma pessoa do que olhar para ela objetivamente, e é isso que este filme fez usando um narrador não confiável. É frio e distante, raramente dando ao público a chance de sentir pelo protagonista. A partir desta perspectiva, Barry Lyndon é um estudo de personagem pródigo, com personagens ricos, um toque realista e uma forma poética de comunicar emoção. É simplesmente o cinema no seu melhor.

38. O Geral

Um dos títulos mais antigos da lista, ‘The General’ serve como um lembrete de que muitas obras-primas da ação moderna estão em uma longa sombra projetada por ninguém menos que o gênio da comédia silenciosa Buster Keaton. Com uma obra tão impressionante quanto Charlie Chaplin, o adorável vagabundo do último artista troca de lugar com uma cavalgada de personagens deliciosamente patetas no caso de Keaton; tudo cercado por uma eriçada curiosidade cinematográfica que estendeu os limites do meio em filmes como Sherlock Jr. e The Cameraman. Tudo isso sem sequer mencionar sua obra-prima, O general de 1927: Seguindo um engenheiro confederado correndo para alertar seu lado sobre o avanço das tropas da União durante a Guerra Civil Americana. Sua narrativa forma um modelo para o recente 'Mad Max: Fury Road' de George Miller e praticamente todos os filmes de gato e rato já feitos, resistindo com sua comédia hilária, efeitos especiais impressionantes e dublês de bravura que mostram Keaton colocando sua vida em perigo mais mais de uma vez para a adulação de seu público amoroso. O General continua sendo um dos, se não o melhor filme de ação já feito - um que se diverte com cada grama de seu ser e consegue convocar tantos momentos soberbamente manipulados de escala épica para rivalizar com qualquer travessura carregada de CG feita hoje.

37. Explosão (1966)

A Hora ? A balançada dos anos sessenta. O lugar? Londres. A cidade que deslumbra e deslumbra. Vibrante e glamoroso. Sexo, drogas e rock n roll. Em suma, um dia na vida de Thomas, um fotógrafo de moda que vive uma vida de, digamos, moralidade duvidosa. Num dia cheio de acontecimentos, ao folhear as fotografias de um casal que captou de forma bastante sub-reptícia num parque, descobre nele um cadáver. Ele vai ao mesmo local e encontra o corpo do homem do casal. Com medo, ele volta ao seu estúdio para encontrá-lo saqueado, mas com uma foto sobrando, a do cadáver. No dia seguinte, o corpo desaparece. Quem o assassinou? E por que o corpo desapareceu? Por que Thomas sentiu que está sendo seguido? 'Blow Up' é o ato de classe do diretor Michelangelo Antonioni que inspirou muitos cineastas ao longo dos anos, incluindo Brian De Palma e Francis Ford Coppola.

36. Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (2003)

A epifania vertiginosa e surreal de amor e desgosto nunca foi explorada da maneira e com o grau de sucesso com que ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ o faz. Exuberante com belas imagens e trilha sonora inventiva semelhante à trilha sonora da era silenciosa, é impossível explicar tudo sobre 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Sem dúvida, o filme está repleto de uma narrativa difícil de seguir - embora, na verdade, seja simples quando você começa a seguir - é um daqueles filmes que é ricamente recompensador simplesmente porque você não consegue parar de desmaiar com o conceito altamente pensativo e profundamente comovente. filme que é. Mas a verdadeira estrela do show é seu escritor, Charlie Kaufman , que na forma de ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, poderia muito bem ter escrito o roteiro mais profundamente brilhante da história do cinema. Um filme que não é apenas único à sua maneira, mas também infinitamente re-assistível com algo novo a ser encontrado em cada exibição.

35. Motorista de táxi (1976)

Em 'Taxi Driver', Martin Scorsese nos dá um dos protagonistas mais perturbados, improváveis ​​e caprichosos de nossos tempos em Travis Bickle. O filme o segue enquanto ele se torna um taxista para lidar com sua insônia e o vê sendo lentamente superado por toda a loucura da cidade ao seu redor. A verdadeira maneira como Taxi Driver vence como filme é como ele consegue se aproximar de você, lentamente abrindo caminho através da sujeira e do horror que parece afrontar Travis Bickle. Nisso, com razão, ganha sua distinção como um thriller psicológico mais do que um drama, muitas vezes trabalhando em mais níveis do que simplesmente os dois. O filme pode ser perturbador para alguns, devido ao seu tema sombrio, um tratamento ainda mais sombrio e um punhado de violência, mas para os espectadores dispostos a olhar além dele, é nada menos que uma tentativa brilhante de entender a parte do filme. psique humana que na maioria das vezes se origina na forma de vigilantismo. Quero dizer, quem não pensa em se levantar para a incorreção de nossos tempos e devolvê-la? É aquela fantasia de realização de desejos profundamente arraigada que ‘Taxi Driver’ brinca de uma maneira altamente eficaz. O filme agora é amplamente considerado como um dos filmes mais importantes já feitos e apresentou ao mundo a força que era Scorsese.

34. Caminhos da Glória (1957)

Antes de Stanley Kubrick marchar para explorar os aspectos inexplicáveis ​​da sociedade que não apenas transcendiam o tempo, mas também as expectativas dos espectadores de si mesmos, ele fez esta fascinante peça de guerra que eu classifico ao lado de 'Venha e veja'. Ao contrário do último, Paths of Glory extrai sua versão comovente de WW da mesma superficialidade da humanidade, que dominou os últimos trabalhos de Kubrick. No mundo de Kubrick, os demônios não estão cobertos de sangue e lama, mas de medalhas e orgulho, e o inferno mergulha no mais sagrado dos lugares, a quadra. Numa época em que a indústria adotava a atraente 3 tiras, o monocromático de Kubrick pintava a guerra com um único tom. Os corpos, os trapos, os quartéis, a fumaça, as cinzas, tudo camuflado com a visão comum de uma agonia angustiante.

33. Três Cores: Vermelho (1994)

A parte mais triste da morte de um artista é quando você pensa que seu trabalho final é o maior de todos os tempos. Foi o caso do autor polonês Krzysztof Kieslowski e seu último filme 'Red'. Kieslowski já havia anunciado sua aposentadoria do cinema após a estreia do filme em Cannes em 1994, mas é sua morte trágica quase dois anos depois de anunciar sua aposentadoria que o torna ainda mais profundamente triste. 'Red' é a parte final de sua aclamada trilogia 'Three Colours' e é sobre uma jovem que se depara com um velho depois que ela acidentalmente bate em seu cachorro com seu carro. O velho é um juiz aposentado, desapegado da vida e de qualquer tipo de emoção e passa o tempo espionando outras pessoas. Um vínculo improvável com tons românticos sutis se desenvolve entre os dois. 'Red' é sobre chances e coincidências que nos atingem todos os dias e nossa falha em reconhecer a beleza e o significado disso. Há uma sensação inexplicável de melancolia que percorre todo o filme sobre a tragédia do destino e do tempo humanos e como nós, como pessoas no mundo, estamos todos conectados de uma forma ou de outra. 'Red' é um feito surpreendente no cinema e é simplesmente um dos melhores filmes já feitos.

32. O Tesouro de Sierra Madre (1948)

Como o nome sugere, muitas vezes associamos a caça ao tesouro com a aventura pulsante e a adrenalina associada a ela. Mas existem muito poucas histórias que falam sobre as emoções pelas quais as pessoas passam enquanto embarcam em uma jornada para obter esse ouro. Costuma-se dizer que a adversidade traz à tona seu verdadeiro caráter. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ conta uma história em que o desejo pelo ouro traz mudanças desagradáveis ​​nos personagens, resultando em sua desolação individual. Enquanto o foco está na ganância corrompendo a consciência, é o estudo do caráter humano sob situações adversas que fica com o espectador. Um conto trágico de ganância e traição, este filme ganhou o Oscar de melhor diretor, melhor roteiro adaptado e melhor ator coadjuvante. Ao longo dos anos, isso se tornou um clássico cult para os amantes do cinema em todo o mundo.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, um termo que é indicado para as revistas ou livros que destacam a violência, o sexo e o crime. Esses elementos fizeram as revistas venderem como panquecas quentes. Tarantino pegou esses elementos, misturou-os em torno de três histórias e criou uma narrativa que não era menos que um gênio cinematográfico. Um dos filmes de cultura pop mais originais já feitos, o espectador é apresentado ao mundo do assassino da máfia Vincent Vega, seu parceiro no crime e tagarela Jules Winnfield, a esposa do gângster Mia Wallace, o boxeador Butch Coolidge e fica deslumbrado com seu tratamento elegante do crime e da violência. Um dos aspectos mais importantes do filme que contribuiu para seu sucesso foi a atuação de Samuel L Jackson. Como o assassino Jules Winnfield que cita versículos da Bíblia como piadas, ele foi fenomenal. Um dos maiores filmes desta época, 'Pulp Fiction' tornou-se um livro didático para aspirantes a cineastas em todo o mundo.

30. A Batalha de Argel (1966)

Poucos filmes exerceram o fardo da política de uma forma que enriquece seu efeito cinematográfico, mas deixe para o maestro italiano incendiário Gillo Pontecorvo pegar o ponto de inflamação ainda fervilhante da opressão colonial francesa do povo argelino no final dos anos 50 e transformá-lo em algo absolutamente convincente. Os paralelos ainda prescientes que a observação admiravelmente neutra de Pontecorvo sobre o terror e o terrorismo cometidos por ambos os lados traça hoje faz da experiência de 'A Batalha de Argel' um desafio intelectual fascinante para nossa compreensão da guerra em preto e branco, a-la a frieza empalada de Miklós A indelével filmografia de Jancsó. Além disso, suas técnicas de edição de cinejornais são um marco na comunicação fílmica e, na minha opinião, fizeram uso muito mais forte das técnicas de corte frenéticas da Nouvelle Vague do que muitos de seus mastros exploratórios. Uma vez visto, nunca esquecido - 'A Batalha de Argel' é simplesmente uma peça seminal do cinema mundial.

29. Bons Companheiros (1990)

É o sonho de um diretor criar um filme marcante para a época em que é feito. Mas, para Martin Scorsese, é um hábito. A cada década em que ele é um A-Lister, ele fez um filme considerado um dos maiores do período. Ele fez 'Taxi Driver' na década de 1970, 'Raging Bull' na década de 1980, 'Goodfellas' na década de 1990, 'The Departed' na década de 2000 e 'The Wolf Of Wall Street' na década de 2010. E é o drama de gângster de 1990 baseado na história real do associado mafioso Henry Hill que se tornou uma das referências do gênero. O filme, narrado em primeira pessoa por Hill, narra sua ascensão e queda como parte da máfia de Nova York de 1955 a 1980. Em contraste com toda a extravagância de gângsteres em 'O Poderoso Chefão' ou 'Scarface', 'Os Bons Companheiros' trata do minúcias autênticas da vida cotidiana dos gângsteres, concentrando-se tanto no relacionamento de Hill com sua esposa Karen quanto em suas façanhas com seus companheiros de gangue. Mas Scorsese usa todas as flechas em sua aljava de truques para tornar este caso atraente, como este lendário tiro de rastreamento longo , alguns diálogos memoráveis ​​e um ato explosivo de Joe Pesci como Tommy DeVito, o tempestuoso associado de Hill. Quando se trata do gênero crime, ‘Goodfellas’ é tão bom quanto possível.

28. Touro Furioso (1980)

Martin Scorsese é conhecido por retratar histórias de protagonistas quebrados, falhos e muitas vezes autodestrutivos em seus filmes. E ele muitas vezes vasculhou os anais da história para encontrar seus heróis caídos em histórias verdadeiras. 'Touro Indomável' é a história de vida do lendário boxeador Jake LaMotta, cuja raiva autodestrutiva e obsessiva, ciúme sexual e apetite animalesco, que o tornaram um campeão no ringue, destruíram seu relacionamento com sua esposa e família. O filme é inteiramente filmado em preto e branco, para retratar verdadeiramente a época em que foi ambientado e o clima sombrio e deprimente que definiu. Scorsese esperava que este seria seu projeto final. Assim, ele foi meticulosamente exigente em sua produção cinematográfica. Igualmente dedicado foi Robert De Niro, que protagoniza o papel titular. Ele ganhou 60 quilos e realmente treinou como boxeador. Ele absorve os maneirismos curtos de LaMotta com perfeição ardente enquanto ele se submerge completamente no personagem. Ele recebeu um merecido por seus problemas. Este é o maior triunfo de Scorsese-De Niro. Uma magnum opus intensa e poderosa.

27. O Poderoso Chefão: Parte II (1974)

Na história das segundas parcelas, poucos filmes foram conhecidos por corresponder à glória do primeiro, muito menos superá-los em alguns aspectos. Se uma lista incluindo esses filmes for feita, ‘O Poderoso Chefão: Parte II’ será sua joia da coroa. Viver de acordo com o legado do primeiro foi uma tarefa gigantesca em si, mas essa continuação da saga ‘O Poderoso Chefão’ não apenas conseguiu, como também expandiu seu legado para se tornar parte da maior história americana sobre crime organizado já contada. O filme apresenta duas narrativas paralelas; um lidando com Michael Corleone como o novo chefe dos 'negócios da família' Corleone, o segundo apresentando um excelente Robert De Niro como um jovem Vito Corleone e sua ascensão ao poder. As duas histórias são habilmente tecidas, fornecendo uma narrativa atraente que não afrouxa o controle do espectador uma vez. Al Pacino faz alguns de seus melhores trabalhos aqui, seu olhar recém-descoberto praticamente mastigando o cenário toda vez que ele aparece na tela. Um daqueles filmes quase perfeitos que podem ser assistidos independentemente do tempo, lugar e sua última exibição, e você ainda acaba em total submissão e admiração. Se a Parte I é o altar sagrado, a Parte II é o pão e o vinho.

26. Laranja Mecânica (1971)

A primeira coisa que provavelmente vem à mente quando solicitado a descrever este filme em uma palavra é “perturbador”. O único filme da lista que me atrevo a revisitar, me peguei vacilando várias vezes enquanto assistia a este filme. 'A Clockwork Orange' é um comentário social em sua forma mais intransigente, fornecendo imagens fortes das quais talvez nunca se recupere. É sombrio, distorcido e não fornece redenção para aqueles que o procuram em um filme com provavelmente a versão mais sombria de uma distopia em termos sociais. E nisso, acredito, reside o sucesso do filme em levar uma mensagem perturbadora para casa. Inconvencional de qualquer maneira que você possa imaginar, ele nos fornece protagonistas que são maldosos e se entregam a atos de ultraviolência e estupro; comenta o estado sócio-político das coisas da maneira mais dura que se possa imaginar, deixa você em estado de confusão, pois Alex DeLarge (interpretado pelo carismático Malcolm McDowell) é submetido a formas desumanas de recondicionamento e acaba deixando o público em uma farrago de todas as coisas que essa experiência perturbadora faz você sentir ao mesmo tempo. Verdadeiramente, uma obra de proporções kubrickianas.

25. Vertigem (1958)

A história de 'Vertigo' é assim - o ex-detetive Scotty (James Stewart) sofre de acrofobia devido a um incidente que aconteceu no cumprimento do dever. Ele é abordado por um velho amigo para ficar de olho em sua esposa Madeleine, que ele acredita estar possuída. Inicialmente cético, Scottie logo se torna autodestrutivamente obcecado pela bela dama, que parece ser muito mais do que deixa transparecer. O brilhantismo de Alfred Hitchcock está no fato de que seus maiores filmes, emocionantes de assistir pela primeira vez, parecem abrir uma nova camada de compreensão para o espectador a cada espiada sucessiva. Claro, em um olhar superficial, ‘Vertigo; é um mistério de assassinato psicológico bem elaborado. Mas à medida que você assiste repetidamente, seus temas de agressão masculina e de construção da imagem feminina na mente de um homem começam a se desdobrar como uma caixa infinita e engolfá-lo. Provavelmente o filme mais envelhecido já feito, o brilho lento de Vertigo é testemunhado pelo fato de que, ao abrir para críticas mistas, o filme é amplamente considerado como um dos melhores filmes já feitos. Uma obra-prima do mestre dos thrillers.

24. Hiroshima, meu amor (1959)

Nascido da mente do visionário francês da margem esquerda Alain Resnais, “Hiroshima mon amour” é um filme que chora com poder transcendental. Sua história do tempo entrelaçada com a memória e as cicatrizes de ambos que ocorreram em Hiroshima durante a Segunda Guerra Mundial, contada através de duas pessoas - um francês, um japonês - enquanto tentam reunir a mensagem predominante da devastação causada lá. Exceto que não há nada a ganhar, intelectual ou emocionalmente, com tal tolice. É um trabalho imerso no luto internacional, indo além do próprio conflito e nas verdades e repressões que assombram os seres humanos todos os dias. Através das reverberações da explosão atômica, encontramos uma pequena parte do que há de tão errado em nós mesmos. O fato de Resnais simplesmente entender essa confusão intocável, em vez de tentar consertá-la, é o que faz de “Hiroshima mon amour” uma das grandes obras-primas do cinema.

23. Em Random Balthazar (1966)

A obra-prima desolada de Robert Bresson é um exercício de sentimento. Ele evita definir um protagonista claro ou um tema central, a menos que você conte a força milagrosa da natureza que é Balthazar e, se você considerar o filme pelo valor de face, não. Mas se você permitir que ele seja seu ponto de acesso ao cenário emocional e temático do filme, é difícil voltar sem recompensa. O estilo visual peculiar, enxuto e descolado de Balthazar parece quase glamoroso em retrospecto; sua plácida fragilidade envolta em um senso de controle resignado e singularmente sábio. Mesmo sua honestidade palpável esconde um esforço estudado para se conter um pouco, para nutrir em sua simplicidade de cenário e personagem uma riqueza deixada ao público para descobrir e, em alguns casos de tirar o fôlego, imaginar. Como os atores falam tão pouco de sua situação, experimentamos os atos aleatórios e irracionais de crueldade e sentimos a tristeza sufocante por eles. De uma forma em que mesmo os artistas mais talentosos visam apenas aumentar os sentidos dos espectadores, conformando-se com o testado e comprovado, as imagens de Bresson forneceram para mim um modelo lírico para basear a magnitude da minha compaixão, para até avaliar o quão consciente essa compaixão é .

Tudo isso me traz de volta ao meu pensamento original. Atribuir significado a cada momento de ‘Balthazar’ não depende de assumirmos seus conteúdos como alegorias de cunho social ou mesmo político, mas de como eles nos fazem sentir saboreando sua complexidade e tranquilidade, em vez de confiar na exposição irracional a que a maioria dos filmes recorre. Faz todo o sentido, então, que o protagonista seja o burro homônimo.

22. Andrei Rublev (1966)

Eu acredito que ‘Andrei Rublev’ é o maior exemplo do conceito do autor russo Andrei Tarkovsky de esculpir no tempo. Muitos de seus últimos trabalhos eram abstratos, pois tratava de temas e visualizações incrivelmente pessoais, espalhados ao longo de períodos de tempo. Com ‘Andrei Rublev’, Tarkovsky capturou o próprio tempo e depois o acariciou com os tons mais profundos da alma de um artista. Tarkovsky é provavelmente o único cineasta que conseguiu alcançar a maior conquista ao retratar a repressão de um artista. Ele explora os regimes opressivos da Rússia que são tão nativos do país quanto sua literatura profunda que surpreendentemente questionou as questões mais convincentes sobre o espiritual e o metafísico. Muitos dos traços posteriores de Tarkovsky, incluindo filmar o fluxo da natureza, podem ser observados na jornada de Andrei Rublev. É um filme que te filma, te despedaça e te faz pensar – tanto durante o filme quanto muito depois que os créditos terminarem.

21. A Aventura (1960)

Como você se sente sobre um mistério não resolvido? Ou uma história inacabada? Você busca o fechamento procurando desesperadamente por ele? Ou você aceita os fatos e depois segue em frente? A vida não é tudo isso? Comprometer-se e seguir em frente? O filme que trouxe o reconhecimento de Michelangelo Antonioni em todo o mundo, 'L'Avventura' é a história de uma jovem desaparecendo, durante uma viagem de iate pela costa da Sicília. A busca por ela une seu ex-amante e melhor amigo e começa um relacionamento perturbador. Enquanto a história é tecida em torno da busca por uma mulher desaparecida, seu verdadeiro propósito é construir uma narrativa, sem se centrar em um grande evento e ainda conseguir cativar o público. Os verdadeiros motivos dos personagens centrais nunca são explicados completamente e, à medida que o filme termina, o espectador é forçado a aceitar que alguns eventos permanecem inexplicáveis, assim como a vida. Uma obra-prima inquestionável!

20. Sem fôlego (1960)

Muito antes de Quentin Tarantino abrir caminho para a cena indie americana com sua abordagem descontroladamente independente ao cinema que aumentava o foco do estilo sobre a substância, havia esse homem chamado Jean Luc-Godard que destemidamente assumiu as gramáticas cinematográficas tradicionais e as quebrou de forma imprudente. para baixo, redefinindo e moldando os filmes da maneira que vemos hoje com um filme chamado 'Breathless'. Talvez nenhum outro filme tenha conseguido capturar a loucura fugaz da juventude da maneira que Breathless faz com sua energia imprudente e vibração inebriante. O uso bizarro de jump cuts exalta a loucura inerente da premissa, já que Godard te afasta ferozmente de seus personagens, pedindo que você se concentre nos aspectos fragmentados do enredo em vez da história como um todo. ‘Breathless’ é uma das estreias cinematográficas mais importantes da história do cinema e, embora continue a polarizar cinéfilos e críticos, não há como negar a influência que tem no cinema moderno.

19. Sete Samurais (1958)

Akira Kurosawa é um dos diretores mais originais, influentes e referenciados que já viveu. Roger Ebert disse uma vez sobre Kurosawa Pode-se argumentar que esse maior dos diretores deu emprego a heróis de ação pelos próximos cinquenta anos e ele não poderia ter sido mais verdadeiro. 'A Fistful Of Dollars' de Sergeo Leone, que se diz ter dado origem ao gênero Spaghetti Western, foi inspirado no 'Yojmbo' de Kurosawa. Nossa entrada atual também é um divisor de águas técnico e criativo e inspirou inúmeras releituras diretas, assim como muitos elementos visuais no cinema moderno . O drama épico narra a história de sete ronin (samurai sem mestre) que pegam em armas para defender uma civilização pobre que não tem mais lugar para eles de bandidos invasores no Japão do século 16, que culmina em uma feroz batalha climática. Mas o brilhantismo de ‘Seven Samurai’ está no fato de contar uma série de histórias bem elaboradas que variam de gêneros dentro do drama principal. Há elementos de ação, aventura, romance e amadurecimento presentes em todo o filme. Também consiste em personagens tão ricamente desenvolvidos quanto um bife mal passado, que mais tarde se tornaria grampos de vários gêneros. Verdadeiramente uma obra de arte inspiradora.

18. A Árvore da Vida (2010)

'A Árvore da Vida' é a forma mais elevada de cinema: simplesmente não conta uma história, mas visa mudar sua vida. É um filme que levará tempo para crescer em você e, quando isso acontecer, você achará difícil não pensar constantemente nele. Um poema cinematográfico de alcance e ambição extraordinários, ‘A Árvore da Vida’ não pede apenas que seu público observe, mas também reflita e sinta. Na sua forma mais simples, é uma história da jornada de encontrar a si mesmo. Em sua forma mais complexa, é uma meditação sobre a vida humana e nosso lugar no grande esquema das coisas. Não importa em que fé você acredita ou se você acredita em entidade superior. A verdadeira sensação de admiração no filme surge da magia que a própria vida é. O aspecto mais bonito do filme é que ele fica cada vez melhor com o tempo, como um bom vinho.

17. Close Up (1990)

O falecido grande autor iraniano Abbas Kiarostami frequentemente via beleza e poesia nos episódios mais absurdamente mundanos da vida humana. Com enredos aparentemente simples e cenários naturalistas, Kiarostami explorou temas universais que transcendiam barreiras culturais devido ao tipo de humanidade em que seu cinema estava inerentemente envolvido. 'Close Up' é sem dúvida seu trabalho mais realizado e um dos trabalhos mais originais e inventivos da arte cinematográfica já produzida. O filme assume a forma de uma docu-ficção para narrar o julgamento na vida real de um homem que personificou o diretor de cinema iraniano Mohsen Makhmalbaf. O elenco inclui pessoas que realmente estiveram envolvidas no julgamento, interpretando a si mesmas no filme. 'Close Up' é uma exploração surpreendente da identidade humana vista através dos olhos de um homem comum lutando para lidar consigo mesmo e com sua vida e por uma tristeza desesperada e amor genuíno pela arte do cinema, ele se coloca no lugar de seu ídolo para saber como é estar verdadeiramente vivo, admirado e respeitado. Este é o cinema da mais alta ordem.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelas (1975)

Este filme de vanguarda francês estrelado por Delphine Seyrig como personagem-título não é uma mera experiência cinematográfica. Está mais perto de um exercício – um teste, e afeta você de uma maneira que poucos outros filmes fizeram antes ou depois. A peça independente se concentra em três dias na vida de uma dona de casa solitária e problemática, enquanto ela cumpre sua agenda rígida cheia de tarefas domésticas mundanas. Ela é uma mãe e uma viúva que realiza trabalho sexual para cavalheiros à noite para ganhar a vida. Os problemas surgem quando, no segundo dia, sua rotina é levemente perturbada, levando a uma espécie de efeito dominó que se reflete nas horas seguintes. Jeanne Dielman puxa a pessoa para seu mundo lento e meditativo com a assinatura de direção distinta de Akerman, envolvendo atmosfera diegética e uma aura hipnótica provocada pela personalidade calma, sutil e paciente da obra-prima, que é uma celebração dolorosa da monotonia da existência.

15. Rashomon (1950)

Uma das peças de cinema mais não convencionais e experimentais de sua época, 'Rashomon' observa o mestre em ação, dando tudo de si com suas habilidades de contar histórias. Para simplificar, é um relato de um incidente que ocorreu através de quatro pontos de vista totalmente diferentes, os do acusado, das vítimas e daqueles que alegam ser testemunhas oculares. Ele se destaca em todos os aspectos técnicos com edição quase impecável e direção magistral, mas o filme garante suas vitórias nas questões temáticas que trata; as questões sobre a existência de uma verdade absoluta. A verdade é realmente tão objetiva e desigual quanto parece ser, ou há alguma subjetividade relacionada a ela? Normalmente, é objetivo ou pelo menos amplamente considerado, aparentemente sem outras versões dele. Este filme questiona de uma maneira que o próprio espectador fica exasperado com perguntas, também comentando frequentemente como as pessoas às vezes não são completamente honestas consigo mesmas. É tão tematicamente complexo quanto possível, mas aparentemente tão simples quanto você quer que seja.

14. Perseguidor (1979)

Mantendo seus descendentes menores, que incluem a série de televisão de enorme sucesso 'Westworld', à distância, a colossal influência de 'Stalker' na narrativa visual não pode ser exagerada. Idéias – filosóficas, espirituais e científicas – bem como sua hábil e gloriosa exploração cinematográfica em ‘Stalker’ encontraram suas impressões em muitas ficção científicas que virão depois. Não é tanto o deslizar, indutor de transe e, em alguns pontos, o ritmo abstrato ou o uso comovente de sépia monocromática fora da Zona e as cores marcantes dos locais na Estônia, que foram espelhadas no trabalho de cineastas como Terrence Malick e Lav Diaz, para citar alguns, mas a paciência e humildade duradouras. Entregando em grande parte os reinados filosóficos ao público, Tarkovsky deixa tanto espaço para os espectadores descobrirem múltiplas facetas metafísicas do filme por si mesmos, que até mesmo sua incomparável poesia literal e visual parece tanto uma invenção de nossa fabricação quanto de sua obra. e seus colaboradores'. E, no entanto, o filme permanece distante, guiando-nos pelos inescrutáveis ​​mistérios da mente e do coração, e nunca acabamos por desvendá-los, porque o caminho certo nunca é o certo.

13. Fanny e Alexander (1982)

Quase 35 anos após seu lançamento inicial, o último longa-metragem de direção de Bergman é tão fascinante de dissecar quanto foi para os críticos de todo o mundo na época, que pareciam estar lutando para garantir que suas opiniões fossem ouvidas. Essas opiniões eram muito mais divisivas do que são hoje, mas o lugar do filme na filmografia de Bergman ainda parece difícil de definir. É diferente, em tom, estrutura e magnitude, de tudo o que Bergman havia feito até aquele momento. Mas também é uma amálgama indubitável de todos os seus instintos temáticos e visuais entrecruzados nesta tapeçaria de afirmação da vida de uma família no início de 1900 na Suécia. Sua exuberância pitoresca parece comandar toda a sua atenção à primeira vista com suas variações profundamente imersivas de vermelhos, verdes e amarelos suaves e quentes que formam uma paleta de cores tão inebriante que sua ausência – quando tudo é envolto em brancos, pretos e azuis fortes – parece punitivo. As crônicas meticulosamente elaboradas de Bergman irradiam a verve de um piquenique em família e possuem a familiaridade dos laços humanos mantidos juntos por décadas por um afeto genuíno e frágil. Nesta versão generosamente montada da vida, nascimento e morte são ambos incidentais. No pequeno mundo que esses personagens, como a maioria de nós, habitam, as alegrias circunferenciais são tudo o que se pode esperar e são suficientes para eles, como deveriam ser para nós. É tudo uma ilusão? Observando esse conjunto gigantesco fazer tantas maravilhas, pode-se pensar que sim. Se for, acredite, você não quer que ele seja quebrado.

12. Apocalipse Agora (1979)

Há filmes de guerra que mostram as complexidades da guerra (como 'Enemy At The Gates'), alguns outros que repreendem e abominam a noção disso (como 'O Pianista') e depois há o audacioso 'Apocalypse Now', que não oferece nenhuma opinião ou conclusão, mas, em vez disso, expõe uma representação gráfica dos horrores da guerra enquanto glorifica os soldados que participam dela. O debate continua até hoje se 'Apocalypse Now' é pró-guerra ou anti-guerra. Ame-o ou odeie-o; o certo é que você vai se lembrar. Uma das produções mais problemáticas da história de Hollywood, o corte final do roteirista-diretor Francis Ford Coppola acabou sendo seu trabalho tecnicamente mais brilhante. A premissa básica é simples – o capitão Willard deve terminar com extremo preconceito o coronel Kurtz, que entrou em território inimigo e sumiu. Mas é a jornada debilitante de Willard pelos campos de batalha angustiantes do Vietnã (elevado pela cinematografia de tirar o fôlego de Vittorio Storaro) que permanece gravado nas mentes muito depois dos créditos. Apresentando uma cena memorável após a outra e performances definitivas de Martin Sheen como Willard, Marlon Brando como Kurtz e Robert Duvall como 'entusiasta do napalm' tenente-coronel Kilgore, 'Apocalypse Now' como Coppola afirmou corretamente não é sobre o Vietnã. É o Vietnã.

11. Os 400 Golpes (1959)

“Os 400 Golpes” de François Truffaut é uma verdadeira obra de arte que nasce da dor real. Uma obra verdadeiramente sincera e profundamente pessoal, Truffaut dedicou o filme ao seu pai espiritual e teórico de cinema internacionalmente aclamado André Bazin. De natureza distintamente autobiográfica, a própria infância de Truffaut foi conturbada, e isso se reflete de maneira muito distinta no filme. Por fora, o filme é sobre a delinquência juvenil e adolescente que muitas vezes é motivada pela negligência social e dos pais. Olhe um pouco mais fundo e você encontrará um filme sobre esperança; esperança intensa e terapêutica. Antoine Doinel, o protagonista, é de alguma forma uma representação rígida da própria sociedade, uma sociedade que esconde suas próprias falhas por trás de regras, punições e julgamentos. O filme flui como um rio e leva o público a uma jornada de esperança, desespero, empatia e até pura raiva. Se você sempre quis ver como é uma obra-prima, não procure mais, 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch não é um cineasta. O homem é um sonhador. E 'Mulholland Drive' é o maior sonho que ele já sonhou. Um sonho que encapsula cada emoção que engloba a existência humana. É difícil explicar ou descrever um filme como 'Mulholland Drive' porque este é um filme sobre a experiência e o que você tira dela, em vez de um enredo baseado em uma narrativa convencional que o alimenta com respostas que você poderia levar para casa com prazer. Lynch afirmou muitas vezes que sua visão para um filme é basicamente construída sobre inúmeras ideias e sentimentos. E isso se torna uma porta de entrada para entender um filme tão complexo e em camadas como ‘Mulholland Drive’. É um labirinto de sonhos, ambições, desejos e pesadelos. Lynch sabe o que mais nos aterroriza e o que nos leva à pura insanidade. E é esse reflexo perturbadoramente íntimo do subconsciente humano que torna ‘Mulholland Drive’ uma obra de arte profundamente angustiante. Um que envolve você com uma sensação de calor e ternura antes de cortar seu crânio.

9. Ladrões de Bicicleta (1948)

Simplicidade é a sofisticação máxima – Leonardo Da Vinci. Uma das tarefas mais difíceis no cinema é descobrir quando terminar seu filme. O final em Ladrões de Bicicleta é tão tonalmente sincronizado com o início, quando começamos de Antonio, um homem comum emergindo da multidão para Antonio, um homem comum, dissipando-se na multidão. A vida na Roma do pós-guerra havia se tornado cada dia uma luta, e quase ninguém conseguia sair daquele pântano de miséria. Existem muito poucos filmes que proporcionam uma introspecção tão profunda quanto Ladrões de Bicicleta. É um filme que vai quebrar seu coração em pedaços e ainda vai inspirá-lo a viver a vida ao máximo. Raramente, um filme tão simples em sua premissa é tão brilhantemente eficaz em sua mensagem. É praticamente impossível esquecer o filme depois de assisti-lo. Embora a maior conquista do filme esteja em quantos cineastas independentes ele inspirou, que até hoje citam ‘Ladrões de Bicicleta’ como inspiração.

8. História de Tóquio (1953)

‘Tokyo Story’ é o que todo cineasta que deseja contar uma história significativa aspira. Obviamente, todos eles ficam aquém! Não há melhor exemplo de filme que retrata uma história épica de forma tão simples, mas magistral, eficaz e inesquecível. Com ‘Tokyo Story’, Yasujiro Ozu alcançou algo que é o sonho de todo cineasta vivo: residir para sempre no coração e na mente do público. Quem já viu ‘Tokyo Story’ sabe do que estou falando. O filme conta a história de um casal japonês tradicional e envelhecido que visita seus filhos em Tóquio apenas para perceber que seus filhos estão muito ocupados com suas vidas para cuidar deles e cresceram imensamente distantes deles, cultural e emocionalmente. . O que também é tão bom no filme é o seu tema universal com o qual qualquer pessoa, em qualquer lugar, pode se identificar. O estilo de filmagem de Ozu também garante que você esteja absorto em um conto que oferece insights profundos sobre a mudança da psique humana com a mudança dos tempos. Simplesmente brilhante!

7. No clima para o amor (2000)

‘In the Mood For Love’ é simplesmente a maior história de amor já colocada em filme. Período. Poderia facilmente ter sido uma peça de teatro ou mesmo poesia. Com imagens lindas e cativantes e música requintada e penetrante, ‘In The Mood For Love’ conta a história complexa de dois indivíduos simples. Dois indivíduos que passam pelo medo e pela atração de se apaixonar; e uma vez apaixonado, a pura dor de deixá-lo incompleto. ‘In the Mood for Love’ retrata o amor em sua forma mais vulnerável. E ao fazê-lo, revela nossas próprias vulnerabilidades e como somos impotentes diante do amor. Raramente um filme tão discreto e tão reservado tem tanto impacto depois de visto.

Não tenho certeza se o diretor Wong-Kar-Wai pretendia fazer o filme que fez, considerando que ele gravou o filme sem roteiro. Se você olhar para a história, as peças de arte mais marcantes são acidentes felizes. Conte 'In the Mood For Love' entre eles.

6. 8 1/2 (1963)

Número oito e meio na filmografia do maestro italiano, este épico sufocante e delicioso de fantasias, pesadelos e uma realidade muito turva é como um biscoito – decididamente absurdo em sua forma e assado de uma maneira que não permite devorá-lo inteiramente em uma só vez. Seu trabalho de câmera assustador e inquieto complementa a visão consciente de Fellini de um cineasta tentando canalizar as muitas experiências alteradas que ele teve ao longo de sua vida atada em seu novo filme. Por mais semiautobiográfico que seja, '8 1/2' passa por seu público com toda a sua complexidade arrebatadora intacta em um ritmo tão radical, que me vi tentando desconstruir suas imagens astutamente compostas com o propósito de encontrar meu próprio lugar na A especificidade imponente de Fellini, mas nunca foi capaz de pousar firmemente no chão.

Explorando a gravidade sombreada de Marcello Mastroianni, a pura eletricidade de Fellini pode ser esmagadora. Você se apega à sua percepção de um momento específico e reconhece sua riqueza sensual apenas para descobrir que o cineasta passou para outra sequência vibrante e deliciosamente equilibrada. Suas ideias sobre os artistas e sua obsessão desconcertante e ridícula consigo mesmos podem parecer datadas – ou pior, irrelevantes – mas a audácia de sua construção e expressão nunca nos passa despercebida. Ela nos enfeitiça e nos seduz, nunca permitindo que tiremos os olhos dela e, em seguida, escorrega por entre os dedos quando percebemos que nunca a tivemos em nossas mãos. Fellini não é muito diferente da clarividente Maya do filme, que parece saber o que todos estão pensando: uma habilidade atribuída por sua assistente à telepatia. Quando nosso protagonista, Guido, questiona a assistente sobre como ela faz isso, ele observa claramente: É em parte um truque e em parte real. Não sei, mas acontece. Nenhuma palavra poderia ser mais adequada para descrever o filme.

5. Pessoa (1966)

Acho que é seguro dizer que ‘Persona’ quebrou o cinema sozinho. Sendo um filme de terror na superfície, o clássico de 1966 de Ingmar Bergman é mais um estudo da identidade individual do que qualquer outra coisa. Fazendo uso de técnicas de edição inovadoras, ângulos de câmera nítidos, expressões frias, diálogos imersivos e direção esplêndida, este filme conta da forma mais ambígua possível a história de uma famosa atriz que perde a voz e a enfermeira que cuida dela em uma casa isolada, onde suas personalidades distintas começam lentamente a se fundir. Sendo o empreendimento mais cinematográfico do diretor, ‘Persona’ faz questão de distorcer todas as regras convencionais do cinema para tentar trazer uma experiência nova e fascinante. Com algumas das melhores atuações já colocadas em celulóide, a atmosfera do filme nos ajuda a apreciar as perguntas que temos sobre isso, mudando inteligentemente nosso foco para o ofício que está sendo colocado em jogo. Simplesmente não existe nada como ‘Persona’, e isso pode muito bem ser um fato.

4. O Padrinho (1972)

Possivelmente, o filme mais influente já feito. Uma das adaptações mais raras que é realmente melhor do que o material de origem - neste caso, o romance de mesmo nome de Mario Puzo - o filme perdurou ao longo dos tempos e é um clássico no verdadeiro sentido da palavra que continua melhorando a cada visualização. O filme narra uma família mafiosa sob o comando de Don Vito Corleone e se concentra na transição de seu filho quando ele assume os negócios da família após a morte do patriarca. Sem dúvida, as performances são um dos principais pontos fortes deste filme, com grandes nomes como Marlon Brando como Vito Corleone e Al Pacino como Michael Corleone redefinindo os padrões de atuação com suas performances. Todo o resto, especialmente o roteiro e a cinematografia e a trilha sonora que definem o humor, são esperados de categoria A e definição de gênero. Com razão, não existe um cinéfilo que não tenha visto esta obra-prima de um filme. É o altar onde vamos orar.

3. Cidadão Kane (1941)

O Santo Graal do cinema americano. ‘Cidadão Kane’ definiu quase todos os aspectos que englobam a arte do cinema. Um filme que quebrou inúmeras convenções do cinema apenas para criar novas. Desde seus tecnicismos inovadores, incluindo a iluminação, o som e o visual, até seu estilo de narrativa altamente inovador, ‘Citizen Kane’ mudou a maneira como os filmes eram feitos. O filme é um estudo de personagem profundamente profundo que assume a forma de um drama misterioso ao desvendar as verdades da vida de um enigmático magnata editorial cuja última palavra despertou o interesse de um repórter. Ele parte em uma jornada, explorando um ser humano que uma vez começou sua vida com ambições e desejos crus, mas logo sucumbiria aos poderes sedutores da ganância e autoridade. ‘Citizen Kane’ é uma obra de arte imensamente poderosa que é arrebatadora em sua exploração de temas profundos e captura as facetas emocionais infinitamente complexas de viver a vida como ser humano.

2. O Espelho (1975)

A arte poderia ser tão pessoal que não se pudesse distingui-la de seu criador? Esta é uma pergunta que me impressionou quando vi pela primeira vez 'O Espelho' de Andrei Tarkovsky. Esta é uma obra de arte onde o artista se entrega completamente ao seu trabalho que você não consegue distinguir entre ele e o trabalho que ele está fazendo. É quase como se Tarkovsky respirasse o filme inteiro. Os autores fizeram suas obras-primas, mudando e moldando o cinema como o vemos hoje, mas Tarkovsky deu um passo além e alcançou o inatingível; dando vida à sua arte. 'The Mirror' é apenas cinema respirando. Você podia ver Tarkovsky, sua família, a cultura em que ele cresceu. Na verdade, você conseguia se ver nele, sua mãe e há essa sensação de Deja Vu que atinge sua mente, olhando para esses lugares. É quase como se você estivesse lá, talvez na vida ou em um sonho perdido em algum lugar. E para um artista criar algo tão pessoal e íntimo é algo verdadeiramente além das palavras. É um filme que comprova o que sempre soubemos: o cinema é a maior forma de arte.

1. 2001: Uma Odisseia no Espaço (1967)

Como todas as outras entradas desta lista, '2001' também é uma lição de cinema. Vários cineastas, incluindo Christopher Nolan e Denis Villeneuve, falaram sobre como o filme foi sua inspiração. Então, sim, o filme é uma maravilha técnica. Mas não é por isso que o filme encabeçou esta lista de tantos grandes filmes. Fica no topo porque é um filme que se atreveu a ir a um lugar onde nenhum filme foi antes. Inferno, ninguém sequer sabia que existia um lugar onde o cinema poderia almejar ir. E se alguma vez a arte do cinema exigiu uma razão ou uma prova para corroborar que seu propósito de existência é muito mais do que mero entretenimento, então aqui está: o absolutamente convincente e supremamente mítico, ‘2001: Uma Odisseia no Espaço’.

Stanley Kubrick expandiu os horizontes do cinema com quase todos os seus filmes. Com ‘2001: Uma Odisseia no Espaço’, ele também deu um novo significado ao que o cinema pode alcançar. A maioria dos cineastas usa o cinema como meio para contar uma história. Mas Kubrick usou o cinema para questionar. O que ele questionou? Tudo, desde Deus até o propósito de nossa existência. Embora ‘2001: Uma Odisseia no Espaço’ seja um filme de ficção científica altamente inteligente por si só, também é muito mais. Eu acredito que é um filme que é mais uma busca filosófica para determinar se Deus existe. Fale sobre mirar alto!